Rock'n Blog

La peor experiencia en vivo

2008-12-10T01:21:00.006-03:00

Retomando un poco el post anterior, se me fue comentar una de las cuestiones que más me llamó la atención cuando buscaba el video de Low en youtube: ¡hay un monton de videos amateur que lo recrean! Ahí tienen un pasatiempo divertido que los salve del aburrimiento, cuando estén pensando, ¿y que podemos hacer? La respuesta es obvia, un remake de Low (ingredientes: un amigo y la ropa de tu vieja).

Y entrando en lo nuevo: ¿que es lo peor que puede pasarte en un concierto? Las posibilidades son varias, pero ¿Que tal que la banda haga un alto a la música para agarrarse contigo y humillarte delante de todo el público -y claro- que todo eso quede en video para la posteridad? Eso es lo que le pasó al sujeto del video que les dejo; un mocoso de no más de 16 años que tuvo la poco oportuna ocurrencia de tirarle lo que parece ser una zapatilla a Josh Homme. Mala idea.

Un poco de contexto: Queens of the stone age estaba participando en un festival noruego, en junio. Tres días antes de este concierto Josh se intoxicó con comida, y aun tenía fiebre y nauseas. Pidió que por favor no tiraran nada al escenario, un "muchacho" desafió la petición y pasó lo que pasó. Claramente la paciencia no estaba al 100%. Esta vez no hay subtítulos.

De regreso/ Low

2008-12-05T01:31:00.009-03:00

Es una de mis malas costumbres, entre muchas, el abandonar la redacción de este valioso blog. Se me hecha la yegua y dejo de escribir, o lo que escribo, como buen inconformista, no lo subo. Los visitantes/lectores más antiguos y más fieles (¿?) se habrán dado cuenta de que en ocasiones llegan a pasar varios meses y no hay nada de nada, así que como verán, se trata en efecto de una costumbre. Pero en fin. A ver si a partir de ahora mantengo a Pateandola con al menos una columna nueva al mes: para alivianar la tensión melómana, mantener en forma la capacidad de redacción y expresión de ideas (brigido), aportar al index de google y por último, para satisfacer la ansiedad voyerista de los lectores incógnitos que me conocen.

Y ya que estamos hablando de “voyeur” y aportes musicales (¿llegará algún desprevenido a esta columna buscando esa palabra en google?) los dejo casi a pito de nada con el controvertido video de uno de los singles del “One by one” de los Foo Fighters. Vetado de MTV en su momento, considerado de mal gusto, pero más que nada una excelente muestra de buena música y buen humor: Low. Un simpático clip donde Jack Black y Dave Grohl demuestran que uno puede emborracharse, pelear, travestirse y aun así divertirse sanamente. Con toque de video porno a lo Paris Hilton incluido (subtitulado).

Subtitulos por An4rchos, subido originalmente aquí.

Diva para todos

2008-09-03T13:55:00.001-04:00

Una opinión sobre Madonna en Chile

(Nota: éste articulo si bien lo escribí originalmente para este blog, fue publicado primero en Rockaxis; ya saben, cuestión de difusión. Ahora vuelve a su terruño. La foto es cortesía de ellos. Parte de los comentarios son "transplantados".)

La presente es una simple constatación, no es mi ánimo molestar (por molestar) a ninguno de los respetables lectores. Bueno, en realidad es una opinión, y se podría decir que bastante cargada, pero sí tiene bastante de simple observación.

Creo que todo el asunto de “Madonna en Chile” hace rato que ya escapó a lo que puede considerarse una reacción normal por parte de nuestros medios y por parte de la misma “población”. La tele, la radio, las revistas, los diarios, todos han metido y siguen metiendo tanto ruido con el asunto que ya parece que no existe techo que pueda tocar.

Sí, pasa que hablar de Madonna es el tema de moda, porque cumplió 50 años, viene por primera vez y es tan re contra “incomparablemente-genial-e-inigualable-a-la-vez-que-incombustiblemente-deseada-y-admirable” que nadie puede dejar pasar la oportunidad, quedarse fuera del tren y perderse las ventas; pero aún así, dejando de lado esa odiosa costumbre mediática de saturar la existencia con lo que “la lleva” en el momento (también son los tiempos del iPhone) tildarlo del evento músical del año, del lustro o la década es de mal gusto.

Peor aún es que toda esa parafernalia de nuestros medios pseudo informativos se corresponde con un fervor que aparentemente de verás existe entre la gente. O sea, no es que la tele exagere por mostrar avisos del concierto de Madonna con macabra frecuencia, ni por dedicarle segmentos especiales y tiempo dentro de las noticias; es lo que de verdad es contingencia y que la gente quiere ver. Lo mismo con las radios y las columnas e informativos de diarios y revistas. Chile esperaba que viniera su reina, y al parecer fue nombrada como tal porque -también aparentemente- ella sí que sabe de música y estilo. Olvídense de la música con sentido y de los artistas que viven más de las ideas que del vestuario. De los que se preocupan más de tocar con el corazón en las manos que de preparar bailarines y coreografías. El pueblo demanda saber de su diva, y literalmente ¡demanda y clama ante tribunales por su derecho a adquirir una entrada!

Y claro, en respuesta al frenesí desatado por adquerir un ticket al magno evento, a un -por supuesto- magno precio (nuestras entradas son, comparativamente, los más caras del planeta), la productora ha respondido con un segundo concierto. Madonna x 2, en el mismo país al que traer a los Rolling Stones es absurdo por ser un mal negocio (como a tantos más).

La sensación final es que éste es el país del pop de trasnoche. Donde el rock y la música con corazón y pelotas (o carácter, lo que les venga más) sigue caminando al costado del mundo (por ahí ha de andar). En que se valora más el envase que el contenido, y en que todos se suben felices al carro de las pretensiones. Nada nuevo.

Por último, y ya que uno de los más “tremendos” méritos de Madonna es cambiarse de ropa y peinado en cada disco -y esto lo digo con mucho respeto- no sé que tanto le ven a la dama si a estas alturas del partido parece un Iggy Pop travestido. Y ojo que no es por la edad; mejor culpemos a las cirugías y las sobredosis de gimnasio.

Y así con las visitas ilustres. Cada uno con sus gustos, y la intolerancia no es mi juego. Pero claro, cuando los gustos de alguien más aparecen todos los días en todas partes uno puede comprensiblemente llegar a cansarse. Hay que reconocer en todo caso que son los gustos de la mayoría, y que “la mayoría manda”. Algunos escucharán música para llenarse, otros necesitarán un acompañamiento para bailar frente al espejo.

Feel Like Makin' Love

2008-09-01T21:45:00.004-04:00

Me conmueve el hecho de que en la simpleza radiquen tantos sentimientos. Por otro lado me alegra darme cuenta de que hay musicos que se dan cuenta de esto.

Es algo básico. El rockero por esencia compone canciones de amor, ya sea para conquistar a las groupies que despues quiere llevarse a la cama o una verdadera declaración al amor de su vida. Sea cual sea el caso, muchas veces terminan convirtiendose en obras maestras. La cosa acá no es centrarnos en la tematica del amor y el rock(eso podría dar para otro testamento), sino para mostrarles a uds. una pequeña gran obra de arte.

Nace de la gran voz de Paul Rodgers (Free, actualmente Queen y otros) y su banda Bad Company, considerada por muchos los exponentes del verdadero rock puro, pero que influenciados por grandes dosis de blues, country y folk, crean una variedad de matices en su música, sin perder la esencia.

"Feel like makin' love", de su album Straight Shooter, es una verdadera oda al amor y a la simpleza. Con una letra poco variada y sencilla, demuestra con contundencia lo que quiere expresar. Aquella sensacion de sentirse haciendo el amor a la mujer que desea y el anhelo de compañia eterna, es sin igual. Creo que el gran protagonista de esta canción es la voz de Paul, que prima sobre todo, y llendose por la mejor via, el del canto básico pero profundo, logra penetrar en nuestras mentes y corazones para enviar ese mensaje; a mi parecer, todo un éxito.

Como homenaje a esta canción, hace pocos años Jorn Lande, antiguo vocalista de Masterplan, realiza una versión en su album Unlocking The Past. Creo que el entendió el mensaje de esta canción, y quizo reproducirla con su propio sello.

Ustedes decidirán cual es la mejor version (Kid Rock tambien le hace un cover, pero ahí creo que mataron la música), pero sin duda, es una gran canción.

Primero, la version original de 1975 por Bad Company. La letra aquí.

Y acá, la canción tocada por Lande (solo el audio porque no hay video)

Enjoy

Whiskey in the jar

2008-08-29T14:25:00.004-04:00

Apropiada para escuchar solo y en la comodidad del hogar o en el medio de la más ruidosa y devastadora de las parrandas. A media tarde o de madrugada, con sol o con lluvia, una canción que deja contento a cualquiera sin por eso transar en su espiritú rockero. Un tremendo mérito, una tremenda canción. Cómo no le iba a dedicar unas líneas.

Que no sea un tema original de Metallica es un detalle, un pelo de la cola (que la odien los puristas y sea parte del período “vendido” es tema aparte). Es un cover que dió tan bien con la personalidad y el carácter de la canción que mandó al olvido a las versiones anteriores: no la habrán escrito, pero la llevaron a donde hubiera querido estar desde un comienzo (sí, todo es subjetivo, etc). En definitiva, se adueñaron de la canción (como después hizo HIM con Wicked Game, original de Chriss Isaak, sólo por dar otro ejemplo).

Lo interesante, entrando ya en el origen de la canción -y bienvenidos a la trivia musical- es que no todos saben que es un cover (sí, está en el Garage Inc., un disco de covers, pero la mayoría escucha más canciones que discos). Otros sí lo saben pero no saben de quién es la canción original, y hay otros que creen saberlo pero en realidad están equivocados. Bueno, alguna vez yo estuve, y en ese mismo orden, en esas tres distintas posiciones.

En un comienzo -hace ya re contra bastante- pensé que era original de Metallica. Ósea, la primera vez que la escuché nisiquiera sospeché que era un cover. A las únicas conclusiones que llegué fue que se habían mandado un tremendo tema y que las fiestas-de-solo-mujeres (viendo el video) eran lo más pateador/decadente/sensual sobre la tierra (todavía no descarto aparecerme en una, como que no quiere la cosa, así como “hey, que está pasando” y ver cual es mi suerte).

Tiempo después me enteré de que era un cover, y seguido de eso, llegué a saber que “originalmente” era de Thin Lizzy. Y claro, es verdad que el Whiskey in the jar de TL es el referente directo del cover que hizo Metallica -de hecho suena como una versión más lenta y “flower power” del Whiskey de Garage Inc.- pero tampoco fueron ellos los creadores de la canción. La suya también es una versión.

Resulta que la canción original, el Whiskey auténtico, es una canción popular irlandesa. Una canción de bar, al estilo de las clásicas canciones de marino viejo (letra sórdida incluída), para celebrar en las tabernas y animarse a seguir empinando el codo; a llenarse otro jarro con whiskey y seguir la fiesta. Lo que hizo Thin Lizzy fue adaptar esa canción a los esquemas del rock (de muy buena manera, al punto de dejarla casi irreconocible de la original), dando el pie para que luego Metallica -tomando esa base- pusiera la canción en un podio aun más alto.

Tres Whiskeys distintos para elegir. En los personal me quedo con el de Metallica, pero hay que reconocer la genial adaptación de Thin Lizzy (maestría de vieja escuela). Para que curioseen, la versión de TL aquí, y el original, interpretado por “The Dubliners” acá. Abajo el ya clásico video del reventon femenino.

Breve evocación

2008-07-31T15:58:00.008-04:00

De como llegué en micro a una buena canción

Salí de mi casa apurado y cansado. Apurado porque había quedado de llegar a las 22:30 a una “junta” en la muy lejana casa de un amigo y ya eran casi las 22:00; y cansado, por que gracias a una prueba ese día, había dormido muy poco la noche anterior. Además, antes de salir había alcanzado a estar con suerte una hora y media en mi casa luego de haber pasado todo el día fuera.
En fin, ya sentado en la micro, “en camino” al punto de encuentro, decidí olvidarme de la hora y no complicarme mirando el reloj. Me habían advertido que el propósito de juntarse en la casa de este amigo era hacer “una previa” antes de partir a otro lado -un local en boga- así que lo peor que podía pasar con mi tardanza era que llegando me encontrara con que ya estaban todos listos para largar a otra parte, lo cual, no me importaba.

Así, me entregue a divagar y disfrutar el viaje costero de Valparaiso a Viña, conectado en parte a mis pensamientos y en parte al mundo que se me presentaba al otro lado de la ventana. Me recuerdo mirando a los barcos en el mar, apenas iluminado por los focos de la calle, y pensando que ya que tenía algo de tiempo libre debería terminar de escribir ese comentario que enfrentaba a Pink Floyd con los Rolling Stones, surgido de una conversación con amigos la semana anterior. Nunca lo hice, y la verdad mejor así. No tenía ningún sentido.

Pasado el rato, en algún momento del viaje, comenzó a sonar en la radio una canción que me era remotamente familiar y completamente fascinante al oído. Traté de recordar de donde la conocía, si es que de veras la había escuchado alguna vez antes, y de reconocer la voz de quien cantaba, pero nada. No tenía idea de que canción era ni tenía idea de que grupo podía ser. Lo malo, y absurdamente angustiante por decirlo de algún modo, era que estaba seguro de que si la dejaba pasar sin reconocerla, no iba a volver a escucharla probablemente en años, o peor aun, quizás nunca. Así que cansado como estaba, y por sobre el ruido de la micro, los pasajeros y la calle, intenté rescatar algunas partes de la letra. Memorizar algún pasaje que me sirviera para después buscar en google y llegar a una canción. Para poder individualizarla, escucharla y darme el gusto tranquilo. Por exagerado que suene, para quedar en paz.

“Dirty street”, “white skin”, “the race is almost run”. Esas fueron las frases que guardé en mi memoria, sin estar siquiera muy seguro de haberlas escuchado bien. Recordarlas hasta el día siguiente se volvió entonces en una de mis pequeñas grandes prioridades de esa noche.

Llegué a destino a buena hora, cuando de hecho aun faltaban varios de los comprometidos por llegar. Ahí entre la conversación despreocupada y relajada (aunque no por eso completamente trivial), aprovechabamos todos un oasis de tranquilidad, a salvo de las preocupaciones del estudio. Un momento de calma antes de la nueva tormenta (era período de exámenes).

Olvidandome del sueño y con un vaso de ron-cola en la mano, le comenté a uno de mis buenos amigos (colaborador de este blog) el haber escuchado una canción “genial” y “muy clásica” en la micro y no tener idea del nombre ni de nada; pero que claro, iba a encontrarla y compartirla. Estaba realmente determinado a completar mi pequeña misión con éxito.

Así, y mientras la noche seguía su curso, entre conversación, risas, y música para el pueblo, no olvidaba del todo la canción que tenía que encontrar. Ni en el auto conducido por un irresponsable y feliz amigo camino al local de turno discutiendo las virtudes y defectos de Lucybell (¿1:00 am?), ni en la cola para entrar al local “hechando la talla” y “finiquitando la guagua” con los contertulios (¿1:20?), ni dentro del mismo, y a pesar del estruendo del nefasto reggaeton (¿1:25?). Ni siquiera -y sorprendentemente- lo olvidé a la salida, ya encaminandome de regreso al hogar, y con la conciencia más nublada que diáfana (¿5:30 am?). Seguía aun ahí, aunque remota, en algún lugar entre mi satisfacción y mi cansancio. Una buena noche.

Debo haber despertado a las dos de la tarde. Aunque aun algo cansado, “no presentaba mayores daños”. No es malo cambiar el pisco por el ron (en relación precio/calidad, claro).

Me senté frente al computador, y casi por reflejo conecté msn y abrí google. Escribí mis palabras mágicas, aun intactas, y agregué “lyrics” a la busqueda. Apareció, para suerte mía, el nombre de una canción: “The days of Pearly Spencer”. El autor eso sí, indeterminado. Aparecía muchas veces Marc Almond y otras (muy)pocas David McWilliams. Youtube me sacó de la duda. Según noté, la versión más difundida y popular es la de Almond, pero no es más que eso: una versión, un cover. La original, y que asaltó con su melodía en mis oídos, era en la voz y guitarra de McWilliams.

Más tarde, el mismo amigo a quién le había comentado sobre la entonces desconocida canción la noche anterior -demostrandome las ventajas de Emule sobre KaZaa- la buscó y me la envío vía msn. El resto del día siguió agradable y tranquilo; y para mejor, con una canción vieja refrescando mi lista de música.

Julio de 2006

Fotografía por Puff

Sobre el supuesto plagio de Coldplay

2008-06-20T18:08:00.007-04:00

Resulta que el vocalista del grupo “Creaky Boards”, unos gringos indie sin difusión de Nueva York, subió un video a Youtube donde acusa a Coldplay de haber plagiado la melodía de su canción “The songs I didn't wright” para transformala en el nuevo insípido hit de su último disco: Viva la Vida. Bueno, para demostrar su punto, compara trozos de las dos canciones y ofrece “pruebas” de que su canción es anterior a la de los británicos. La mayor de todas: Chris Martin, la voz de Coldplay, habría estado de público en una de sus presentaciones escuchando “The songs I didn't wright” antes de que existiese “Viva la Vida”. Como sea, de solo escuchar la comparación de las canciones es verdad que algo hay. Una reminiscencia, un aire, un parecido, pero nada concluyente. ¿Y que dijo Coldplay?

Como perros grandes no se metieron a pelear con los quiltros de barrio. No hay amenaza de demanda ni nada. Dijeron tener pruebas de que en la fecha en que los “Creaky” vieron a Chris Martin en el público este estaba encerrado en su estudio en Inglaterra, y que la canción ya llevaba harto tiempo guardada. Eso si, esperaban unas disculpas públicas y sería todo (como opinión personal ¿como se iban a hacer problema desde la posición en que están, sobre todo si el vocalista llega a su casa a acostarse con Gwyneth Paltrow?).

¿Y que dijo el público?

Las respuestas al video son más menos de dos tipos: los que dicen que “si, en realidad hay un parecido”, y los fanáticos de Coldplay que dicen que “por nada, que lo que el tipo quiere es hacer conocido a su grupo metiendo este ruido”. Pero entre los cientos y cientos de respuestas, de que si y que no, hubo un lúcido par, que dijo, “espérense un poco, si alguien aquí le copio a alguien fueron estos dos grupos lateros, y a nadie más y nadie menos que a Joe Satriani”. Así es. Joe Satriani.

Y así, hay otro video en youtube. Uno donde se compara “Viva la Vida” con “If I could fly” de Satriani, y el alcance es tremendo. Mucho más que una reminiscencia, un aire o un simple parecido. La melodía es casi calcada, al punto que quién hizo el video, después de mostrar partes de las dos canciones, las mezcla para que suenan simultáneamente y el resultado es genial. Se acompañan a la perfección al punto que parecen una sola canción, genialmente instrumentalizada por Satch. El detalle es que “If I could fly” tiene cuatro años más que la canción de Coldplay ¿Conclusiones?

Lo más probable es que todo sea una coincidencia y nadie le haya copiado a nadie. Estas cosas suelen pasar (sino, busquen en este mismo blog “Led Zeppelin v/s Pearl Jam”, de enero de 2007), pero es notable como los “Creaky” metían bulla reclamando un plagio por mucho menos de lo que Satriani, con justo motivo, podría haber agarrado y acusado de plagio a estos dos grupos. Y ahí él, tranquilo y sin molestar a nadie desde su podio de leyenda de las seis cuerdas.

Como moraleja, y por las dudas, apuesten siempre por “Satch”; y ¿por qué no?, escuchando la combinación Satch/Coldplay: podría evaluar una colaboración con los ingleses.

Abajo pueden ver el video de la comparación con If I could fly. El video del vocalista de “Creaky” aquí. (Nota: este texto fue republicado en Rockaxisblog el 28/07/08)

Diccionario en mano

2008-04-23T16:56:00.004-04:00

Diccionario de la Real Academia Española en mano -o mejor dicho, a la vista en www.rae.es- decidí por simple curiosidad, buscar el significado oficial, en buen español, de distintas palabras relativas al rock. Esas que como buenos melómanos manejamos coloquialmente al revés y al derecho, y por lo mismo, no se nos ocurriría consultar nunca; hasta ahora claro está. Considérenlo un aporte a la cultura léxico/rockera.

“Rock”: Aunque no lo crean, la palabra está en el diccionario. El diccionario “tiene rock” y bastante bien definido. Hay tres distintas acepciones -rock como género musical, estilos derivados y como baile- y como dicen los españoles “no tienen desperdicio”.

Definición

1. m. Género musical de ritmo muy marcado, derivado de una mezcla de diversos estilos del folclore estadounidense, y popularizado desde la década de 1950. U. t. c. adj. Música rock. La era rock.

2. m. Cada uno de los diversos estilos musicales derivados del rock and roll. U. t. c. adj. Los Beatles son el grupo rock más famoso de la historia.

3. m. Baile de pareja que se ejecuta con esta música.

“Metal”: Existiendo una definición de rock, no es tan impensable que -quizás- dentro de las acepciones de metal hubiera una sobre el estilo musical. Algo así como “dícese de una corriente musical derivada de... y etc”, pero no, nada. La única acepción “musical” de metal se refiere a instrumentos de orquesta de dicho material, y es la siguiente.

Definición

6. m. Mús. Conjunto de instrumentos de viento de una orquesta hechos originariamente de metal. U. t. en pl. con el mismo significado que en sing.

Guitarra y Guitarra eléctrica: Entrando ya en los instrumentos, sepan que el diccionario hace una distinción entre guitarra acústica o clásica y la guitarra eléctrica. Se va por la tendencia de los que afirman que la guitarra eléctrica no es una guitarra propiamente tal, sino un instrumento derivado; es un hiper detalle en todo caso. La definición, al menos de la “guitarra” es super descriptiva. El que no haya visto jamás una va a poder dibujarla después de leer.

Definición

Guitarra: 1. f. Instrumento musical de cuerda compuesto por una caja de resonancia en forma de ocho, un mástil largo con trastes, y cuerdas, generalmente seis, que se hacen sonar con los dedos.

Guitarra eléctrica: 1. f. Instrumento musical, derivado de la guitarra, en que la vibración de las cuerdas se recoge y amplifica mediante un equipo electrónico.

Bajo: Siguiendo con las cuerdas, es el turno del bajo. Probablemente el instrumento “más bajo perfil” de todos los del rock, aunque totalmente indispensable (hay un juego de palabras ahí entremedio). La definición parece responder a la pregunta, ¿y qué hace el bajo?

Definición

29. m. Mús. Instrumento que produce los sonidos más graves de la escala general.

Batería: Adentrandonos en la parte percutiva, ya lejos de las uñetas y baquetas en mano, nos encontramos la definición de ese ensamblado de bombo, tambores, platillos y cuanto instrumento de percusión hay que es la batería.

Definición

8. f. Conjunto de instrumentos de percusión en una banda u orquesta.

9. f. Conjunto de instrumentos de esta clase montados en un dispositivo único, que toca un solo ejecutante.

Teclado y sintetizador: Dos instrumentos en extremo relevantes, que pongo unidos por que generalmente son un solo instrumento (teclado/sintetizador), siendo los tecladistas los encargados de poner en acción los ambientes y efectos varios. De todos modos, unidos en un solo instrumento o separados e interpretados por distintos músicos, son parte de la historia de la música.

Definición

Teclado: 1. m. Conjunto de las teclas de un piano u otro instrumento musical.

Sintetizador: 2. m. Instrumento musical electrónico capaz de producir sonidos de cualquier frecuencia e intensidad y combinarlos con armónicos, proporcionando así sonidos de cualquier instrumento conocido, o efectos sonoros que no corresponden a ningún instrumento convencional.

“Solo”: Los solos han sido parte de la música desde el comienzo, y están presentes en casi todos los estilos. No es nada raro entonces encontrar su definición (en acepción músical), que dicho sea de paso es bastante escueta, y es que la verdad, tampoco da para más.

Definición

m. Mús. Composición o parte de ella que canta o toca una persona sola.

Progresivo: Entrando ya en estilos o tendencias musicales está la música progresiva, el rock progresivo. Estilo tan odiado como amado, casi sin puntos intermedios, en que abunda -o sobra según cual sea su parecer- el virtuosismo y la técnica. Ustedes verán si la definición de “progresivo” se ajusta a lo que es ésta música.

Definición

1. adj. Que avanza, favorece el avance o lo procura.

2. adj. Que progresa o aumenta en cantidad o en perfección.

Psicodelia y psicodélico: Siguiendo con los estilos y ya concluyendo este artículo, la psicodelia y lo psicodélico. Colores fuertes, experimentación sónica y estados alterados, todo según nuestro buen diccionario.

Definición

Psicodelia: 1. f. Tendencia surgida en la década de 1960, caracterizada por la excitación extrema de los sentidos, estimulados por drogas alucinógenas, música estridente, luces de colores cambiantes, etc.

Psicodélico: 1. adj. Perteneciente o relativo a la manifestación de elementos psíquicos que en condiciones normales están ocultos, o a la estimulación intensa de potencias psíquicas. Estado psicodélico.

2. adj. Dicho especialmente de drogas como la marihuana y otros alucinógenos: Causantes de esta manifestación o estimulación.

3. adj. coloq. Raro, extravagante, fuera de lo normal.

...por inútil que sea, todos los días se aprende algo nuevo.

De Metallica y Lovecraft (The Call of Ktulu / The thing that should not be)

2008-04-23T02:43:00.013-04:00

No son pocos quienes saben que en algún lugar del Océano Pacífico, en las profundidades más oscuras, heladas e insondables, se encuentra la ciudad hundida de R'lyeh. Ciudad inmemorial, casi anterior al tiempo, en la que desde hace eones yace durmiendo el maligno Cthulhu, aguardando a despertar.
Tampoco son pocos quienes conocen la verdad de lo sucedido en la localidad costera de Innsmouth, Massachusetts, cuyos hábitantes comenzaron a degenerar en híbridos acuáticos luego de que la ciudad fuera tomada por un culto pagano, adorador de la deidad marina Dagon.
Cliff Burton lo sabía bien, y gracias a él Metallica. Si tú no estabas al tanto no te preocupes, sólo significa que aun te quedan unas cuantas buenas historias por leer, y que mejor manera de introducirse a ellas que con dos geniales temas de ésta tremenda banda: The Call of Ktulu y The thing that should not be.

El rock y la literatura de la mano...

Burton (1962/1986), además de excelente bajista y apasionado melómano, era un lector empedernido. Un tipo que disfrutaba leyendo y recorriendo buenas historias, y como tal, era un fanático de H. P. Lovecraft, el hombre de cuya pluma surgieron R'lyeh, Cthulhu, Innsmouth y Dagon (entre otros muchos seres y lugares que carácterizan su prolífica literatura, llena de eventos abominables, muy recomendada). Seres de terror, que gracias a la influencia de Burton, cobran vida en la potente y siempre necesaria música de Metallica.

El llamado...

Desde lo profundo de sus sueños, en lo más recóndito de la tumba océanica a la que fue condenado cuando el universo aun era joven, Cthulhu envía un llamado en busca de seguidores que ayuden a su regreso; un llamado tan potente como depravado, capaz de cruzar las oscuras aguas y de burlar las barreras del tiempo. Capaz de invadir la conciencia de las almas más débiles y de esparcir el temor y la maldad. Llamado que si eres fanático de Metallica, habrás escuchado unas decenas de veces.

“The Call of Ktulu”, el genial track instrumental que pone fin con broche del más duro acero a Ride the lightning (1984) y que alcanzó la perfección en el concierto S&M, es donde se hace sentir el llamado del durmiente Cthulhu. De una intensidad épica, con geniales pasajes que pasan de las guitarras más calmas a la más cruda distorsión, al escuchar esta pista no es nada difícil imaginar un descenso a la ciudad perdida en el fondo del océano y al malévolo ser. Definitivamente de lo mejor de Metallica, y más que digno antecesor de Orión.

¿Pero por qué Ktulu y no Cthulhu como lo escribió Lovecraft originalmente? Muy probablemente por una cuestión de derechos de autor. A nadie le gusta tener problemas por copyright, y antes que verse con una demanda la banda prefirió prevenir y escribir distinto antes que pagar (de todos modos, escrito de una u otra manera sonaba igual). Otros, tomando un camino más mítico, dicen que fue por mantenerse fieles al esoterismo de la literatura Lovecraftiana: en sus historias, el nombre de Cthulhu no debe ser pronunciado ni escrito, a menos que pretendas invocarlo, y no siendo el caso, mejor escribirlo distinto e irse a la segura, haciendo con esto, un homenaje a los escritos del autor. No es mala conclusión.

La cosa que no debe ser...

Cuando Burton introdujo a la banda a las historias de Lovecraft lo hizo con el libro “La Sombra sobre Innsmouth” (1936), en que se narra el devenir de una ciudad comandada por un culto adorador de Dagon -deidad marina y antigua como Cthulhu- cuyos pobladores comienzan a degenerar en aborrecibles y enloquecidos híbridos acuáticos. No es muy complicado hacerse la idea de la buena recepción que tuvo dentro del grupo, considerando que dicho libro es la inspiración para “The thing that should not be”, el siniestro tercer track de Master of Puppets (1986).

Si la letra de la canción alguna vez les pareció un misterio, conociendo la historia en que se basa ya es completamente accesible. Escribió Lovecraft (en su idioma original) "that is not dead which can eternal lie, and with strange aeons even death may die", y canta Hetfield “not dead which eternal lie, stranger eons death may die”.

Dos pateadores homenajes a la obra de uno de los más grandes autores de misterio y ficción que haya habido. No queda más que recomendar que hagan como Metallica, y si tienen la oportunidad, aprovechen de darle una leída. Ya tienen como adelanto de lo que van a encontrar dos imprescindibles clásicos de rock.

Para los más metidos en tema...
la composición original de “The Call of Ktulu” la comenzó Mustaine, y el nombre original mientras la arreglaba era "When Hell Freezes Over". Con su salida, Metallica terminó el trabajo comenzado y el resultado es el clásico que todos conocemos. Mustaine en todo caso no las perdió todas, y volvió a usar la misma melodía con Megadeth. Pongan atención a Hangar 18.

Abajo pueden ver el clip de "The Call of Ktulu" del concierto S&M

¿Quieres escuchar The thing that should not be? Click aquí. ¿Saber más de Lovecraft? Aquí. Escuchar Hangar 18, por acá.

Ph'nglui mglw'nafh Cthulhu R'lyeh wgah'nagl fhtagn

Iris, Goo Goo Dolls

2008-02-08T18:19:00.002-03:00

En esta ocasión vamos a bajar los decibeles y atenuar las luces. Incluso, vamos a prender unas velas y descorchar un buen vino, por que la canción que vamos a revisar ahora nos exige un estado suave y sentimentaloide; y bastante. Vamos a hablar de nada más y nada menos que de Iris de Goo Goo Dolls, el hit del adulto joven de finales de los 90 (año 98, para ser especifico, compuesta para el soundtrack de “City of Angels” e incluida en el disco “Dizzy up the girl”), así que advertidos todos, echamos pie adelante. Si quieren escuchar la canción mientras leen, mejor.

De partida, lo obvio. Hay poco que se pueda decir a alguien sobre esta canción y que sea algo nuevo, por una razón bien sencilla: Iris es una canción que todos conocen –les guste o no– y bastante bien, eso lo doy por seguro. Nadie que haya vivido dentro de una urbe o que haya tenido acceso a la televisión, un computador en línea o a una radio FM en los últimos 10 años debe haber quedado sin escucharla al menos una vez. Si no la conocen de nombre, está bien, seguro la conocen de oído, de “alguna ocasión”. Es una de esas canciones. Por lo mismo, que es tan conocida, no quiero detenerme en comentar sobre la música en sí y cuestiones abstractas, sino en otros aspectos más anecdóticos.

La mayoría de las personas sabrá ya que la letra de esta canción es acorde a la historia de “City of Angels” -en español “Un ángel enamorado”, personalmente nada de mi agrado- película para la cual fue compuesta. Aun así, por su intensidad, se sostiene bastante bien por sí sola y ha dado para muchas interpretaciones, basta ver aquí. Eso sí, lo que la mayoría no sabe bien, es el por qué del nombre. Bueno, buscando y averiguando por ahí llegué a tres distintas versiones sobre el asunto, y las tres basadas en supuestas respuestas que dio el mismo John Rzeznik (vocalista del grupo y compositor del tema en cuestión) en distintas entrevistas al planteársele la pregunta. Ninguna de ellas tiene mucha mística y son explicaciones bien sencillas, como sucede ser realmente en la mayoría de los casos.

Dos de estas versiones podría decirse que en realidad son una. Dicen que teniendo ya lista la canción -la música y la letra- a Rzeznik no se le venía a la mente ningún nombre apropiado. El hombre estaba en blanco, y en medio de ésta nebulosa se topó accidentalmente con una Iris, y le fascinó el nombre. Así es, una mujer llamada Iris DeMent, cantante y compositora estado unidense sobre quién pueden leer un poco acá, sería quién “aportó” el nombre. En lo que difieren estas versiones y que finalmente hace que sean dos, es que una dice que Iris era la cantante de turno en un pub al cuál entro John una noche, y la otra que leyó sobre ella en una revista. De cualquier modo, ese es un detalle y la dama en cuestión debe estar bastante alagada. La canción fue bautizada entonces por una cuestión de “estética”. Era un nombre bonito.

La tercera versión en tanto atribuye el nombre a una decisión basada en la misma letra y su idea principal: un mensaje de amor directo, casi confrontacional, como una declaración de principios. Una cuestión totalmente entregada y sincera, que puede verse en los ojos, y de ahí Iris ¿bonito, no? Definitivamente una respuesta mucho más poética al por qué del nombre, aunque la verdad -en principio- se encamina más al bautizo estético por Iris DeMent. De todos modos, una cosa no quita a la otra y está bien que Rzeznik establezca esta conexión entre la canción y su nombre, sin importar cual haya sido la motivación inicial.

Pasando a otra cuestión, voy a referirme un poco a como nació la canción. Ya sabemos que fue compuesta especialmente para el soundtrack de “City of Angels” (y luego incorporada al disco “Dizzy up the girl”), ósea, es una canción “a pedido”, pero lo que pocos saben es que al momento que fue “pedida” Rzeznik estaba pasando por un complicado período de bloqueo artístico y creativo (el último disco entonces, “Boy named Goo” había salido el 95, tres años antes), y que aceptar la propuesta fue un desafío consigo mismo. Se encontraba en medio de un vacío de inspiración, y ésta es una de las cosas que más llama la atención. Si le creemos a John, la canción fue compuesta en solo una noche. Sí, en una sola noche de impulso y creatividad cuando ya sentía que nada podía poner fin a su letargo, la música rompió en su mente y todo fluyó hasta tenerla lista en unas cuantas horas, poniendo fin a su mala racha. Nada mal crear un verdadero himno en una sola noche.

Prueba de esto último y bastante insólito, hay un fan club de Iris (así es, no de los Goo Goo Dolls sino de la sola canción) que pueden ver haciendo clic aquí.

Cerrando ya éste articulo de cuestiones anecdóticas sobre esta tremenda canción, les dejo planteado el único mini debate que hay sobre ella: escuchen “The world I know” de “Collective soul” (parte de su disco homónimo del 95) y luego Iris. Hay varios que ven más que un parecido, y es verdad, algo hay, aunque no parece ser más que un alcance. Como sea, dos buenas canciones.

Solo por gusto personal, les dejo el video de “Name” aquí abajo, para que aprecien otro tremendo aporte de los Goo.

¿Querías ver Iris? Clic aquí. ¿The world I know? Aquí.

Gracias Totales… o bienvenidos otra vez.

2007-11-08T12:02:00.000-03:00

Un hombre alado prefiere la noche.

Cerati se refirió a Santiago como la ciudad de la furia. Desde mi provinciana – y más aún, Patagónica – perspectiva, ello calzó a la perfección. Poco lo conozco, he ido de a poco. Para mí Santiago sigue siendo intangible. Amenaza, pero al mismo tiempo es un magneto ahumado. Es un misterio que me urge intentar deliberar,”donde nadie sabe de mi, y yo soy parte de todos”, parece ser la consigna. El concierto de Soda en Halloween (o la víspera de los muertos, como prefiera) fue un rito necesario. Algo así como 60 mil personas asistimos a un viaje al pasado. Unos volvieron a la edad que tengo ahora. Otros volvimos a la juventud de nuestros padres, o sea a nuestra infancia, donde, imperceptiblemente, se nos tallaron en el cerebro las pautas de Soda como soundtrack personal obligado. Entonces, comprenderá, que al escuchar por primera vez (en vivo) Juegos de Seducción, primera canción del tracklist, uno empieza a vislumbrar que se vienen tres horas más de paréntesis mental, y te sientes como “saltando de cubierta y abandonánte a la corriente”.

Desafiando al rito.

De la multiplicidad de generaciones que en el Nacional habitamos esa noche, parecía ser que todos entendíamos el ritual. El cielo entiende que mi obsesión está llegando a un límite…Si eso le tocó el nervio, entonces no fue a parar el dedo. Algunas generaciones, como la mía, tal vez necesitamos que Soda se fuera. A lo mejor necesitábamos el receso de diez años. Para crecer, para lloriquear la maldita adolescencia, e ir descartando de nuestra discografía aquello que no sirve, para releer los viejos discos de antaño, y comprender que esas canciones que uno ha tarareado como pelotudo – o boludo, dado el contexto - en cuanta fiesta, tomatera y discoteca que apareció en el camino, son efectivamente leyendas, y como tales se presentaron antes nuestros ojos, oídos y cerebro.

Nada más queda.

Sin embargo, como suele ocurrir con los maestros que, por asuntos de ubicación en la línea del tiempo no pudimos apreciar como se debe, Soda Estereo nos dio tres horas de concierto. En ellas exhumamos, quienes no vimos el último concierto, aquellos sentimientos que nos vimos forzados a enterrar diez años atrás, cuando con el clásico “Gracias Totales”, dieron fin a una era mundana, humana, entrando completamente al Olimpo del rock latino. Ahora, nosotros seguiremos alimentándonos de…las cenizas de una noche larga. Todos, los del primer y segundo concierto, seguiremos con lo nuestro, total, ya vimos a Soda y de aquel amor de música ligera, nada nos libra, nada más queda… todo está en la memoria.

Wolfmother... o la puerta al pasado

2007-07-19T16:28:00.000-04:00

Es prudente señalar la utilidad de pateándola.

Algo aletargado en la tarde de ayer, leo acá en el blog, nuestro querido blog, una remisión hecha por Watapike al disco de Wolfmother. Debo confesar, previamente, que por lo general no escucho rock nuevo, o “contemporáneo”. El menú no me ha agradado desde hace ya algunos años. Creo que me está afectando la vejez, ya no entiendo a los cabros de colegio. No comprendo sus códigos, modas, etc. Tampoco me interesa. Mucho menos su música. Yo crecí con MTV también, pero ese que extrañamos. Donde cada género tenía cabida y lo principal de todo era el rock. Cómo olvidar Headbangers, Raizónica, Nación Alternativa, y muchos programas más. Eso contribuyó a mi formación musical. Sin embargo, poco a poco la música basura comenzó a tomar lugar. Fuimos testigos de la decadencia del rock o pop latino – ofensivo, si lo comparamos con la proliferación de bandas argentinas en los ochentas, que gran herencia han dejado – el hip hop barato (creativamente hablando), el punk de adolescente con erecciones fétidas a burrito (entiéndase Blink 182 y sucedáneos); y tantas otras basuras más, han logrado que me refugie en los clásicos, en busca del “equilibrio espiritual” (Freddy Turbina, gran antihéroe musical). (¿Qué habrá sido de los metaleros, los punketas, y todo el abanico de estilos? Alguien sabe qué es un pendejo EMO???? O un POKEMON?????)

Sin embargo, de vez en cuando alguna flor crece en el vertedero, y en medio de todos los gases tóxicos, la decadencia y desolación musical que es el mercado, surgen joyas como The Mars Volta y De- loused in the Comatorium; o en este caso particular, Wolfmother de Wolfmother.

El disco no lo comentaré, ya lo hizo con gran prosa Watapike el día de ayer. Mas es preciso referirse a Wolfmother como los cazadores del arca perdida, o los buscadores del grial (Dan Brown style, otro estandarte de la miseria contemporánea).Escuchar a Wolfmother, es escuchar un sesión de espiritismo en la que invoca desde Led Zepellin, Black Sabbath, y The Who, hasta el inconformismo decadente de Cobain (que un gran tatuaje dejó en mi inconciente).

Es emocionante escuchar a contemporáneos nuestros haciendo música de elite. No porque esté reservada para algunos pocos, sino porque la calidad creativa sobrepasa la facilidad de los productos a que nos hemos acostumbrado. Wolfmother es rock de prodigios, y esperemos que sigan las entregas con la misma calidad, y no sea este disco un espejismo en medio de la tierra baldía del espectro musical.

PS: Lo arriba comentado es en extremo subjetivo. Si al lector le agrada la evolución del rock desde el 2000 a la fecha, haga caso omiso de mis comentarios. En tal caso, yo tampoco comparto sus gustos.

Wolfmother - Wolfmother (2005-2006)

2007-07-18T14:11:00.000-04:00

Estaba pensando en comentar algún disco clásico. Y debería hacerlo. Es un deber homenajear a los clásicos, sobre todo en un sitio como este, donde la esencia es rockanrolear como corresponde, sin olvidar los pilares de todo nuestro placer. Pero realmente no me siento preparado para indagar profundamente en el nervio de aquellos espectaculares discos de los tiempos mosos. Sin embargo abrí una cerveza y pensé en hablar de aquellos que con su estilo propio homenajean a los padres del rock.

La banda en cuestión es Wolfmother, con su disco homónimo lanzado entre fines del 2005 y principios del 2006 en distintas partes del mundo. Estos australianos revolucionaron la escena hardrockera con su debut, volviéndonos a las raíces con su espectacular sonido. Para que hablar de las presentaciones en vivo, que nadie creería el descalabro que causan tres jovencitos sobre el escenario. Digno de aplausos.

"Colossal" es la apertura de este viaje con toques anticuados pero en plena vigencia. Un sonido arrastrado, lento y sencillo, pero con un agradable riff. La voz juvenil de Andrew Stockdale le da ese toque moderno necesario. Un sonido de organo a lo Purple da pie al aumento de decibeles. Sonido sabbathiano por donde se mire, especialmente con el veloz éxtasis que nos entrega avanzada la canción. Sin duda, colosal.

Y que seria de un álbum rockero sin alusión a aquellas musas inspiradoras, las mujeres. "Woman" es puramente sabbath, pero con un toque teenager genial. Rápida, entretenida, sónica por donde se mire, con aquellos cortes clásicos de Ward a manos del batero Myles Heskett. La compañía del hammond lo hace todo; toques sicodelicos por doquier. Quien creería que son solamente un trío.

"White Unicorn" nos entrega un sonido mas propio, mas moderno, aunque sin duda se podría recordar a Jimmy Page tocando esta introducción. Pero no le quitemos méritos a los australianos, que luego siguen con un sonido mas garage. Excelente combinación. Atención con la base rítmica de la canción, que le da un toque contundente a una melodia simple. Toques triperos para los fanáticos de la sicodelia, una delicia. "Pyramid" por su parte nos trae distorsión y bastante bajo. Con una guitarra aguda acompañada de una batería sencilla. Es una canción pareja, sin mayores emociones, aparte de la bass line y la guitarra como gentil compañera en algunos pasajes.

"Mind's Eye" nos lleva a la tranquilidad, a un paraje placido, tal vez melancólico. La primera balada del disco inspira a lo que hacia Deep Purple con "When a Blind Man Cries" u otra del estilo. Una melodía armónica y agradable. Cerca de final el asunto se pone sumamente interesante; el trío se emociona y tira todas las cartas sobre la mesa... flor de final.

Ahora llegamos a la que considero una de las mejores canciones del disco..."Jocker & the Thief" realmente la caga. Parte con un punteo de guitarra realmente emocionante. La batería y el organo le dan peso a la intro de una manera increíble. Una canción mas bien simple, pero con un sonido la raja. Muy White Stripes en algunos momentos, lo mas actual que se escucha, pero con un guitarreo old school y velocidad que te mantienen atento desde el principio hasta que suena la ultima nota. Simplemente genial.

"Dimension" es loquísima. Es como del estilo mas gringo del rock de los 70. Un sonido mas Black Betty de Ram Jam con un blues rock ingles rapido. Un grito de introducción, y un pandero de compañía. Interesante composición de un entretenido track.

El otro punto alto del disco, y tal vez la mejor a mi gusto, es "Where Eagles Have Been"...es realmente preciosa, sobre todo si eres fanático/a como yo de Led Zeppelin. Imposible negar la influencia de estos próceres. Perfectamente un tema que podría haber ido en el Led Zep II, pero increíblemente creada en pleno siglo XXI. Una sorpresa para todos realmente. Guitarra folkera, bajo sicodelico, voz armónica, batería suave. Una simbiosis ideal. Toques rockeros, organos espaciales...y virtuosismo. Con la velocidad viene la habilidad. Que mejor canción para los grandes estadios...imposible de describir. El rock esta hecho para sentir y eso es lo que con esta obra hay que hacer.

"Apple Tree" y "Tales From the Forest of The Gnomes" son mas estilo propio, pero siguiendo la linea anterior. Pseudo baladas y rockeos rápidos, con un sonido vigente e interesante.

"Witchcraft" tiene de todo. Fuerza, velocidad, grandes instrumentales y todas las influencias. Marcado Deep Purple pero incluso incorporan una flauta a lo mas vanguardista de Jethro Tull. Un punto feliz para estar ad portas del fin. "Vagabond" es folkera, hippienta, incluso bobdyliana (si es que ese concepto existe) pero no dejan atrás el sonido hard que sigue todo el álbum. Un organo galáctico nos hace viajar hacia la puerta de salida de este pedazo de neorock, mostrándonos un camino que nunca se acabará...

El gran merito que tiene la banda, en particular con este debut y sus presentaciones en vivo, es que no temen a mostrar sus influencias e idolatrías a través de su música, ya que no suena antiguo ni copiado, sino que suena como un real tributo actual a los pioneros de este gran estilo. Y que mejor homenaje, que con este discazo.

En fin, como dicen por ahí,

Salud y Rock'n'Roll

(aqui, un par de temasos; pasado y presente juntos)

¿Por que lo (re) hiciste, Mustaine?

2007-07-06T19:25:00.000-04:00

En serio, no lo entiendo. ¿En que estaba pensando? ¿Qué le pasó por la cabeza, y por que nadie lo detuvo? Mal, mal, mal. No importa la respuesta, el daño ya esta hecho y no hay excusas que valgan. Mustaine cometió un horrendo “cancionicidio”. Así es, mató una canción. Y una muy buena canción. Ni idea si habría sido más pasable de ser una canción ajena y se tratara de “un mal cover”, pero se trata de nada menos que de un clásico propio de Megadeth.

Como ya sabrán, se re-grabó A tout le monde –tremenda canción del disco "Youthanasia" (94)- para el nuevo disco de Megadeth, “United Abominations” (07).
Más de 10 años después de su aparición original y de su lanzamiento como single, A tout le monde se repite el plato, y vuelve a ser single, y vuelve a estar en otro disco de Megadeth… pero claro, totalmente retocada. Mucho más rápida que la original, y con un ánimo más movido que melancólico se nos presenta “A tout le monde (Set me free)” –así es, ahora la canción tiene un apellido para diferenciarla de la autentica- y la mayor adición: el acompañamiento de una voz femenina, llevada a cabo por Cristina Scabbia de Lacuna Coil.

¿Por qué habrá sido?

Los motivos para este remake autoreferente son fundamentalmente dos. En primer lugar la canción –se supone- estaría inspirada por las últimas palabras de la madre de Mustaine antes de morir (¿qué otras últimas palabras podía ser?) por lo que siempre estuvo en la mente del líder de Megadeth que tuviera un acompañamiento femenino -y por otro lado- el demente que llevó a cabo el tiroteo en el “Dawson College” de Montreal en septiembre de 2006 -que terminó con un muerto y 19 heridos, sin contar el suicidio del mismo asesino- que en su mensaje suicida dijo haberse inspirado en esta canción para llevar a cabo su estúpido ataque, y claramente ensució la canción -mediáticamente hablando-.

Este segundo motivo no es “oficial”, y Mustaine se ha apoyado en el primero, argumentando que este disco fue una oportunidad para grabar la canción como correspondía, y como siempre quiso pero no lo hizo –con una voz femenina- y etc, pero es imposible evitar imaginar que luego de los hechos de Montreal el líder de Megadeth pensó la canción debía ser “limpiada”.

El resultado lo pueden escuchar y ver ya mismo. Es el primer single de United Abominations y su video ya está rotando. Probablemente los fanáticos de Lacuna estén felices (y los que simplemente gozan con ver a su vocalista), pero si el contenido de la canción realmente es un mensaje al mundo antes de morir, si es realmente una despedida final la verdad es que la nueva versión no le hace justicia. El sentimiento y la melancolía se perdieron con la “actualización” y quedó vacía. Aun si no eres de los que buscan el contenido en las letras, lamentablemente también decayó en lo musical, y perdió toda su crudeza. La sensación final que queda es que esta versión –a pesar de ser una combinación interesante, aunque no a la altura de la original- busca una reivindicación mediática de Megadeth, que no hacía falta. Lo que haga o no haga alguien por haber escuchado una canción es una cuestión que no va más allá de lo que pasa en la cabeza de la misma persona y Mustaine lo debería saber bien.

Esperemos eso sí, que sirva al menos para atraer oyentes a la versión original, y A tout le monde no sea recordada como “la canción que hubo que rehacer”.

Y como la opinión es personal, he aquí los dos videos: el nuevo y el original...

Everlong.

2007-06-11T20:43:00.000-04:00

Los ojos se me empiezan a cerrar y en mi mente empiezan a sonar los primeros acordes de Everlong. Alcanza a pasar un solo segundo, quizás menos…

…y esto no es buena idea, me estoy quedando dormido en clases. Vuelvo en mí, abro los ojos y mi atención aterriza. Definitivamente no creo que haya pasado más de un segundo. Escucho, tomo apuntes, e intento evadir el sopor, y creo que tengo éxito, pero la canción sigue ahí, acompañándome desde el reproductor mental que todos tenemos incorporado. No será una versión enteramente fidedigna, pero mantiene toda su esencia.

Tengo mi atención dividida, entre la clase y Everlong e inevitablemente, haciendo mi reproducción mental más completa, me vienen imágenes del video a acompañar a la canción. Ese genial clip de Michael Gondry que combina su particular estilo onírico con el buen humor de los Foo Fighters. Creo que fue aquí donde estrenó eso de “las manotas”, antes de “La ciencia del sueño” (de hecho casi 10 años antes).

Todos tenemos nuestro repertorio mental, que nos acompaña al caminar, andar en micro, etc, etc (¿o habrá alguien tan apagado que no tenga nada de su gusto?). Haciendo lo que sea y donde sea muchas veces nos viene a la mente una canción, y de este modo, últimamente Everlong ha rotado en mí con cierta frecuencia.

La simpleza y originalidad de su música es genial -y por que no- perfecta dentro de su estilo. Vista como guitarrista autodidacta es hasta envidiable lo que como guitarrista compuso este baterista que es en origen Dave Grohl: una melodía con tanto gancho como sentimiento. Por lo mismo, y como cuestión anecdótica, me llamó la atención en su momento leer a Dave comentando que al escuchar el resultado final pensó haber plagiado el sonido de Sonic Youth (sin desmerecer). Definitivamente tiene un sonido muy propio, que con buen tino, ni los mismos Foo Fighters han vuelto a aprovechar.

La letra, supuestamente basada en la relación de Dave con una amiga de juventud, es lo que imprime la sensación final: una combinación entre nostalgia, pasión y añoranza, que convirtió a Everlong en el clásico de rock contemporáneo que es hoy. Muy inspirada, y totalmente acorde con la música y su sentimiento. No creo que haya alguien a quién le guste la canción y no se sepa la letra, o al menos el coro.

Es una canción que prende, que se hace sentir y se deja escuchar, y sobre todo, que logra identificación con quién la escucha. Es fácil internalizarla y hacerla propia. Al menos en mi caso, hace rato que terminó la clase y no la logro sacar de mi cabeza.

Metallica - Kill'em All (1983)

2007-05-22T20:14:00.000-04:00

Puro poder juvenil! No necesita mayores palabras explicar la emocion que produce a cualquier muchacho gustoso del rock y metal el escuchar este discazo considerado tan basico y precario pero a su vez completo y contundente como nada que se hubiese hecho antes.

Principio de los 80's. La revolución que nace con la llamada Bay Area scene de California, le daba al mundo una nueva visión sobre el metal en Norteamérica y el mundo, sentando las bases para un nuevo estilo, conocido como Trash Metal, con bandas como Anthrax, Slayer y por supuesto los grandes, Metallica.

Ellos instauraron un nuevo estilo, un sonido poderoso tributando a sus ídolos de la NWOBHM como Iron Maiden, Motorhead y Diamond Head. Pero no solo eso, le agregan el tecnisismo y oscuridad arrastrada de Black Sabbath mas, como lei por ahi, la rapidez y agresividad del punk rock... en conclusion, estos veinteañeros reinventaron el heavy metal.

El disco consta de 10 composiciones originales y 2 covers, versiones que se agregan en el re-issue de 1989, que son "Blitzkrieg" y "Am I Evil", la primera de la banda del mismo nombre, y la segunda de Diamond Head, uno de sus grupos predilectos.

"Hit The Lights" te parte desde que comienza. Una bateria con todo increscendo, tarreos varios, mucho ruido...una guitarra aullando entra para hacer compañia, riffs veloces,un bajo ritmico genial, platillos, un grito. Entra Hetfield con todo su poder adolescente para decirnos que esta noche patearan algunos traseros, sus fans gritaran, y ¡A golpear las luces!. Punteos de la mano de Hammet se suceden uno tras otro mientras avanza la cancion, que su velocidad ya te hace enloquecer. La base ritmica te mantiene atento mientras tratas de seguir las 6 cuerdas vibrando a toda madre. Realmente un lujo para comenzar.

Ahora si que te metes completamente en su mundo. "The Four Horsemen" entra con una bateria y guitarra, con un ritmo mas pausado pero en el cual emergen poco a poco estos 4 jinetes con sus armas dispuestas a matar. Aquellos fantasmas a caballo que habituan las pesadillas estan aca. Como leer un libro de terror. La oscuridad y fuerza de la cancion te mantiene atento. Guitarra y bateria siempre unos, y derrepente se empieza a acelerar...se avecina una tormenta. Un corte como un trueno y pam! la guitarra cambia su direccion obligandote al headbanging. Cliff mantiene el ritmo notablemente, mientras los demas hacen lo suyo. Un break algo melodico agregado por Kirk acompañado por Burton especialmente, para volver al desorden. Una delicia.

Pura velocidad. Poder puro, tal vez homenajeando a Lemmy y Cia. con "Motorbreath". Guitarras duras pero aceleradas, una bateria que con tombs y bombos introducen pesadamente y mantienen la alta metrica de la melodia. Velocidad que hizo caracteristica a Lars Ulrich como icono en los comienzos del estilo. Perfecto ejemplo de lo que es el Trash Metal en sus inicios. Cortes de la mano de Kirk Hammet con una habilidad impresionante, nunca quedandose atras.

Bueno, mejor saltemos. Vamos y saltemos en el fuego! "Jump In The Fire" te obliga entrar al pit y destrozarte con tus compañeros de tertulia, Metallica es la razon, y Hetfield es el elegido para ser el "maestro de ceremonias" en tu funeral. Platillos y guitarras, una escala entretenida que va variando. Comienza el ritmo casi bailable de la cancion. Se mantiene la efervecencia obligandote a bacilar en el pozo. Kirk le da brillo a la cancion con su destreza, acompañado siempre por la gran base ritmica de Lars y Cliff. Una cancion pareja, pero sin duda poderosa y destaca de sobremanera.

"Anesthesia (Pulling Teeth)" habla por si sola. Imposible llegar a describir la maestria y virtuosismo de Cliff Burton en palabras. Algo nunca antes hecho; revelador, progresista, innovador, de vanguardia, lo que sea. Increible. El solamente con su bajo la mayoria de la cancion y la grata compañia de Ulrich. Es incluso emocionante. Imposible soslayar algo asi. Cuando James y Lars conocieron a Burton, pensaron que se trataba de una guitarra. Al momento de ver que se trataba de otro instrumento, se acabo la busqueda. El era el indicado. El sonido distorsionado a full, con punteos y riffs propios de una de 6 cuerdas, Burton deleitaba al underground gringo. Impresionante.

Su latigazo, y no de fetichismo ni esclavitud, sino de metal pesado, euforia, de rabia y alegria, de trasheo, de headbanging. Un himno de la banda. "Whiplash", con uno de los coros mas atractivos de la banda y quizas del mundo heavy:

"Adrenalin starts to flow, You're thrashing all around, Acting like a maniac, Whiplash"

Aqui vamos. Con unos tombs y una guitarra al aire comienza. Luego todo se acelera y saltan los 4 jinetes a la carga. Que carga de rock. Sin abrumarte obliga a moverte de un lado a otro, en un caos colectivo...destruir el lugar y cabecear es tu mision, nada mas. Luego un corte para hacerte saltar y corear, mientras Kirk se prepara. No hay descanso señores, un excelente punteo y Wiplash! para otra demostracion de carisma de parte de Hammet. La banda completa se cohesiona, Lars y Cliff mantienen el poder con sus ritmos. Simplemente genial.

Con el fantasma llegamos a lo que podria ser la cancion mas elaborada y oscura del disco. "Phantom Lord" mantiene la velocidad y ritmo utilizado en el resto del disco, pero se asimila mas a un avance de lo que seria posteriormente su 2do album "Ride The Lightning". Los cuatro amalgamados le dan un sonido espectacular a la melodia mientras James canta sobre aquel caballero tenebroso, con ruidos de metal y llantos de guerra, te hacen arrodillarse ante su paso. Pero la banda no quiere que te arrodilles, sino que sientas miedo y lo transformes en euforia. Da paso pronto a un lapsus melodico, agradable pero aun oscuro, con muchas reminicencias a Sabbath, pero sin perder el sello personal, para volver a lo suyo; velocidad, virtuosismo, ritmica genial y un cierre perfecto.

"No Remorse" no te deja recuperar el aliento. Con un ritmo mas pausado pero con groove introduce de inmediato a Hammet con su amiga, violentamente, para darle un corte genial. Constantes cambios de ritmo hacen interesante la melodia, con una notable participacion de Cliff Burton en las 4 cuerdas. Mantener el groove es su obligacion y lo hace de maravilla. Pero eso no es todo, la cancion todavia nos puede sorprender...progresivamente se ve el avance de los miembros, cada uno a su manera, mientras este himno de guerra te parte la cabeza...pero no, vuelven a lo suyo, amagando a tus sentidos pero dejandote espectante. No vale la pena arrepentirse.

Un violento redoble, un grito ensordecedor y comienza la batalla...la guitarra y la bateria, el bajo y la voz parecen verdaderas armas que disparan sus balas a los auditores...destruccion masiva y ¡No Reeeeemorse!

Ya llegando al final del disco, nos encontramos con una joya, para nada en bruto, sino un himno de los cuatro metaleros californianos. "Seek And Destroy". Ya su titulo lo dice todo...solamente hay que buscar y destruir. El espiritu de violencia y maldad existe en nuestros cerebros, debiendo buscar un objetivo para descargar...ruega por que ese no seas tu.

Durante casi siete minutos, Metallica rompe el ritmo usado en el resto de su disco, para darnos un sonido mas arrastrado, pesado, no tan veloz. Tal vez mas maduro, no tan jovial, sino mas violento y carnal. Ya las primeras guitarras pegan directo a la medula. Platillos y un genial bajo entran para acompañar. Realmente un himno de deleite para los headbangers. Rockanroleo pesado en estado primitivo. Una mixtura de todas las influencias, gusto y estilos, mas una gran cuota de innovacion personal de estos cuatro genios. No se puede explicar a traves de estas lineas, simplemente decir que es el complemento perfecto, la homeostasis de la banda. Realmente lo mejor. Ritmo, groove, virtuosismo, cambios de ritmo, velocidad, todo lo que ya habiamos visto y mas. Todo esto simplemente para buscar y destruir.

"Metal Militia" da el broche de oro para cerrar este disco. Un poco mas de lo mismo, pero no aburre. Para nada. Cuando piensas que puedes sentarte a procesar todo lo que has vivido mientras paseabas a traves de los pasajes de esta obra, y necesitas algo tranquilo para colocar tu mente en orden, te tiran un balazo de guerra y desolacion. En una verdadera milicia del metal se convierten estos tipos. Unas guitarras aceleradicimas, una bateria a mil revoluciones que suena genial, Burton azotando su bajo para que suene mas fuerte que nunca, y James dejando la garganta en el suelo. Punteos y riffs varios, dan el toque ideal para este final. Burton no deja de sorprender con su particular sonido, y finalmente todos se unen para impulsar todo hacia el infinito...vamonos de aqui junto con estos soldados del metal, marchando.

Aunque la mayoria de estas composiciones fueron ideadas por el grupo junto a Dave Mustaine (genio y creador de Megadeth) con algunas diferencias, y solamente interpretadas por Kirk Hammett en la grabacion del disco, es este ultimo quien con sus geniales habilidades (muchas de ellas adquiridad y mejoradas por sus clases con Joe Satriani) dan un toque indiscutible de genial originalidad a esta obra maestra.

"Kill'em All" de Metallica muestra la esencia de lo que era el heavy metal para la juventud de la epoca: entretencion, desorden, destrozos, violencia. Una verdadera via de escape de sus monotonas y suburbanas vidas, que veian en el trash y en estos pioneros su salvacion, o no sera su perdicion?

PD: Una dosis de destruccion para desordenar un poco sus monotonas vidas

Metal Up Your ASS!!

Velvet Revolver - Un asunto por resolver

2007-05-05T15:25:00.000-04:00

En serio, el gran problema de Velvet Revolver es su público. Su público y el querer darles en el gusto. Tal cual: el público les juega en contra. Una audiencia que lo es y no lo es a la vez. Un poco sí, y un poco no. Que no termina de decidirse entre escuchar a Velvet o satisfacer su propia nostalgia por quienes alguna vez fueron en otros grupos.

La gran mayoría de los que escuchan a Velvet y que los van a ver en vivo no escuchan tanto a Velvet, sino que escuchan a Slash, a Duff y a Matt. Escuchan a los Guns y van a ver a los Guns. Otros por su lado escucharán e irán a ver a Weiland, tratando de recordar a los STP, y otro grupito irá a ver a los Guns tocando con el vocalista de STP. Los menos, van por el grupo en sí. Así es, y así lo pudimos comprobar en su reciente paso por Chile. No tengo idea de si es así en todos lados (muy probablemente sí) pero aquí lo es definitivamente. Finalmente a ojos del pueblo el pobre Dave Kushner las hace de puente entre los Guns y Weiland, lo que es bastante injusto.

Esa es mi explicación a lo que sucedió el concierto del 10 de abril y que se reflejo en las críticas que se hicieron: que el público no logró prenderse, que el espectáculo cumplió discretamente, que no se logran sacar a los Guns de encima, etc. En conclusión, el público “no se comprometió”, como escribió Rockaxis, pero la culpa no es solamente de VR. Es una “responsabilidad compartida”.

La gran mayoría del público fue esperando escuchar covers y memorabilia de las antiguas agrupaciones sin conocer más canciones de Velvet que Slither y Fall to Pieces y estaba bastante perdido con el material propio de la maquina de rock que tenían delante. No eran todos, habían también varios fanáticos incondicionales que corearon todas las canciones del disco debut (Contraband) y agradecieron la presentación en sociedad de canciones por venir en el próximo LP (Libertad), pero eran (éramos) los menos. Claramente así la química no funciona, por que tienes un público casi dividido, que dio como resultado esta extraña cuestión de que una gran mayoría de los presentes enloqueció con los covers y estuvo medio perdido con lo propio del grupo que a fin de cuentas se supone fueron a ver. Por otro lado, quienes fuimos con ganas de escuchar la música de Velvet (muy bueno, en serio, denle una oportunidad a Contraband) nos quedamos contentos, y bastante satisfechos, con un espectáculo de rock a otro nivel, pero también con la sensación de que pudo haber sido más, con menos covers y más de lo suyo. Aquí es donde Velvet comete su gran error, y es que por dar el gusto a este público viudo de Guns y nostalgico de STP le quita mérito y espacio a su propio trabajo, y finalmente deja con ganas de más a sus reales seguidores.

Puede que hayan pensado que visto así toda la culpa es de VR, por que después de todo ellos arman soberanamente su set list y nadie los obliga a tocar covers y seguir echando mano al pasado, pero aun así, hay demasiado poco interés de los fanáticos de Guns y STP por dejarse llevar por este nuevo conjunto y escuchar su propuesta sin prejuicios. Jamás se debe desechar lo nuevo por ser desconocido.

A Velvet Revolver aun le falta imponerse. Mientras el público siga estando revuelto entre quienes fueron y quienes son nunca van a tener el crédito que se merecen artísticamente y en sus presentaciones en vivo, más allá del éxito comercial. Más que tratar de dar a todos en el gusto debiera atacar con su material y abrir los ojos y oídos de su clientela.

THE DARK SIDE OF THE MOON… o la noche en que le tiempo se detuvo. Parte 2.

2007-04-23T14:03:00.000-04:00

(Hace bastante tiempo ya debiera haber escrito esta parte de la reseña. El concierto nos quemó los tímpanos hace ya algo más de un mes, pero me ha sido imposible articular lo sentido esa noche. Y, créanme, lo he intentado de muchas maneras. Desde no escuchar nada en absoluto y guiarme sólo por los visos de recuerdo de la experiencia vivida el catorce de marzo, mientras mi inconciente ruega porque nunca se le olvide, hasta escuchar el dark side como dosis de yunkie extasiado en la lividez de sus pupilas.

Ahí va…)

And all you touch and all you see, is all your life will ever be...

De pronto, vimos en las pantallas la luna llena. No seremos licántropos ni nada remotamente similar, pero las transformaciones ocurrieron… los estruendos de la sangre fluyendo ansiosa, las despiadadas risas con sus garras en tus hombros, todo en esquizofrénica concordancia nos retumbaba en las agitadas neuronas. Escuchábamos Speak to Me.

Breathe fue un traslado al primer clímax catatónico del lado oscuro. Respira y que no te importe. El mensaje era claro, vive. No importa lo que hagas, sólo vive porque lo único cierto es el fin. En aquel momento éramos testigos de una misa espacial y psicodélica que nos compelía a escarbar hasta la médula.

Luego vino On the Run… el Nacional nunca había cobijado algo así. Nuestros sentidos tampoco. Tal vez sea por ello que ahora podamos encontrar cierta consonancia con elementos tan dispares como autos de carrera, trenes, armas automáticas, sirenas de ambulancias... O tal vez no. Al final, ¿quién es tan arrogante para alegar que entiende esta maraña de absurdos consecutivos, - que aferradamente llamamos - vida? (quienes estuvieron allí, saben a qué me refiero)

The sun is the same in a relative way but you’re older,
shorter of breath, one day closer to death…

Por los días que se han ido y que no hemos considerado sonaron las alarmas de Time.
Cincuenta mil espíritus reconocíamos que cada día que pasa es uno menos, que nada es perpetuo, que la vida se está yendo y en ocasiones seguimos pegados en pelotudeces. Si bien no es un descubrimiento trascendental (porque claro, el análisis del tiempo lo asumimos como obvio y raras veces es una variable), adquirió todo un sentido en el momento del trance que vivimos. Arriba, la tierra, junto a la luna y el sol comezaban a alinearse…

Luego un desgarrador solo de voz. The Great Gig in the Sky, la pequeña carroza en cielo punzaba los botones de la maquina en nuestro cráneo… era todo estallidos repentinos, células que deliraban en combustible éxtasis, alcanzábamos en la calidez de las nubes la desconocida paz… y los armónicos alaridos se sucedían en un turbulenta caída libre a la penumbra del ser. Y volvíamos sentirnos apacibles, éramos una pluma en estos vientos acelerados, y caímos lentamente, aletargados, silentes, en paz…

Acto seguido el estruendo del oro y las registradoras. El bajo narcótico de Waters nos recorría la médula, gritábamos Money!!! Absortos en los efectos ácidos de la guitarra que nos remontaba a Gilmour. A estas alturas, poco importaba que el dinero fuera la causa de los males actuales, todo se estaba formando.

El viaje final despegaba en Us and Them. Us, nosotros, los cincuenta mil nos iluminábamos con el piano de Wright, hasta el punto que hasta prestar fuego a la persona junto a ti estaba cargado de una empatía animal… Para algunos se estaba gestando un orgasmo musical. Para otros el pausado silencio de la música escarbaba en la existencia.

There’s someone in my head but it’s not me.

Ráfagas de sicodelia de todos colores, de cualquiera que gustes, Any colour you like. Liberación? Tal vez. No tengo nada más que decir.

(si está escuchando la canción según el comentario, relájese y escuche)

Después sabíamos lo que vendría. El lunático en nuestras cabezas se abría paso completamente desnudo. Al final, todo había alcanzado una relatividad maravillosa, nos veríamos en lado oscuro de la luna. En ese momento una enorme pirámide de colores brillaba sobre nuestras cabezas, y todos suponíamos el desenlace, y no lo creíamos. Hasta que vimos casi como una epifanía, el gigante prisma que reflejaba la luz en nuestras córneas y todo se agitó. Y todo lo que tocamos, vimos, sentimos y amamos, todo, todo, absolutamente todo fue eclipsado por la luna. Todo se vería con un distinto prisma desde ese momento. Waters nos trajo una terapia nunca antes vista por acá, adictiva, necesaria.

EPÍLOGO

Luego, un botón para terminar. El tiro de gracia cuando nos movíamos con estertores en el suelo. Qué importaba, no estábamos cansados de escuchar. Además una dosis de The Wall es siempre necesaria, es una afirmación personal de algún tipo, qué se yo… al mismo tiempo se agradecía el regalo – un tanto populoso – de los niñitos cantando en el escenario. Aún cuando en el estadio escuchábamos a los ingleses chiquillos que cantaron el 79 en la grabación original, fue simbólico e ilusorio. Sin embargo, Waters cargaba su última bala. Con las aclamaciones a Vera Lynn – que escuchamos antes del concierto – abría fuego contra nosotros que en ese instante escuchábamos embobados como un conejo fijo en la linterna el cazador.
Bring the boys back home fue otra cosa. Espeluznante es una palabra enana para describir lo que fue. Todos con quienes he hablado concuerdan en ello.

Is there anybody out there? Y el proyectil lanzado penetraba finalmente en los nervios de todos los presentes. Qué mejor que las crudas guitarras de Comfortably Numb para enviarnos de vuelta a la rutina de la realidad, a comer, a pensar, a trabajar, estudiar, en fin, a vivir nuestro día a día sumidos en la rutina de ser; viviendo cómodamente adormecidos.

Rx Bandits - ... And The Battle Begun (2006)

2007-04-18T20:58:00.000-04:00

Curioso por decir lo menos. Interesante y entretenida entrega de estos muchachos playeros californianos, poco conocidos en el ambiente del rock puro, pero con casi 10 años de trayectoria en la escena ska-punk norteamericana.

Hace algun tiempo ya que estaba esperando un disco que lograra amalgamar todos mis gustos, bastante disimiles, que van desde el ska al metal mas pesado. Claramente aqui no encuentro una muestra de death metal, pero si, la esencia de la buena musica.

Rx Bandits comenzo como una banda eminentemente ska y punk melodico, con reminicencias reggae mas toques playeros. Netamente juvenil. Pero con este disco realmente sorprenden.

Ya hace un par de discos, desde "Progress" del año 2001, vienen mostrando aquella veta mas rockera y progresiva, alejandose de sus estilos primitivos, pero nunca olvidandolos. Podria hacer al vuelo, botando barreras y esquemas, similar a lo que sucedio con los Beach Boys en su epoca. Saltandose de aquel ritmo de arena y sol, para darnos una musica mas inteligente, con toques distintivos que agudizan tus sentidos (como en Pet Sounds), pero sin perder aquel tono adolecente y entretenido.

Volviendo a los muchachos, esta entrega nos da a conocer una perfecta combinacion de influencias, que van desde The Police, los mismo Beach Boys, pero claramente tambien sonidos del rock mas clasico reinante en los 60 y 70, como The Doors o Deep Purple (especialmente por el virtuoso manejo del teclado, con sonidos a Hammond) y sin duda, a la modernidad sonora de grupos como The Mars Volta y sus antecesores At The Drive In, que vienen explotando hace años, esta fusion curiosa de estilos.

Creo que afortunadamente no llegan a los limites de las ultimamente nombradas, que ya pasan de ser una genial muestra de musica, a un caos inconexo lejano a poder ser disfrutado tranquilamente. Para esto, mantienen aquellas relajadas y tenues influencias roots, del reggae y el ska, para lo que mantienen los bronces; Saxo y Trombon acompañan con ritmo y sabor las intrincadas melodias entregadas por la guitarra Fender del vocalista/guitarrista en conjunto con el teclado multifuncional, incorporado ultimamente.

Los coros agradables, las letras contingentes e interesantes, y un sonido totalmente atmosferico pero a la vez aguerrido, es lo que nos entregan este grupo de musicos de la costa, demostrandole al mundo, que la musica es una sola, y que es perfectamente posible unir estilos, entregandonos algo genial.

THE DARK SIDE OF THE MOON o la noche en que el tiempo se detuvo…Pt. 1

2007-03-29T22:02:00.000-04:00

So ya, thought ya might like to go to the show…

Estadio Nacional. Cuatro pantallas aparecían como ventanas a una reflexión personal, una concentración junto a la música y el whisky. Una mano giraba de tanto en tanto la pequeña rueda que sintonizaba a Chuck Berry, Chet Baker, Vera Lynn… hasta que 50 mil incrédulos vimos (al menos desde la cancha) la salida de Waters en las infinitas ventanas. Al principio pensé, o más bien tuve un inmediato flashback hacia la primera vez que vi el In the flesh tour en dvd. Pero no, esta vez sería distinto… Levanté la cabeza, y ahí estaba sucediendo todo, frente a nosotros… aun no ponderábamos que era el comienzo.

No sé ustedes, pero cuando has sido un fanático enfermizo de Pink Floyd por tanto tiempo, ese primer momento, cuando corren los últimos dígitos del cronómetro cerebral, cuando explota la primera nota de In the Flesh, algo sucede. Y por cierto, algo sucedió… comenzaba el concierto, y la luna (su lado claro entonces) se detuvo sobre nosotros. El tiempo había dejado de correr y todo aquello que podía haber turbado tu núcleo más sumergido se alineó.

¿Quien tuvo aliento con Mother?

Set the Controls for the Heart of the Sun…

Psicodelia en su estado más puro y natural. Syd Barret estaba entre nosotros. No en un sentido divino, pero sí caleidoscópico. Es que no puedes hacer nada más cuando tienes alrededor de tu cabeza docenas de parlantes saturando tus neuronas de estímulos tan armónicos como divergentes.
Luego vino Shine on you crazy diamond. El homenaje a la genialidad disfrazada de locura, ¿o seremos nosotros portadores de la estupidez disfrazada de inteligencia? ¡Vaya eufemismo! El himno no pudo haber estado más acorde con la ceremonia. “Brilla desquiciado diamante” le cantamos todos a Syd, al mártir que reveló el secreto muy pronto, muy antes de su tiempo y que lo llevó a cantarle a la Luna.
En nuestra enajenada tierra, nada dejó pendiente. Vayan nuestros cantos a su espíritu que preso estuvo por más de treinta años en la humana nave que dejó hace un bienio atrás.

Have a Cigar, notablemente poderosa, y Wish you were here… pff! ¿Es preciso decir algo? Wish you were here nos mando de un zapatazo en el trasero al cuarto cósmico de nuestras existencias. “Ojalá estuvieras aquí”… Ojala quién estuviera aquí?… Esta canción - a pesar del romántico sentido que pudiera tener, y que el mercado ha convertido en un himno cliché – no anhela el regreso de un amor perdido, ni es un corazón perturbado intentando volver al redil… es una llamada íntima a nosotros mismos, son cinco minutos de introspección, un diálogo sin sentido entre quien realmente somos y las máscaras adormecidas con las cuales nos conducimos entre los mortales.

Boom boom, bang bang, lie down you’re dead…

Southampton Dock, The Fletcher Memorial Home, Leaving Beirut, Perfect Sense I y II, y Sheep… prueban que la protesta puede ser llevada a cabo refinadamente.
Veamos: la pérdida en la guerra; la estúpida y patente ignorancia de la política; empatía?; simpatía?, anarquía y agonía. Todo eso, y ciertamente mucho más, nos mostró Waters. Leaving Beirut fue magistral. Una novela gráfica en el fondo nos contaba la experiencia de amabilidad y entrega de aquel cojo en el Líbano. Nosotros, gritábamos en un coro desgarrado las imprecaciones a Blair y al pelota número uno: George.
Con Perfect Sense todo quedó claro. Entonemos nuestro himno global: “Can’t you see
it all makes perfect sense?/ Expressed in dollars and cents,/ pounds, shillings and pence./
Can’t you see it all makes perfect sense?” (¿Ves?, todo tiene sentido/ expresado en dólares y centavos, / libras, chelines y peniques/ ¿Ves? Todo tiene sentido)

¿Avergonzados?

El final de la primera parte del concierto nos mató con Sheep. Nosotros, las ovejas de la canción, las ovejas de la granja de Orwell, el obediente ganado, aterrado por los perros y los cerdos.
Los cerdos, los mismos a los que imprecábamos en canciones antes.
Finalmente, vino la liberación. Y un gigante porcino de hule se fue viajando por los cielos quizás donde.

Los relojes congelados marcaban el descanso, y nosotros nos preparábamos para el encuentro en el lado oscuro de la luna.

Carlos Marin M.

Genesis: ¿Peter o Phil?

2007-03-29T21:13:00.000-04:00

Cuando se conversa sobre Genesis pueden pasar muchas cosas: por ejemplo, que uno hable de las revelaciones del Génesis y otro hable del Genesis hacia las revelaciones, pero cuando el otro entiende que la idea es conversar sobre el grupo británico resulta muy probable que lo conozca, y como suele suceder con ese tipo de grupos, aunque no lo conozca, conoce muchas canciones de él (a mi me pasa seguido).

La banda es considerada como una banda mutante debido a que en ella se reconocen prácticamente cuatro períodos (en realidad cinco, pero el de Wilson resulta doloroso contarlo), así la formación original, Gabriel, Banks, Phillips, Rutherford, Stewart; en 1967 con algunas variaciones durante esos años, hasta que en 1970 ingresa el baterista, y la formación queda así Gabriel, Banks, Collins, Hackett, Rutherford; y, los dos últimos períodos son muy marcados, ya que se va el líder del grupo, Gabriel, y comienza a cantar Collins (aunque ya había cantado una canción en el Selling, y también realizaba coros) Collins, Banks, Hackett, Rutherford; y la ultima formación el Genesis actualmente más conocido y el actual, (de hecho, están realizando una gira por Europa en estos momentos), Collins, Banks, Rutherford. Eso con la historia de la banda.

Ahora, musicalmente se conocen dos tipos de Genesis, el de Peter Gabriel y el de Phil Collins (esto es claramente una simplificación).

El primer Genesis es considerado vanguardista, música ciento por ciento progresiva, de real calidad artística, tanto en las letras como en lo musical, y a esto se debe agregar las presentaciones en vivo, que deben existir pocas que se le hayan parecido. Gabriel era un personaje.

Una de las canciones de esta época más característica y críticamente más alabada es Supper’s Ready, canción que dura aproximadamente unos 23 minutos, dividida en siete secciones, y que se encuentra en el Foxtrot y en el Seconds Out. Este último disco es en vivo, de 1977, por lo que aquí ya canta Collins y no Gabriel.

El segundo Genesis, si bien mantuvo el estilo anterior en A Trick of the Tail, luego se fue convirtiendo en lo que es actualmente: un buen grupo Pop, el mejor. Aquí su disco más destacado es We Can't Dance, cuya canción de mayor éxito fue "I Can't Dance", parodiada por "Weird Al" Yankovic en un video.

Estos dos períodos de la banda están sumamente definidos, y así, una persona que conoce al grupo puede determinar fácilmente a cual de los dos grupos pertenece una determinada canción, y no me refiero a la voz, sino más bien al estilo, ya que muchas de las canciones de la época Gabriel son interpretadas por Collins en conciertos y en discos en vivo.

La mayoría de las personas con las que he hablado del grupo y lo conocen bajo sus dos períodos se definen partidarios o de Gabriel, o de Collins, lo que es claramente una cosa de gustos: o te gusta el rock progresivo, o el pop. Personalmente, como soy tolerante con la música, me gustan los dos períodos, es decir, escucho los dos por igual, pero prefiero el período de Collins. De todos modos, uno no podría existir sin el otro, por ello si vas a escuchar a Genesis te recomiendo que partas por el Selling England by the Pound, que es un disco realmente espectacular, luego retrocedes al Foxtrot, para cambiar al A Trick of the Tail luego el We Can't Dance, los en vivo, Seconds Out y Three Sides Live y terminas con The Lamb Lies Down on Broadway, un disco doble considerado por muchos el mejor del grupo (no por mi). Lo realmente notable de este disco es que es un Álbum conceptual doble, épico. Cuenta una historia lineal, canción por canción hasta el final: la historia de Rael. En los conciertos que hicieron tocaban el disco completo, con todas sus canciones.

Por qué prefiero la época Collins a la de Gabriel es una difícil pregunta que requiere escuchar varios discos del grupo para responderla. Mis razones serían: por que es simplemente una cuestión de gustos, como dicen: “de todo hay en la villa del Señor”, y nadie me va a venir a decir que debo escuchar. La razón de fondo es por unas comparaciones que hice, que puedes hacerlas muy fácilmente: necesitas principalmente dos canciones, "In the Cage", del The Lamb Lies Down on Broadway y del Three Sides Live, y "The Carpet Crawlers" también del Lamb, y la versión del Turn It On Again: The Hits de 1999. Esto se puede hacer con muchas canciones. En las primeras canta Peter Gabriel y en las segundas, bueno, Phil Collins.

Si bien escuchar a Gabriel es un gusto, -sobre todo su último trabajo Up, con canciones como "Signal to Noise",cantada junto a Nusrat Fateh Ali Khan-, escuchar a Collins es relajante, con canciones como "Driving The Last Spike", (la que tiene un trasfondo critico social), o "Hold on My Heart".

Para terminar, doy un consejo sumamente importante: si escuchas el Selling, o bajas algunas canciones de él, por ningún motivo escuches la canción "More Fool Me".

Peter Gabriel - In the Cage

Phil Collins - In the Cage

Emilio Kopaitic

La gracia de Buckley.

2007-03-29T20:38:00.000-04:00

“Lots of time I feel like I don't belong to this place.”

Jeff Buckley

Creo que Jeff Buckley nunca vislumbró las implicancias premonitorias de dicha frase, aunque sí logró asentar una suerte de declaración que caracterizaría su música plagada de melancolía y de sufrimiento. Quizás ese sufrimiento que plasmó en sus letras le servía de catarsis, o como una senda para encontrar su propia felicidad, que le fue esquiva desde un momento primigenio (su padre, un talentoso músico no reconocido -Tim Buckley- murió de una sobredosis cuando Jeff tenía tan sólo 8 años).

Cómo la sangre pesa, y este caso no fue la excepción, Jeff creció en un ambiente henchido de música. Usual es encontrar entre sus influencias, grupos tales como Led Zeppelín, Bob Dylan, The Smiths, Elton John, Leonard Cohen y Robert Johnson. Así fue como de pequeño, junto a su inseparable y fiel compañera -su guitarra Fender Telecaster- comenzaría a engullir clásicas piezas musicales, y se transformaría en todo un gourmet musical. En cuanto a sus primeras incursiones como artista, no por ser hijo de Tim Buckley las cosas fueron sencillas. En un comienzo la industria musical le fue esquiva. Fue en un concierto en memoria a su padre, donde se dio a conocer realmente el poderío de un joven que en apariencia se veía endeble, pero tenía una voz sobrecogedora y extremadamente similar a la de su padre. Es así como termina contratado en 1992 por Columbia Records, la misma casa disquera que acogía a figuras de la talla de Bob Dylan, uno de sus ídolos de juventud.

Es así, como en 1994, luego de un gran esfuerzo dio a luz a “Grace”, cuyos padres productores fueron: Jeff Buckley & Andy Wallace (el mismo que trabajó con Nirvana en el álbum multi platino “Nevermind”). “Grace” contenía además 3 covers: “Liliac Wine”, basada en la versión de Nina Simone, "Corpus Christi Carol", una composición de Benjamín Britt basada en un himno del siglo XV, y finalmente “Hallelujah” de Leonard Cohen, en mi opinión, una de sus mejores y más sentidas interpretaciones.

Se lanza a gira con su grupo, y en el "Peyote Radio Theatre Tour" tenía asistentes y fans tan ilustres como Chris Cornell (en ese tiempo, cantante de “Soundgarden”) y The Edge (guitarra de U2).

Jeff logró abrirse paso promisoriamente en un mercado difícil, en el que primaba un género - El Grunge- y logró saltar las vallas y establecer un sonido único y una voz privilegiada. Es así, como entre sus fans se encuentran: uno de sus ídolos de infancia, Jimmy Page, quien señalo que “Grace” de Jeff estaba cerca de ser su álbum favorito de la década; Robert Plant también dio elogios a la obra de Jeff; Bob Dylan dijo que Jeff era uno de los grandes compositores de la década del 90; Lou Reed manifestó serio interés de trabajar con él, luego de haberlo visto en vivo; y los fans siguen, con figuras como Paul McCartney,Thom Yorke, Chris Cornell, Neil Peart, U2 y Elton John.

Sus letras a menudo hablaban de un dolor insanable. Sufría -según confesó a sus seres queridos la noche antes de morir- de desorden bipolar. Su voz estaba impregnada de desconsuelo y tristeza, y sus letras lo manifestaban (“Forget Her” y “Last Goodbye”, entre otras). Quizás sea pertinente citar a Dostoievski quien solía decir “El hombre debe ganar su felicidad mediante el sufrimiento, es la ley de la tierra”.

Un ominoso día de mayo de 1997, a la edad de 30 años, Jeff sufre un accidente (aparentemente se ahoga en la afluente del río Mississippi) y se apaga su vida. Quizás, finalmente encontró esa reconciliación espiritual que buscaba, quizás su padre lo estaba llamando.

Abajo pueden ver Hallelujah en vivo. Muy recomendado.

Colaboración especial de Pepe Grillo. http://supermacanudo.blogspot.com

Un año de pateandola.

2007-03-29T19:59:00.000-04:00

Se acaba de cumplir un año de pateandola. Un año de reseñas, comentarios y anécdotas y estamos contentos. Contentos y satisfechos, y claro, esperando hacer más y expandirnos un poco. Es verdad que fue un año bastante irregular, contando meses de silencio y otros “problemas”, pero creo que lo hicimos bien, y logramos nuestro objetivo de simplemente hablar de música y lo relativo a ella, compartiendo con quienes nos leen datos e ideas, y claro, dándonos un gusto.

Agradecemos los comentarios y discusiones sobre los artículos que nos hacen en persona y en msn (los que nos conocen, claro) y también las ideas y los “deberíai escribir de…”, aunque no nos quejaríamos si alguna vez también lo hicieran en el mismo blog, para variar un poco.

Y bueno, para celebrar este primer año tenemos colaboraciones especiales. Dos amigos que nos aportan con sus propios artículos y un integrante nuevo del blog que debuta con esta ocasión. Nuestros colaboradores especiales (o escritores invitados) tienen sus créditos bajo sus aportes, así que ahí pueden saber quienes son y sus blogs; y en cuanto al nuevo miembro, bienvenido, y obvio, sigamos pateandola un tiempo más.

Atte. Staff pateandola

Bill Hicks (el héroe muerto)

2007-03-23T01:51:00.000-04:00

Dentro del booklet del disco Ænima de Tool nos encontramos con un peculiar homenaje. Está la imagen –dibujada- de un hombre con barba y mirada pensativa. Su nombre, según dice al pie de la imagen, es Bill Hicks, y se le rotula como “another dead hero”. Para quién no sabe quién es –lo cuál es muy probable debido a la escasa difusión de su obra- representa todo un misterio. Si seguimos buscando sobre este hombre nos vamos a topar con que otros grandes grupos como Rage against the machine, y Radiohead también han dedicado discos a su memoria (solo por nombrar un par de los más conocidos), ósea, no es un cualquiera. Ænima, de hecho, va bastante más allá del homenaje y lo cita en las canciones Ænema y Third Eye, siendo una influencia en todo el concepto del disco. ¿Quién fue Bill Hicks?

Hicks fue un polémico humorista (aunque también músico y poeta) estadounidense, fallecido en febrero de 1994 a los 32 años. Se destacó por su particular sentido del humor y visión de la vida. Fue una de esas personas que se puede decir que deja un mensaje en su paso por la existencia, y en su caso, un mensaje lleno de agudeza e ironía.

Si bien era humorista, no tenía nada que ver con el chiste fácil. Al contrario, aprovechó su sitial de humorista para con su particular estilo, crear conciencia y sacudir bruscamente lo que se nos da a entender por realidad. Su humor –negro como dirían algunos- explotaba temas contingentes y controversiales con una crudeza impactante, más sin embargo, con genial dinamismo. Esta crudeza le valió el repudió de una gran parte del público norteamericano, acostumbrado a un humor más burdo e inocuo. Su repertorio que incluía política -pasando por la Guerra del Golfo (estamos hablando de finales de los 80 y primera mitad de los años 90)-, la falsedad y vaciedad del “sueño americano”, el sistema de mercado, el egoísmo, la religión, las drogas, el sexo, la vida y la muerte, no fue nunca bien aceptado popularmente, lo que lo condenó a quedar fuera del “mainstream”. Aun así, tuvo una producción bastante fecunda, y son muy recomendables rutinas en video como “Sane man”, “Restless” y “Revelations”. Van a encontrarse con un humorista con alma de rockstar., totalmente pateador. Pueden encontrar varios clips en youtube.

Su legado proviene mayormente de su filosofía de vida (que siempre fue compartida en sus rutinas “cómicas”). Esta consiste en muy grandes cuentas en no tomarse la existencia muy en serio, y disfrutar la vida como si se tratara de un juego dentro de un parque temático. Nos subimos y hay que disfrutar lo más posible, ya que sabemos que en un momento va a terminar. Así, promovió en todas sus rutinas el valor de la libertad individual y la inutilidad y oscura maquinación tras el “sistema” que nos esclaviza y nos llena de prohibiciones -léase gobierno y religión- que solo nos explota y hace olvidar lo importante que es simplemente vivir. Para Hicks toda libertad vale mientras no dañe a otra persona, lo que incluye libertad de pensamiento, de sexo, y el uso de drogas, que constituye un punto fundamental dentro de esta filosofía, sobre todo en cuanto a la ayuda que significaría para el auto conocimiento y la expansión mental. Este punto será muy relevante en cuanto a sus ideas musicales.

Murió de cáncer pancreático luego de pasar años fumando "dos encendedores diarios". Jamás hablo de su diagnóstico públicamente y trabajo hasta el final.

El vínculo con Tool.

Maynard y Hicks se conocieron en el ambiente nocturno de los “clubes de comedia” a principios de los 90. El vocalista de Tool -que para entonces pasaba desapercibido- frecuentaba estos clubes algunas noches (e incluso aprovechaba algunas ocasiones para presentarse con rutinas propias). En una de esas salidas se topó con una presentación de Hicks, quedando inmediatamente prendado con sus ideas y sentido del humor. Así las cosas, Tool invito a Hicks a que abriera un par de conciertos en el festival Lollapalooza el 93, y Maynard quedó tan satisfecho con la apertura que incluso llegó a repetir en otras ocasiones uno de los chistes de Hicks en que instaba al público a buscar un lente de contacto que se le había caído. Toda esta colaboración quedaría patente en un agradecimiento de la banda a Hicks en el disco Undertow.

Más de dos años luego de la muerte de Hicks, Maynard plasmó sus ideas en la canción Ænema (que les significó un Grammy). En ella se habla del deseo que manifestaba Hicks de que una ola gigante barriera con todo el desperdicio humano y limpiara la tierra. Lo mismo en la canción Third Eye donde se toma fragmentos de rutinas de Hicks relativas al uso de drogas, que según su posición ayudarían al despertar de la mente, y en definitiva, del llamado tercer ojo. Toda una mística que va muy en serio.

Algunas citas extraídas de sus rutinas respecto a la música.

Las ideas sobre música de Hicks son tan geniales como polémicas. Se nota que vienen de un hombre que no solo sabía de música, sino que también le apasionaba. Desde niño tocó la guitarra y le gustó el rock. Los discos con sus rutinas están acompañados por guitarras y sus actuaciones comenzaban y concluían con música, que variaba pasando por Bob Dylan, Elvis, y otros clásicos hasta los más contemporáneos Tool y Rage against the machine.

El fragmento a continuación corresponde al que podemos escuchar al comenzar la canción Third Eye de Tool (solo el primer parrafo).

“See, I think drugs have done some good things for us, I really do. And if you don’t believe drugs have done good things for us, do me a Favor: go home tonight and take all your albums, all your tapes, and all your cd’s and burn em’. 'Cause you know what? The musicians who’ve made all that great music that’s enhanced your lives throughout the years... real fucking high on drugs.”

“Music is a great energizer. It’s a language everybody knows”

“The musicians today who don't do drugs and in fact speak out against it? "Rock Against Drugs?" BOY do they suck.”

“They say rock n' roll is the devil's music. Well, let's say that it is; I've got news for you. Let's say that rock n' roll is the devil's music and we know it for a fact to be the absolutely, unequivocally true. Boy, at least he fucking jams! OK? Did you hear that correctly? If it's a choice between eternal hell and good tunes and eternal heaven and new kids on the fucking block … I'm gonna be surfing on the lake of fire, rocking out … high five at Satan every time I pass the motherfucking shore.”

El párrafo que sigue es una transcripción del video más abajo. Altamente recomendado. Más abajo aun, pueden ver Ænema.

“You know, if you play New Kids on the Block albums backwards … they sound better. Gives them that edge they're missing, puts some fucking hair on their balls. Come on, Bill, they're the New Kids. They're so good and so clean-cut and they're such a good image for the children." Fuck that! When did mediocrity and banality become a good image for your children? I want my children to listen to people who fucking rocked! I don't care if they died in puddles of their own vomit. I want someone who plays from his fucking heart!”

Amén.

Headgirl - St. Valentine's Day Massacre EP (1981)

2007-03-21T18:49:00.000-04:00

Para fines de los 70's y principios de la decada de los 80, surgia en la isla britanica la llamada New Wave Of British Heavy Metal.

Esta "nueva ola" llego para patear craneos y reestructurar la onda rockera-metalera de la epoca.

Inspirandose en las antiguas bandas de rock pesado, como Black Sabbath, Deep Purple, Led Zeppelin y Judas Priest, pero adquiriendo del punk rock ingles aquella velocidad, simpleza y actitud que imperaba en la juventud de aquella epoca. Para decirlo de otra manera, rebeldia y calidad en un solo estilo de musica buscaba unificar a los adolescentes de la epoca. Y vino para quedarse...

Lo que nos convoca hoy, hace referencia con lo que podriamos llamar un "split" entre 2 bandas iconos del estilo NWOBHM: Motorhead y Girlschool.

El nombre Motorhead habla por si solo. La banda de Lemmy Kilmister rompia huesos brutalmente en aquella epoca, con una velocidad desconocida y riffs monstruosos, sin perder la entretenida onda del rock and roll. Creados en 1977, a la fecha ya contaban con varios discos, entre los que se destacan "Overkill" del 79, "Ace of Spades" del 80, disco que le da nombre al aquel gran clasico de la banda y "No sleep Till Hammersmith", disco en vivo del año 81 con el que se consolidad como la mas grande banda de rock duro del momento, un recopilatorio de su breve pero fructifera historia de una manera sin igual.

Por otro lado tenemos a Girlschool, una banda un poco olvidada por la historia del rock pero que sin duda alguna marco un precedente al ser conformada solamente por mujeres. Creada en 1977, esta banda se define a si misma como "musica punk con toques heavy, y mesclado con metal (o viceversa)". Con una actitud punkrocker a la vena, pero tocando fuertemente a la par de sus coetaneos, nunca se vieron disminuidas, comenzando a explotar una veta mas "heavy" manteniendo un sonido rockabiliento y sencillo. Para el año '81, solo contaban con el disco "Demolition" con el que buscaban posicionarse entre toda la red de bandas metaleras britanicas. Y lo lograron...junto con el disco "Ace Of Spades" fueron de lo mejor de ese año.

Tanto a este exito como a la afinidad entre ambas bandas, dada por los constantes eventos y giras en las cuales participaron conjuntamente, es que deciden hacer algo novedoso, rompiendo los esquemas usuales de la musica.

La fusion entre ambas bandas fue llamada "HeadGirl" (o Motorschool, como fue lanzado en varios paises) y el nombre del fruto de esta fertil union fue "St. Valentine's Day Massacre", un EP de solo tres canciones. La grabacion de este EP fue durante la recuperacion de una lesion que afectaba al baterista de Motorhead, Phil "Philthy Animal" Taylor, por lo que la percusion quedo a manos de Denise Dufort.

El tracklist se compuso de la siguiente forma. Motorhead eligio un tema de Girlschool, llamado "Emergency" y por su parte las chicas de Girlschool eligieron el tema "Bomber" de su compañero masculino. Lo mas interesante y entretenido, es que juntos versionaron la cancion "Please Don't Touch" de Johnny Kidd & The Pirates, de un sonido rocabiliento con toques fiesteros, pero sin perder la esencia de las bandas; esa actitud pura de punk rock con la fuerza del heavy metal.

Sin mas que decir, esta "lucha de sexos" llego a ser una gran combinacion de poder musical y diversion a la vena, demostrando que las mujeres pueden lograr excelentes cosas en la musica, mas todavia teniendo un soporte de esta envergadura a su lado.

Ahora, deleitense con esta encantadora union:

Faaip de Oiad (o la advertencia de Tool)

2007-02-25T21:22:00.000-03:00

Ideado por Danny Carey (el genial baterista de Tool) el último track de Lateralus, Faaip de Oiad, es una rareza entre rarezas. Ya el solo nombre y su significado fueron inicialmente todo un misterio, y con razón. Se trata de lenguaje enoquiano, lenguaje supuestamente revelado por ángeles a un místico llamado John Dee que vivió entre los siglos XVI y XVII, y que usado correctamente permitiría contactarse con estos seres. En una traducción enoquiano/español Faaip de Oiad vendría a ser algo como “La voz de Dios”. Una muestra más de la afición de los integrantes de esta banda por el ocultismo y la magia, y único vestigio que evidencia lo que iba a ser esta pista originalmente: una serie de rezos en enoquiano (Cosa que impidió el tiempo, pero no para dar paso a algo menos excéntrico).

Como música, esta pieza se aleja de absolutamente todos los cánones y convencionalismos. El único sonido reconocible como instrumento es el de la frenética batería de Danny. Los extraños sonidos de distorsión y zumbidos que acompañan a la percusión fueron conseguidos años antes grabando a una unidad de reverberación (especie de sintetizador) descompuesta de Danny. La máquina emitía sonidos tan raros e inquietantes que Carey estaba decidido a utilizarlos algún día, y la ocasión fue perfecta. Así, con esta combinación de sonidos se logró un perturbador telón de fondo para el sello de Faaip de Oiad: la famosa grabación de un aterrado y alterado desconocido anunciando (o denunciando) nada más y nada menos que un plan de seres extradimensionales para dominar a la humanidad. Dicho así suena ridículo, pero vaya que suena grave y a revelación al escucharla.

Esta es la parte en la que hay que saber inglés:

"I don't have a whole lot of time. OK, I'm a former employee of Area 51. I was let go on a medical discharge about a week ago and, and... I've kind of been running across the country. Damn, I don't know where to start, they're gonna, um, they'll triangulate on this position really soon.

OK, what we're thinking of as, as aliens, they're extradimensional beings, that, an earlier precursor of the space program made contact with. They are not what they claim to be. They've infiltrated a lot of aspects of the military establishment, particularly the Area 51.

The disasters that are coming, they, the military, I'm sorry, the government knows about them, and there's a lot of safe areas in this world that they could begin moving the population to now. They are not! They want those major population centers wiped out so that the few that are left will be more easily controllable."

La grabación es absolutamente real, y corresponde a la llamada de un supuesto ex funcionario de la famosísima y aun así súper secreta Área 51 a un programa de radio (Coast to coast, conducido por Art Bell) el 11 de septiembre de 1997. En el programa en cuestión se instaba a que personas con información sobre el funcionamiento del Área 51 llamaran y dieran alguna luz. Un éxito total considerando que lo que se obtuvo es una de las declaraciones más apreciadas en el mundo de las conspiraciones y demases, y no gratuitamente.

Lo que dio fuerza a este llamado e hizo que no pasara como una simple broma – fuera de lo aterrado que suena estar el sujeto – fue que mientras habla dice ser perseguido, y que ha estado escapando por todo el país, por lo que muy pronto “van” a “triangular” (interceptar) la señal de su llamada. Puede sonar a un desvarío paranoide, pero segundos después, cuando la conversación aun no concluía, la estación de radio perdió su señal y dejó de transmitir. El satélite GE-1, que controlaba la señal de la emisora y de otras 50 más dejó de funcionar por unos 30 minutos, aparentemente afectado por pulso electromagnético. Definitivamente, una extraña coincidencia. Mientras, el llamado continuó por aproximadamente un minuto más (sin salir al aire) para concluir con un grito. Corre el rumor de que una semana después hubo un llamado de la misma persona admitiendo la broma, pero no consta en ninguna parte.

El sentido común nos recomienda no hacer mucho caso a estas cosas. Por su parte, Tool nos recuerda que afuera hay demasiado de lo que nisiquiera sospechamos. De un modo u otro es inevitable no inquietarse al escuchar el resultado final, y Faaip de Oiad cumple su objetivo: sacudir un poco la conciencia y cuestionar la realidad, tanto exterior como interior.

Buen modo para concluir Lateralus, dejándote lleno de preguntas.

Rush: La aventura estelar del 2112

2007-02-25T19:46:00.000-03:00

Año 1976. El trio canadiense Rush presentaba su 4to disco "2112", un disco lleno de rock clasico, toques progresivos, baladas acusticas y curiosas tematicas.

Lo interesante de este album, que aunque cuenta con una opera de alrededor de 20 minutos de duracion, dividida en varios movimientos, no constituye un album conceptual, ya que las canciones que continuan el disco no contienen ninguna relacion directa con la interpretacion principal. Es mas, son sumamente disimiles tanto en contenido lirico como en sonido.

Como decia anteriormente, el album puede dividirse claramente en 2, pudiendo llegar a formar dos obras distintas por separado, cuestion que no le hubiese quitado ni un apice de importancia y calidad a ninguna de ambas "partes".

Centrandonos en la primera parte, y siendo el nucleo unico de este articulo, escuchamos a "2112" que se divide en siete secciones o movimientos, relacionados con la historia que se relata. En breve, la historia canta mas o menos asi:

...En el año 2062, tras una guerra galáctica, los planetas se unieron bajo el gobierno de la “Estrella Roja de la Federación Solar”. El mundo se encuentra bajo el control de maquinas computadoras conocidas y referidas como los TEMPLOS,que controlan la cultura, el arte, la literatura y la musica para los seres vivientes. Algo asi como un "1984" de Orwell. En este mundo ultra estructurado un hombre descubre un instrumento conocido en una época remota como GUITARRA.

Al ver este extraño instrumento, comienza a manipularla y descubre que emite sonidos hermosos, permitiendole crear su propia musica, totalmente diferente a la que les entregan los templos. Este ser, sorprendido por lo que a logrado, en su ignorancia acude a los sacerdotes de un templo, mostrandoles aquel magno descubrimiento que le permitia crear hermosas melodias. Los sacerdotes destruyen el aparato con el argumento de que va contra la politica de la federacion.

El protagonista desesperado, regresa a la caverna donde encontro dicho instrumento, con la esperanza de recuperarlo. Al quedarse dormido, en su sueño es transportado a una suerte de Eden, fantastico y precioso, distinto a todo lo que el conocia. Cuando despierta de su sueño, queda consternado al darse cuenta que solo se trataba de su subconciente imaginacion...imaginacion que le hace ver que no puede seguir formando parte de esta inhumana federacion...imaginacion que al pasar de los dias logra quitarle la vida.

Al tiempo que el muchacho se quita la vida, comienza una gran batalla interplanetaria que busca derrotar "The Red Star of the Solar Federation", mision que se cumple, tomando el control de la federacion solar...y dejando el destino de los hombres en el aire...

Siguiendo toda una tematica galactica, Neil Peart, el creador de la mayor parte de las letras de la banda, cuenta que se inspiro en el libro "Anthem" de Ayn Rand, reconociendo grandes similitudes entre ambas historias.

En el vinilo original, se incluye tambien una contextualizacion de la historia, que no solo se sigue por las liricas propias de cada cancion interpretadas por Geddy Lee, sino que mas asi como un cuento fabuloso que nos situa en el tiempo y espacio determinados para poder comprender mas alla cual es el fondo de esta opera; en español seria algo asi:

"Me acuesto despierto, observando la desolación de Megadón. La ciudad y el cielo se convirtieron en uno, fusionándose en un solo plano, un vasto mar de gris. Las Lunas Gemelas, sólo dos pálidas esferas, dejan su rastro a través del cielo acerado. Solía pensar tenía una buena vida aquí, sólo conectándome a mi máquina para el día, luego viendo TemploVisión o leyendo un TemploPeriódico en la noche.

"Mi amigo Jon siempre decía que era mejor aquí bajo los domos atmosféricos de los Planetas Exteriores. Teníamos la paz desde 2062, cuando los planetas sobrevivientes se unieron bajo la Estrella Roja de la Federación Solar. Los menos afortunados nos dieron algunas lunas nuevas.

"Creía lo que me decían, pensé que era una buena idea, pensé que estaba feliz. Luego hallé algo que lo cambió todo . . . " - Anónimo, 2112

I. Obertura
Y los humildes heredarán la Tierra . . .

II. Los Templos de Syrinx
... "Las masivas paredes grises del Templo se elevan del corazón de cada ciudad de la Federación. Siempre me habían atemorizado, pensar que cada simple faceta de cada vida se regulaba y dirigía desde adentro !Nuestros libros, nuestra música, nuestro trabajo y nuestros juegos todos son vigilados por la sabiduría benevolente de los sacerdotes ..."

III. Descubrimiento
... "Detrás de mi querida cascada, lo hallé escondida en la pequeña habitación bajo la cueva. Le quité el polvo de los años, y lo levanté, sosteniéndolo reverentemente en mis manos. No tenía idea de lo que podría ser, pero era hermoso ..."

"... Aprendí a posar mis dedos contra los cables, y a girar las llaves para hacerlos sonar de forma diferente. Cuando golpeé esos cables con mi otra mano, produje mi primeros sonidos armoniosos, y de pronto tenía mi propia música ¡Cuán diferente era de la música de los Templos! ¡No podía esperar para contarles a los sacerdotes acerca de esto! ... "

IV. Presentación
... "En el repentino silencio cuando acabé de tocar, miré un círculo de rostros sombríos y sin expresiones. El Padre Brown se levantó y su voz somnolienta se hizo eco a través del silencioso Salón del Templo." ...

... "En vez de la alegría de agradecimiento que me esperaba, sólo habían palabras de quieto rechazo ! En vez de ovaciones, una sombrío desaprobación. Veía con asombro y horror como el Padre Brown levantaba mi apreciado instrumento y lo hizo astillas bajo mis pies ..."

V. El Oráculo : El Sueño
... "Supongo que fue un sueño, pero aún ahora me parece tan vívido. Aún veo claramente la expresiva mano del Oráculo mientras se paraba en la cima de la escalera" ...

... "Aún veo la increíble belleza de las ciudades esculpidas y el puro espíritu del hombre revelado en las vidas y los trabajos de este mundo. Estaba sobrecogido por su belleza y entendí que veía una forma de vida completamente diferente, una forma que había sido aplastada por la Federación hace bastante tiempo. Ahora veo como se había perdido sentido a la vida al perder todas estas cosas ..."

VI. Monólogo
... "No había dejado la cueva por días, se había convertido mi último refugio en mi total desesperación. Ahora sólo tenía la música de la cascada para confortarme. No podía seguir.

Conociendo la historia podemos ir a la musica.

I: Overture: como lo dice su nombre, la overtura de la historia. Un preludio instrumental prolongado que incluso incorpora una interpretacion de la "Overture 1812" de Tchaikovski en guitarra. Al final podemos escuchar la frase "And the meek shall inherit the earth ..." o en nuestro idioma "...y los humildes heredarán la Tierra"

II: The Temples Of Syrinx: cuando los sacerdotes se presentan, dando a conocer los templos. Entra una guitarra electrica y una bateria redoblante; con energia, una de las partes mas caracteristicas de esta cancion, con todos los elementos del trio, lo que marcaria su estilo.

III: Discovery: El descubrimiento. Comienza con cascadas y la manipulacion de una guitarra, algo asi como que nunca se hubiese tocado y que lentamente comienzan a sonar acordes melodiosos, extrayendo una hermosa balada propia de los años clasicos del folk-rock. La melodia va In Crescendo para luego regresar a un estado llano de la melodia, no por esto menos agradable y decidora.

IV: Presentation: Rapidamente comienza la presentacion a los sacerdotes; una perfecta union entre ambos movimientos. En esta seccion se nota el dialogo entre el sujeto y los sacerdotes, manteniendo la melodiosidad en el hombre, y la inflexion vocal con guitarras distorcionadas en los sacerdotes. Claramente se mezclan ambos estilos musicales para representarnos el enfrentamiento entre ambos (este pasaje mezcla el II y III movimiento en su melodia)

V: Oracle - The Dream: Concluye la presentacion bruscamente con un retorno a la melodia del Templo de Syrinx, pero ahora incorporando un preciso solo de guitarra a manos de Lifeson, que le da un toque desesperado acorde a la historia que acompaña al personaje en su caos mental. Luego viene un lapsus a manos de un instrumento sintetizado, que le da paso a la historia, para volver drasticamente a la melodia central de la obra, cuando con ira se sienten las guitarras y la percusion, creando el estado de incertidumbre propio de este cuento. Esto decanta en lo que seria el "soliloquio" o "monologo"

VI: Soliloquy: Regresamos a un pasaje tranquilo y placentero, que inspira sentimientos de tristeza o incluso despedida, para reventar en gritos acompañados de todos los instrumentos, un posterior solo de guitarra, desgarrador totalmente acorde con el sentimiento autodestructivo del personaje principal

VII: Grand Finale: Ahora, el gran final!! Lo mas clasico de lo mas clasico. Muestra por que Rush siempre se sintio tan inspirado en la musica creada por Zeppelin, especialmente en los riffs de Page. Al escucharla necesariamente nos lleva a eso, pero dandole una frescura distinta y novedosa, moderna y "progresiva" por decirlo de algun modo.

Que mejor manera de concluir esta gran historia, que lleva de la mano la musica y el contenido, como uno solo, haciendo sentir con la musica lo que no podemos ver a traves de nuestros demas sentidos.

Como dato interesante, y si disfrutas de la buena musica de Rush, Mike Portnoy, el baterista del grupo Dream Theater, dentro de su lista de tributos a grandes bandas como The Who y The Beatles, incluyen su ultimo tributo a este trio de rock progresivo canadiense; Cygnus and the Sea Monsters - One Night In Chicago es el nombre de este bootleg de 4 canciones, magnificamente interpretadas, en la que se incluye el track comentado en este articulo, mas otros clasicos de la banda. Solo para fanaticos!!

Aqui algo para el deleite audiovisual, Rush en vivo:

AC/DC Videos

2007-02-25T17:38:00.000-03:00

Para muchos, una banda de rock mas. Para otros, un gran icono del hard rock puro cultivado a mediado de los 70, inspirador de las generaciones venideras de todo estilo.

Criticada por ser una banda simplista e idolatrada por ser duros y directos, sin duda alguna marcaran la historia de la musica para siempre.

Sea que te guste Bon Scott o Brian Johnson, esta agrupacion australiana creada por los hermanos Young sigue pateando craneos alrededor del mundo como "ballbreaker".

Aqui, una mezcla entre los comienzos con Scott y su continuacion con Johnson, en 4 videos clasicos, que van desde la entretencion del rock and roll, hasta lo mas visceral del hard rock.

Que los disfruten.

AC/DC - Its A Long Way To The Top If Ya Wanna Rock And Roll (Bon Scott)

AC/DC - Highway To Hell (Bon Scott)

AC/DC - You Shock Me All Night Long (Brian Johnson)

AC/DC - Thunderstruck (Brian Johnson)

Rolling Stones Rock And Roll Circus

2007-02-08T18:01:00.000-03:00

El gran circo del rock and roll. Este espectaculo se realizo en diciembre de 1968 en el Roundhouse de Londres, a modo de programa para la television britanica. La idea de los Stones era dar a conocer la escena rockera inglesa a sus compatriotas, pero llego mucho mas alla.

Como su nombre lo dice, el espectaculo era en un circo; una ambientacion circense, con espectaculos de esa indole: trapecistas, tragafuegos, payasos, malabares, mucho maquillaje y disfraces. Tanto los musicos de las bandas invitadas como los espectadores, estaban disfrazados. La musica introductoria tambien estaba a cargo del espiritu fiestero de un circo itinerante. Enanos, mujeres barbudas, y una gran carpa era el ambiente perfecto para realizar un evento de esta especie.

Ahora vamos a la musica. Lo interesante de esta presentacion, es que incluyo a grandes bandas clasicas del rock, cuando aun estaban en plena juventud y creatividad. Los Stones seleccionaron algunas de sus bandas "amigas" para que participaran en este show, mostrando sus canciones de una manera entretenida y dinamica, en un ambiente festivo cercano a la sicodelia.

En orden de aparicion, llega primero Jethro Tull, con su magnifico estilo que mezcla el rock, el blues, el folk y la mitologia (satiros y duendes llenan el espacio de Ian Anderson).Los que posteriormente se convertirian en una de las bandas del primitivo rock progresivo britanico, aqui se encontraban en su inicio. Como anecdota, en esta epoca el guitarrista era Tony Iommi, mitico guitarra de Black Sabbath quien solamente estuvo algunas semanas y figura en esta presentacion en vivo, y no en las grabaciones posteriores de esta cancion. La cancion con la que se presentaron fue "Song For Jeffrey" amenamente acompañada por la dulce flauta y una harmonica.

Luego se presentaria The Who, con algunos años de experiencia ya en el cuerpo, mostrandonos su mejor estilo con "A Quick One While He's Away", una cancion con mucho de vocal, pero tambien perfecta para mostrar a Pete Townshend batiendo su brazo en el aire mientras toca su guitarra distorcionada, y ver a Keith Moon, uno de los grandes bateristas de todos los tiempos, volverse demente azotando la percusion. Realmente un hermoso espectaculo.

Ahora vienen dos de los puntos, a mi gusto, mas bajos del espectaculo. La presentacion de Taj Mahal, no se encontraba en su mejor momento, ya que aun no se consagraba como un cantante de blues rock norteamericano, y la cancion "Ain't That A Lot A Love", tampoco es tan motivante como para llegar al nivel de sus contertulios, aunque en su tierra natal compartiera giras y escenarios con artistas como Grateful Dead o Jefferson Airplane.

Marianne Faithfull es otro tema. Con una voz muy bella, se presenta cantando "Something Better", con un hermoso vestido en la mitad de la pista circense. Personalmente, no estaba a la altura del espectaculo, con una cancion lenta, sin musicalizacion, apagada. Se dice que solo estuvo ahi por ser la pareja de Mick Jagger en ese momento. Sea mito o realidad, esta muchacha resalta por su exhuberante belleza y su hermosa voz, pero no por su presentacion en vivo.

Ahora llegamos a lo realmente bueno, digno de aplausos y ovaciones. Antecedido por una presentacion que hace Jagger junto a John Lennon (The Beatles), ambos comiendo arroz con palitos, en un estado de alucinogenos pura, dan a conocer este nuevo y magno proyecto que John nos muestra en ese momento: The Dirty Mac. Debe ser uno de los primeros supergrupos que existieron, aunque fue su unica presentacion registrada; Keith Richards de los Rolling Stones en el bajo, Mitch Mitchel de Jimi Hendrix Experience en la bateria, Eric Clapton de Cream en la guitarra principal y Lennon en la voz y guitarra ritmica. Que grupaso. Sin precedentes. Y lo mas emocionante es que tocan "Yer Blues", cancion de los Beatles, que se incluye en el Album Blanco de la agrupacion de Liverpool. Gran presentacion, con un toque muy blues rock, cargado de emocion, y una magistral demostracion de virtuosismo a mano de todos, especialmente de Clapton, todo un juvenil as de las 6 cuerdas.

Lo mas freak de la presentacion, es la intromision de un violinista mientras toca The Dirty Mac, poniendole un tono mas rapido, y luego, Yoko Ono se incorpora "cantando". Deben verlo ustedes mismos. El explicarlo seria imposible. "Whole Lotta Yoko" es la cancion que mostro a los comensales.

Por ultimo, el plato fuerte de la noche. No es necesario detallar esta aparicion. Los Stones en todo su esplendor, tocando sus exitos y coreados por todos, incluso los demas musicos sentados en el publico. un Mick Jagger en su mejor momento, acompañado de su "soulmate" Richards, nos dan una dosis del mejor rock con Parachute Woman, No expectations, Sympathy for the Devil, You Can't Always Get What You Want y Salt of the Earth. Un tremendo show para culminar esta cumbre de iconos del rock.

Todo esto, mezclado por intermedios alegres y joviales en manos de los hombres de circo, crearon una obra irremplazable, digna de coleccionistas.

A modo de comentario, este espectaculo nunca salio a la television, y solo fue presentado en el cine casi 30 años despues, en 1996, despues de haber estado guardado en una bodega. Actualmente se encuentra tanto el disco de la musica, como en formato Dvd.

De alguna forma, hay que tenerlo. Cualquier amante del buen rock desearia poder disfrutarlo.

Aqui, una dosis de los que se vivio en aquel momento:

Sobre Kurt Cobain y Neil Young. (Hey hey, My my)

2007-02-08T15:44:00.000-03:00

Lo dijo Neil Young en su momento: “rock and roll can never die”, o como tradujo La Renga, el rock and roll no morirá jamás. “My my, Hey hey (out of the Blue)” y “Hey hey, My my (into the Black)” (primer y último track del disco Rust never sleeps de Young, del 79) son las canciones – ya himnos - que recogen esa tremenda idea o verdad, - mucho más que simple frase, dijo el entusiasta - de que el rock como buena música no tiene final. Pasan los años, mueren los rock stars, y la música sigue sonando y sigue siendo descubierta.

Cobain es un buen ejemplo de lo que dice y es esta canción, y de seguro mucho más de lo que el mismo Young hubiera querido. Va a seguir sumando y sumando años del día que decidió ya no estar más y su música va a seguir y seguir sonando. De más está ese ranking de los “Famosos muertos más ricos del 2006” de Forbes que lo coloca como el número 1 en producir ganancias póstumamente. No hace falta que venda masivamente para que sepamos que lo de el no termina.

Antes de seguir aclaro que “My my, Hey hey (out of the Blue)” y “Hey hey, My my (into the Black)” a pesar de ser dos canciones bien pueden ser tratadas como una, porque en el orden dicho, son la versión acústica y eléctrica de una misma melodía con muy pocos cambios en la letra.

Y bueno, volviendo al asunto ¿Qué pasa con esta canción y Kurt Cobain que afectó tanto a Young? No tiene que ver con la consagración de Cobain como leyenda del rock, sino con su muerte.

Como suelen hacer los suicidas, el buen Kurt preparo una nota final con sus frustraciones y cariños, que no tardo en hacerse gradualmente pública (hasta los diarios de vida le publicaron hace un par de años). Poco fue lo que la viuda (Courtney Love) dio a conocer en un comienzo, pero bastante contundente, y especialmente fuerte para Neil Young: ya en el final de la nota, y casi como forma de justificar el acto, Cobain aludió a dicha canción parafraseando: “it's better to burn out than to fade away”. Conectó irremediablemente su muerte con la letra de Young y de paso, regresó a flote la visión punk de la vida. Mejor arder y consumirse que desaparecer de a poco. Un guiño final y bastante trágico del icono del grunge al llamado “padrino del grunge”.

Aunque nunca se conocieron en persona Young (como viejo dinosaurio del rock) y Cobain (como rockero de una nueva generación) siempre se respetaron como artistas, según constaba en entrevistas. Se dice que hubo varios intentos por uno y otro lado de contactarse y compartir algún proyecto sin que haya habido resultado. Young reintentó contactar a Cobain cuando ya eran vísperas de su muerte. Estaba preocupado por las noticias de su mal estado y depresión (para entonces había tenido sobredosis y escapado de una clínica de rehabilitación), temiendo que pudiera hacer algo. No andaba muy perdido con la inquietud.

Pasado el tiempo y conocida la nota suicida, Young lamentó sentidamente la interpretación que Cobain dio a su letra. Dijo que nunca fue su intención llamar a un final de ese tipo, y que por respeto a Kurt no se referiría más al tema ni volvería a interpretar ninguna de las dos versiones de “My my, Hey hey” en público. Claramente una lamentable reacción al hecho, pero por suerte, de corta duración. Ese mismo año (94) las volvió a tocar luego de editar en julio el disco en memoria a Kurt “Sleeps with angels” (no es de lo mejor de Young), que permitió cerrar un ciclo (quizás más definitivamente cerrado al agradecer a Kurt por su inspiración al entrar en el Rock Hall of Fame el 95).

Y pasan los años y el rock sigue ahí como siempre, sonando trascendente. Compruebenlo abajo.

Stone Temple Pilots: incomprendidos y subvalorados

2007-01-15T18:32:00.000-03:00

De verdad nunca fue un grupo que me llamara la atencion. Tal vez por la misma razon por la que fueron ignorados constantemente, y dejados de lado por la critica especializada. Creo que es hora de reivindicar a estos muchachos, especialmente teniendo en cuenta que son todos drogadictos y han estado presos (totalmente plausible).

Retrocedamos y visualicemos el comienzo de la decada de los '90. Surge la tendencia llamada Grunge, de la cual podemos nombrar como algunos miembros mas destacados, a Pearl Jam, Nirvana, Alice In Chains y Soundgarden. Cada uno con su estilo particular y cualidades especiales, pero todos circundando la misma esencia que les entregaba la ciudad de Seattle para hacer aquella musica rockera y melancolica, que hacia renacer el antiguo rock supuestamente perdido en manos de muchachos con maquillaje.

Ahora vamonos a 1992; sale a la luz un grupo llamado Stone Temple Pilots (de ahora, STP) queriendo tal vez tardiamente incorporarse a esta manga de desgarbados sujetos que ya de a poco comenzaban a salir del underground para enfilar a convertirse en conocidos rockstars.

Esta presentacion, de una banda que salio de la nada, por lo que muchos pensaron que era producto de la mente de un alto funcionario discografico, algo asi como unos Spice Girls un poquito mas ruidosos, se efectua a traves del disco "Core". Es un disco bueno, pegajoso, que contiene varios de los temas mas conocidos de la banda (Creep. Plush) pero que los tilda automaticamente de "comerciales" y de no tener un estilo propio, por ser muy similares a AIC y particularmente en lo vocal, a Pearl Jam. Que peor para una banda de recien llegados, que te dejen por el suelo inmediatamente, aunque lo que estas haciendo es desde adentro.

Pero bueno, llegó la revancha. Para el '94, tenian preparado lo que yo considero su obra principal y magna, y que seria su ultimo bastion en batalla, para quedar en la retina del mundo musical; el album "Purple"...

Este disco, cambia ese estilo comercial y pegajoso, y lo cambia por perfectos arreglos de guitarra, voces, e incluso multiples percusiones. Esta vez quisieron incorporar definitivamente aquellos detalles que hacen caracteristicas a las otras bandas, pero a su manera: un Hard Rock directo, pero a la vez notables armonias acusticas y ritmicas, una base de bajo elaboradamente agradable, e incorporar toques tanto rusticos como hippies.

Quedo claro que estos muchachos no querian imitar el sonido de sus "compañeros de escena", simplemente ganarse un sitial y hacer lo que a ellos les gusta.

Dejando de lado lo popero, tal vez con la excepcion de Interstate Love Song, que no deja de ser una gran cancion en este disco, crearon una serie de pequeñas expresiones de talento y estilo particular que le permitieron a STP con "Purple" luchar contra discos como "Superunknown" de Soundgarden, "Vitalogy" de Pearl Jam y "Unplugged in NY" de Nirvana, todos ya discos de consolidacion luego de 3 o 4 anteriores.

Esto da un merito personal y automatico tanto a la obra como a sus creadores, que por lo mismo, merecen ganarse y permanecer en el lugar de las grandes bandas de a principios de los 90's, a pesar que posteriormente sus obras dejaron mucho que desear (pero no por eso les quitaremos el credito o no!!??)

Disco extremadamente recomendable para tal vez nostalgicos, tal vez primerizos, y en general para todo aquel que disfrute del buen rock.

Por Favor, un aplauso para Stone Temple Pilots:

Led Zeppelin v/s Pearl Jam (o el perfecto reflejo)

2007-01-15T17:39:00.000-03:00

¿Led Zeppelin demandando a Pearl Jam? Definitivamente nefasto. Dos eminencias de la música (una consagradísima y legendaria y la otra en vías de ser leyenda) empujándose por derechos de autor es algo que esperamos nunca tener que ver. Y tranquilos, que esta tampoco es la ocasión. ¿Por que el titulo entonces? Primero hay que escuchar “Going to California”, una tremenda balada del disco Led Zeppelin IV (del que pueden leer una reseña en este mismo blog, más abajo) y luego, hecho esto, escuchar “Given to Fly” de Pearl Jam. Si hicieron este ejercicio van a llegar a la irremediable conclusión de aquí pasó algo raro.

De vez en cuando y de cuando en vez pasan estas cosas: canciones que se parecen mucho a otras, e incluso en el peor de lo casos, que resultan ser idénticas. La respuesta natural del artista “pasado a llevar” suele ser una demanda por infracción de derecho de autor, plagio, y claro, una búsqueda de mucho dinero de por medio. Y bueno, ¿pasó o no pasó? ¿hubo demanda o no hubo nada? Ya adelanté que no, pero ¿por que queda la duda? Resulta que en su momento, la primera impresión que hubo entre los entendidos de los medios musicales (léase televisión y revistas) fue la que les tuvo que haber dado también a ustedes al escucharlas, ósea, - son idénticas, en música y melodía de la voz (léalo en forma exclamativa si usted quiere)-, y que el primer single de “Yield” (el disco en cuestión, del que también sale la ultra trillada aunque siempre efectiva “Do the evolution”) no era más que una copia.

Comenzó a correr el rumor de que Jimmy Page iba a tomar acciones contra el grupo y lo que había que esperar entonces, era que se decidiera judicialmente si la creatividad musical y artística de Pearl Jam era de fiar o no. Esto nunca ocurrió, pero por algún motivo el rumor se transformó en un mito, que a pesar del tiempo y los desmentidos aun tiene mucha fuerza. (Ni siquiera una publicación especial sobre Pearl Jam hecha por Sony Music el 98 desmintiendo esto sirvió para desaparecer esta idea, es cosa de buscar en Google).

¿Pero qué paso en realidad entonces? Según se cuenta, la única reacción que se logró de Plant y Page al consultárseles por este supuesto plagio fue que se miraron entre sí, medio extrañados y Plant respondió que, “realmente no creo que Vedder haya escuchado Going to California”. Ahí acabó todo el conflicto. Sería y para la casa. Los conflictivos se quedaron sin noticia y todo terminó. Cuando eres Led Zeppelín no te interesa meterte en problemas. Estás demasiado alto como para sentir que tu música está en juego. Quizás como se habrá sentido Eddie con esto. Obviamente habrá escuchado Led Zeppelin IV unas cuantas decenas de veces, al igual que Mike McCready y todo el grupo, pero en fin, se ahorraron los problemas. Definitivamente su propio gusto por Led Zeppelín les debió haber jugado en contra sub concientemente.

Algunos sostienen que “Given to Fly” es un homenaje a Zeppelin, otros dicen que es una versión de “Going to California” mucho más “Zeppelín” que la original. Sea como sea, las dos son tremendas canciones, y a pesar del parecido, tienen un brillo propio.

Esta historia se cerró definitivamente el 2005 en el House of Blues de Chicago, donde Pearl Jam y Robert Plant compartieron escenario, y a una voz dieron vida a una versión que algunos llaman “Going to Fly”.

Acá pueden ver versiones en vivo de las dos canciones.

Motley Crue: Decadencia y Autodestruccion

2007-01-05T19:38:00.000-03:00

Esto si que es gusto personal. Me han criticado bastante porque disfruto de los grupos Glam ochenteros, llenos de sombra de ojos, pintura en la cara, pañuelos y plataformas, pero no tengo nada que hacer. Encuentro que es una generacion notable, que a pesar de caracterizar una imagen casi burlesca, y popear la musica a un extremo irreconocible, tiendo a pensar que es la epoca en que mas domino el hard rock, aquel rockanroll puro y fiestero, una especie de revival de los 50's.

De todas estas bandas, como Poison, Bon Jovi, Whitesnake, y muchas otras, es Motley Crue la banda que realmente me impacto. Para mi, es la banda Glam Rock o Hair Metal (como algunos lo llaman) que mas destaco tanto a la generacion de jovenes rebeldes de la epoca, como a crear un estilo de musica en base al mejor rock, poderoso y rapido, aparte de entretenido. Una fiesta 24/7!!

Es aun mas interesante, que sean estos jovenes de Los Angeles los que llevaran junto a esta motivante vertiente del rock, el estandarte del lema milenario: Sexo, Drogas y Rockanroll.

Lei alguna vez por ahi, que los Crue son los descendientes de la estirpe de desenfreno creada por bandas como los Rolling Stones y seguidos de Aerosmith (del cual extraen su imagen mas glamorosa), en los cuales la droga, el alcohol, y la lluvia de mujeres era la noche perfecta. Si despertabas lucido, es que la noche no habia sido buena. Y que mejor broche para cerrar esto que buen Hard Rock.

En el ambito de la musica, desde 1981 con su album Too Fast For Love hasta 1989 con Dr. Feelgood, instauraron en los ranking decenas de grandes hits, escuchados y coreados aun hoy hasta por los mas jovenes, como Shout At The Devil, Dr. Feelgood o Girls, Girls, Girls. Nos dieron tambien aquellas notables "power ballads" como Home Sweet Home, como para bailarla en un bar en la mitad de la noche, con la mujer de turno luego de varios tragos.

La mezcla entre musica hard rock clasica, estilo a lo Bowie, y la actitud destructiva del punk rock, llevaron a estos muchachos a la cuspide de los medios, no solo musicales, sino de farandula, de jet set; escandalos, desordenes, incluso muertes (Vince Neil, borracho, se accidento en su auto matando a quien iba de copiloto, su amigo Nicholas Dingley, baterista de los Hanoi Rocks) y por que no decirlo, una de las relaciones mas polemicas de la farandula gringa (con nuestra querida Pam Anderson) hicieron de Motley Crue el referente indiscutido de la epoca, codeandose con grandes del heavy metal y rock en general, llegando a ser considerados una de las bandas mas influyentes de los 90's y de la actualidad.

A principio del 2000, comenzaron los atisbos de el renacimiento de estas antiguas y bacilonas bandas, por lo que Tommy Lee y Cia. no se podian quedar atras, dandonos un concierto en formato CD/DVD llamado "Carnival Of Sins", elemento necesario para cualquiera que quiera introducirse en esta genial agrupacion.

Sin mas que decir, Motley Crue (Vince Neil, Micky Mars, Nikki Sixx y Tommy Lee) es y sera la banda icono de una generacion y por esto, merece todos los honores del mundo.

Aca, una joyita para todos los muchachos

Damnation Vs. Deliverance

2007-01-05T18:32:00.000-03:00

2 obras que son 1...

Se concibieron como un disco doble, porque apelaba a un mismo concepto lirico/tematico, pero se opto por darles salida independiente a cada una de estas obras. Despues de que Opeth lanzo en aclamado Blackwater Park, en el cual se demostro toda la parte Doom Metal de la banda, el poder progresivo de estos musicos, y tambien los lapsus acusticos con bellas cuasi-baladas. Una combinacion perfecta.

Pero aca no quiero interiorizarme mas en la trayectoria, o reseñar cada uno de los discos, sino avocarme al estilo; mas todavia, a otorgarles mi vision y mi gusto por cual de estas operas.

Partamos por lo fuerte...Deliverance es puro poder. Partiendo con los 11 minutos de Wreath, con gritos guturales profundos, propios de Mickael Akerfeldt, el carismatico vocalista y lider de la banda. Canticos que no hacen mas que sentir las entrañas de la musica, lo mas recondito y lugubre. Dinamica que se mantiene consecuentemente a lo largo del disco, derrepente con melodias armoniosas, percusiones, leves caminos de guitarras, pero siempre predominando el mas puro estilo nordico de su metal, con los dobles bombos y guitarras afiladas.

Igual podemos encontrarnos con temas del estilo del Blackwater, algo asi como miscelaneos, pero es una musicalizacion que busca mostrar fuerza y no calma.6 temas conectados entre si, siguiendo una misma tematica, involucrandonos en una demostracion magna de poder y calidad musical, dificilmente comparable con otras bandas del estilo.

Damnation es calma; calma y belleza. Pero no una belleza alegre o contenta, no es de esas cosas hermosas de sonrisa, sino, al contrario, va de abajo. No busca deprimirte (creo yo) pero no apela a tu lado positivo jovial, sino a tu lado melancolico-nostalgico, algo opaco...oculto.

Partiendo con Windowpane, sientan el patron de los comienzos de guitarra, de una manera tranquila pero elaborada. Nunca dejan de lado ese toque algo tenebroso, no transparente. Las liricas son profundas, y la voz del cantante, acompañado por sus contertulios, deja de lado lo gutural y agresivo del grito, para quedarse en la armonia de la balada. Hermosa voz, que nos refleja la arista contraria a lo que fue Deliverance. Los arreglos musicales, aparte de la lead guitar y de la ritmica, que mantiene un rasgueo constante basico pero a la vez completo, se ve acompañado por una tremenda base de bajo, demostrando que este instrumento es el que realmente lleva el ritmo de las melodias, el que sienta los cimientos para una buena cancion. La bateria por su parte no tiene mayor protagonismo. El miembro a destacar es el teclado...es el nuevo miembro que se incorpora para otorgar sonoridad y ambiente a la banda; y lo logra a la perfeccion. Sin este, podriamos decir que el disco se encuentra vacio. Melodias como Death Whispered a Lullaby o Ending Credits, nos dicen todo...Que gran pieza de arte.

En conjunto, son una obra completa, que podria incluso convertirse en una especie de antologia, un recorrido por el sonido de la banda, mostrandonos sus avances, sus mejores creaciones, su progresion de estilos, etc. Pero por separado, son dos obras magicas, cada uno con su encanto y de la cual puedes decir "me quedo con una o la otra". Yo te digo "Quedate con las dos".

Aca no hay nada que comparar. No es una lucha de poderes. Simplemente es como el Ying y el Yang en una misma esencia. Fuerzas opuestas pero que tienden al equilibrio. Como todo en la naturaleza, todos buscan el equilibrio!!

...Sleep my Child

Black Label Society

2007-01-05T16:43:00.000-03:00

Oh que sociedad!! Partamos de la base que estamos frente a la banda de aquel joven guitarrista que se consagro junto a Ozzy despues de la lamentable muerte de Rhandy Rhoads, Zakk Wylde. Este rubio sureño con pinta de vikingo, maestro de las 6 cuerdas, desde joven que incursiono en solitario creando bandas como Pride & Glory, con un tinte mas country blues arrastrado, mezclado con el buen rock a lo Lynyrd Skynyrd, pero claramente lo suyo es el heavy metal vieja escuela.

Despues de entregar algunos trabajos solistas, acompañado de una guitarra acustica y aquella voz gastada a lo Black Sabbath, cargandose a la balada rock, busca definitivamente su camino...crear una sociedad de motoqueros rudos que les guste el hard rock sucio y aceitoso, y en donde el pueda, a traves de pegados riffs y geniales punteos, demostrar su magnifica habilidad con la electrica, casi confundible con la prolongacion de sus brazos.

Acompañado de Nick Catanese en la guitarra ritmica (un joven que no se queda atras con el instrumento) , John DeServio en el bajo, marcando duramente el ritmo de las melodias, incluso marcando aun mas que el bombo en algunos casos, y Craig Nunenmacher en la bateria, dando un toque rock antiguo poco pulcro, que da el toque a este agresivo metal sureño, han creado obras geniales, en las cuales a mi parecer no importan las canciones en su individualidad nada mas, sino el todo que conforma ese tanque de rockanrol que entra por tus oidos y te hace querer cabecear, y a veces, solo disfrutar.

Incluyendo el piano, tocado por el mismo Zakk, en varias de sus producciones, podemos ver lo multifacetico de este frontman, que no logra saciar su ego con solo las 6 cuerdas, sino que necesita demostrarle a los demas que puede y es mas. Geniales liricas, desde el corazon, nos demuestra que el es siempre el unico que compone y crea las melodias en esta oscura sociedad.

Intimo amigo de Dimebag Darrel (Q.E.P.D), Wylde comentaba que ellos eran los que habian recuperado aquellos pasajes de guitarra, los solos prolongados y rapidos, virtuosos, que alguna vez mostraron Page o Hendrix, y que claramente reflejaron bandas de los 80's en aquellos monstruosos conciertos en la arena de las capitales del mundo.

De aca, extraigo dos ideas disimiles pero interesantes; Wylde escribio para su amigo Dimebag la cancion In This River, que se incluye en su penultimo disco, Mafia. Una cancion rebosante de sentimientos y nostalgia, acompañado de un video por decirlo menos, emocionante. Gran tema para interiorizarse en la parte humana de este peculiar sujeto. Por otra parte, a modo de anecdota, los miembros de Black Label Society, son los miembros a su vez de la banda Steel Dragon, creada para la pelicula RockStar (tremenda pelicula y uff! Jennifer Aniston). Las canciones tocadas ahi, fueron realmente escritas por ellos, con ese toque medio glam a lo Motley Crue, que desafortunadamente nunca mas han tocado. Musica de coleccion para aquellos que gustan del buen rock.

Aunque ultimamente me a desilucionado este grupo de rockeros, no por el hecho de que sigan por la senda que ellos crearon, sino porque la creatividad a ido disminuyendo considerablemente, ya los solos eternos y movimientos profundos de aquel bello instrumento no nos satisfacen; personalmente estoy avido por escuchar algo que me impresione de estos muchachos sureños.

Al final, da igual. La buena musica seguira siendo buena musica, y si les gustan las bandas duras, virtuosas pero viscerales y con toda la actitud de exceso de cervezas y Jack Daniel's, escuchen el disco Sonic Brew y no se arrepentiran.

Arriba el buen Hard Rock!!

PD: Siguiendo la linea de este articulo, pido disculpas si existe una cargada tendencia a solo referirme a el frontman de la banda, pero me genera idolatria que un hombre actualmente se mantenga fiel a su estilo, y no se deje influenciar por las corrientes nuevas que corrompen el espiritu real de la musica dura; por otra parte, por algo se llama Zakk Wylde's Black Label Society o no?!

Otro Comienzo...

2007-01-04T17:53:00.000-03:00

Bienvenidos a otro año...2007!

Por fin acabo el año, vienen las vacaciones, viene una nueva vida, incluyendo un verano con sol, arena, mujeres hermosas, y uno que otro traguito como para amenizar la cuestion. Por lo mismo, tambien merece que revivamos nuestro blog. De verdad es una iniciativa personal, no hubo preguntas o consensos sobre este renacer, simplemente se me antojó y aqui va.

Personalmente, este final de año me fui cargado al metal. Estaba y estoy tal vez un poco aburrido de lo clasico y la psicodelia (aunque suene una herejia), pero ya estaba bueno que me dejara deleitar por algo mas actual y mas fuerte, asique parti avanzando en el tiempo con las bandas que desde los 80's vienen arrastrando poder, dejando su huella en los juveniles ritmos de la epoca que vivimos.

Igual no me volvi un adicto a todo esto llamado Metalcore o cosas por el estilo, o la NWOAHM (New Wave Of American Heavy Metal), pero creo que hay honrosas excepciones para destacar, mas que nada por lo que me inspiran.

Avenged Sevenfold, banda californiana de este llamado nuevo Heavy Metal, realmente me cautivo con su ultimo disco, City Of Evil (altamente recomendado, estilos totalmente variados), aun cuando su vocalista M. Shadows haya accidentado sus cuerdas vocales, no pudiendo recuperar la capacidad de aquellos estruendosos gritos con el que nos deleitaba en su anterior disco Walking The Fallen. En esta banda de jovenes, tenemos claras influencias de los maestros Guns'n'Roses, Stone Temple Pilots, y Misfits, de los cuales extraen parte de su curiosa apariencia. Es un rockanroll puro, rapido, riffero, entretenido y aun mas importante, Virtuoso!

Pasamos de canciones altamente hardcore melodico y pesados toques de doble pedalera, a pasajes de guitarra clasica y viajes sonicos de pelicula (me inspiran al señor de los anillos)...y una que otra percusion por ahi.

Vamonos a Lamb Of God. Banda entretenida, y que creo que por lo unico que me gusta es por el fiel reflejo que hace su estilo a aquellos grandiosos discos de Dimebag y Cia., PANTERA. Cuando escucho un disco de LOG, me cuesta no buscar de inmediato el Far Beyond Driven o el Vulgar Display Of Power de estos viejos rockeros sureños. Vale la pena revisar Ashes Of The Weak y Sacrament, del pasado 2006. Gran banda que va a la cabecera para mantener viva la llama de los Cowboys From Hell.

Brevemente referirme a Killswitch Engage, gran banda de la escena, de la cual no tengo mayor informacion, pero que con su disco The End Of Heartache del 2004, me mostro la dosis perfecta de poder metalero, esencia hardcore, y excelentes toques melodicos; amalgama perfecta para quien disfruta de todos los estilos.

Trivium, por su parte, hace de las suyas, siguiendo la senda mas clasica de Metallica. No tan intrincado ni elaborado, pero si con ese estilo y actitud propia. El ultimo disco no es malo, pero tal vez raya en la monotonia; mejor revisar discos anteriores como Ember To Inferno del 2003 y Ascendancy del 2005, buenos discos cargados de heavy metal, siempre con el toque preciso de melodia hardcore. (Como comentario aparte, siento mucho lo que le sucedio a Trivium en un cercano concierto teloneando a Iron Maiden, en los cuales les gritaban como falsos exponentes del heavy metal, llenandolos de latas, botellas y escupitajos!!; no es necesario demostrar asi tu desagrado!!!)

Por ultimo, y no en un lugar menos destacable, nombrar a Mastodon, banda ya mas cargado al metal mas puro, mas oscuro, sin tantos tintes hardcore ni melodicos, pero si con mucho poder en la bateria, en su voz cruda y grandes riffs que dan cuerpo a veloces canciones cargadas de emocion. Podria asimilar esta banda, y ellos mismos han dado luces de ello, con toques a los Slayer, la banda de nuestro querido compatriota Tom Araya, y grandes comienzos a lo Sepultura, epoca Max Cavalera.

Tambien podriamos buscarle similitudes progresivas tal vez a Rush o atisbos setenteros a Black Sabbath, mas se asimila a estas bandas claves del Heavy y Trash Metal, cultivando un sonido mas oscuro o "black".

Si bien esta banda, Mastodon, a tenido sus altos y bajos, su ultima obra, llamada Blood Mountain, contiene grandes temas, y tambien buena compañia, como Josh Homme de QOTSA y a Cedric de The Mars Volta, ex-At The Drive In. Especial disco para disfrutar de metal actual.

Obviamente, con la exposicion de estas bandas, no busco mostrarles que son superiores a los antiguos exponentes, sino que al contrario, son fieles reflejos de bandas que vivieron su esplendor musical en la epoca de los 80's y que aun siguen sonando, con gran creatividad algunos, con gran pesar otros, pero que nos quedan en la retina, dejando su huella en estas jovenes bandas que buscan expresarse a traves del canal del crudo rockanrol.

Nos vemos luego!!

Bad Religion - Recipe For Hate (1993)

2006-05-20T17:55:00.000-04:00

Simplemente un buen disco. Tal vez no llegue a la calidad que nos entregaron con Generator, pero es indiscutible que siguen con esas letras afiladas y directas, tal vez aun mejor producidas y contextualizadas que antes. Si bien para la mayoria de los fans de Bad Religion, este es un disco mas comercial y masivo, por eso la estructura de sus canciones, pero encuentro que eso es casi ofensivo.

Situandonos en la fecha del disco, 1993, estaban en auge las bandas de rock alternativo,
y esto inspira a la banda a crear un disco mas versatil, variado, no quedandose solo en la velocidad de sus instrumentos y del ritmo hardcore punk que los caracteriza, sino que tomando elementos, tanto vocal como instrumentalmente de la musica alternativa que reinaba en ese momento.

Para los ortodoxos seguidores esto es casi una herejia, pero si se analiza en el opuesto,
esta es la fiel demostracion de la enorme creatividad de Brett Gurewitz y Greg Graffin, y de la idealizacion de un disco para nada simple, que en su complejidad abarca desde pausados temas, profundas letras, hasta el caracteristico estribillo armonico coreado por todos.

El nivel contestatario e inteligente de las liricas vuelve a sorprendernos, encontrandonos
frente al sarcasmo de American Jesus, que nos demuestran que todavia pueden ser hirientes y educadores a la vez;o en Struck a Nerve, en el que nos dicen que si es que realmente existe un proposito en la vida, sigue oculto, y que es imposible justificar la vida. Cada una de las canciones de este disco contiene su propio mensaje, cual mas cual menos importante o valorado por cada uno de sus oyentes, pero sin duda alguna no entregado ignorantemente a la masa contemplativa que espera ser alimentado con ansias de un mensaje que justifique su existencia.

Por otra parte, un argumento mas para catalogar esta grabacion como algo especial, son
sus cooperaciones. Eddie Vedder participa en American Jesus (algo trillada pero sin duda
uno de los mejores temas de Bad Religion) y en Watch It Die, ambas canciones dentro de las mejores del tracklist; tambien la participacion de Johnette Napolitano, la vocal de Concrete Blonde y de los miembros de Claw Hammer, banda de Hard Rock Punk.

14 Tracks de pura potencia y variedad, entretenidos y a su vez complejos; tambien interesantes y pensantes. Cada uno podra tener sus canciones preferidas, pero si te gusta la banda y su estilo sin duda alguna de estas melodias sonara por tu cabeza

Si bien la banda siempre a seguido una linea mas bien pareja en cuanto a sonido, algunos discos mejores que otros, este disco esta compuesto de grandes canciones, bien elavoradas, distintas, que mantienen el sello caracteristico, pero que nos dan otra perspectiva de lo que puede crear una banda eminentemente pero no unicamente punk. Y mas aun, que el punk no es solo la musica, sino que el mensaje y la actitud.

"I know why you tore it down that day,
you thought, that if you got caught
we'd all go away,
like a spoiled little baby
who can't come out and play,
you had your revenge"

Skycraper - Bad Religion

Tres divagaciones sobre apreciación musical.

2006-05-12T23:08:00.000-04:00

Consenso.

Es imposible, o al menos muy difícil, el hacer una distinción entre la música “seria” -que realmente vale la pena y tiene trascendencia-, de la música desechable y pasajera. Esto ya sea yendo canción por canción, grupo por grupo, interprete por interprete, o mas ampliamente, tendencia por tendencia. Crear una clasificación de este tipo equivaldría a pasar por encima de las apreciaciones personales de cada uno, y por tanto -como toda imposición subjetiva- no tendría valor alguno. Lo que si puede haber, y de hecho hay, es un consenso general del valor o aporte de cierto tipo de música. Así pasa por ejemplo con la música clásica y sus grandes compositores; que aunque no se tenga una predilección por esa música no se puede negar su aporte y contenido. Volviendo a la música moderna o contemporánea se vuelve más complicado. Jamás va a haber acuerdo en que música es la realmente rescatable. Todos los géneros musicales tienen su público y es totalmente comprensible. Nadie se cuestiona la música que le gusta, ya que al parecer, es algo inconsciente.

Gustos.

Para determinar que música te gusta elimina la que te gusta “para ciertas circunstancias” y no más allá de esas, como serían por ejemplo la cumbia y el reggaeton para una fiesta, y quédate con la que te gusta para escuchar en una situación completamente normal, ósea, la que escuchas por tu cuenta y por agrado. Este ejemplo no quita, y de hecho sucede así, que alguien pueda escuchar esos tipos de música por puro gusto… y en fin, ¿por qué no? El asunto es que elimines toda la música que para ti sea circunstancial y te quedes con la que para ti tiene un valor permanente, que si bien no escucharías en una fiesta (o al menos, no necesariamente), irías a un concierto del grupo o solista que la toca (o canta, o interpreta, etc.), o te comprarías el disco. Ahora, para el caso que te guste una canción en especial -por que nadie esta obligado a que le guste un grupo y todo lo que hace- haz la distinción entre la canción que te gustó y se te quedo pegada y luego dejaste botada, de la que sigues valorando y apreciando aunque pase el tiempo. Por último, y quizás exagerando; si quieres determinar que música es la que realmente te gusta, piensa: si un día en el futuro quieres influenciar con tus gustos musicales a tus hijos, ¿qué les pasarías?

Texturas.

Sin entrar en calificaciones de “mejor o peor que”, hay que admitir que hay música más compleja que otra, que no es accesible o digerible para el que no ha entrenado o desarrollado lo suficiente su oído. Esta música tiende a pasar más desapercibida justamente por esto. El que sea más compleja no la hace viable en términos comerciales, y por tanto el interés en su difusión es notablemente menor. Aquí entramos en lo que se llama burdamente música alternativa, justamente por que es “una alternativa a lo masivo”. Eso sí, no hay que ser completamente tajantes en esto. Hay música realmente excelente que es masiva y tiene una difusión tremenda, y música que realmente no se difunde masivamente por que realmente no tiene mayor merito. El asunto es que mucha música que realmente vale la pena se difunde mucho menos que música más liviana, envasada, y de rápido consumo (si lo vemos comparativamente), y por tanto los que llegan a ella es por que han dedicado más tiempo en escuchar y buscar música: Los que hacen de la música una afición y una necesidad.

Quién realmente aprecia la música no discrimina entre estilos o artistas, simplemente se queda con el sonido.

-- -- --

Santana - Abraxas (1970)

2006-05-07T18:45:00.000-04:00

"Abraxas" comienza impactando desde su nombre. Es el nombre con que sectas gnosticas denominaban a su dios o deidad, en la antigua Alejandria. Para otros era un demonio, y sigue siendo objeto de culto en todo lo que es el estudio del Ocultismo.

Ya conociendo de esto, de inmediato podemos darnos cuenta de que no nos encontramos frente a algo comun y silvestre, sino que a algo mas complejo en cuanto a su composicion, ejecucion y tematica.

Situandonos temporalmente, la grabacion fue efectuada en 1970, posterior a la presentacion y dada a conocer de la banda de Carlos Santana. Es el segundo disco de la agrupacion, y es este el que realmente define y se convierte en el paradigma de lo que conocemos por "Rock Latino". De esto podras darte cuenta cuando lo oigas.

En plena revolucion de las flores, llega esta mezcla de musica latina y musica norteamericana e inglesa como el rock y el blues, con una cuota de folcklor originario de esta complementacion mestiza que nos inspira Santana.

Para introducirnos de lleno a la valoracion subjetiva que mi criterio efectua de esta magna revelacion, solo dos palabrar pueden describirlo: misterio y psicodelia.

Comenzamos con "Singing Winds, Crying Beasts" cancion que inaugura esta obra. "Vientos cantantes, Bestias lloronas" cancion instrumental, que realmente evoca a vientos cantando, a traves del sonido de campanillas, congas y timbales, un piano digno de operas de jazz-rock que da toques a la cancion,luego cambiado por el swing del hammond, y todo esto acompañado ( o mejor dicho "acompañando") junto a las eventuales interrupciones de la "bestia llorona", los quejidos de la guitarra de Carlos Santana, realizado a traves de agudas estocadas y exquisitos delays, lo que personalmente me transporta a parajes rocosos, llenos de eco,
por cuyos acantilados silba el viento como si entonara un himno, y las bestias ocultas de lamentaran de su tormento o comunicasen al mundo de su existencia.

Unidas por un nexo musical continuo, viene "Black Magic Woman - Gypsy Queen", cancion original de Peter Green de Fleetwood Mac, pero magistralmente perfeccionada por la banda. Podria considerarse como un clasico, que realmente lo es a mi parecer, y mas aun,
contiene todos los elementos que podrian definir a Santana & Co. en su estilo e interpretacion.
Una cancion ritmicamente bailable, percusion por doquier, platillos, una guitarra que demuestra
el virtuosismo de su ejecutante, y el teclado como fiel chaperon de la obra. La entonacion vocal
de la cancion inspira a esta como si fuera tocada por una orquesta de salon, con su crooner por delante, con una voz envolvente e incitante. "Oye Como Va" una version mejorada del percusionista Tito Puente. Apoyada "cordialmente" por la guitarra del maestro, no merece mayor comentario, mas alla de que demuestra que no por ser un disco escencialmente de rock, no pueden existir raices africanas y latinas, incluso poder bailar en una fiesta estos sones. imaginen lo que debe haber causado esta melodia en las fiestas retro de los 70's, entre The Who y Jefferson Airplane. Notable.

"Incident At Neshabur" cambia por un momento el enfoque del disco. Toques indudables de latin jazz y fusion, demostrandonos las influencias por ejemplo de miles davis y john coltrane en la musica de Santana, con un comienzo veloz acompañado de piano, sonidos de teclado y guitarra poderosa; mucha percusion que decanta en una parte armoniosa y leve, acompañada de una guitarra suave pero elaborada, para luego en compañia de un piano y la percusion vuelve, en toque jazz de salon, a crecer la melodia, siempre aparejado de una guitarra en movimiento,
para terminar placidamente con tonos bajos y platillos.

Cambiando radicalmente de tendencia, pero no por eso descontextualizada "Se A Cabo" es simplemente, bateria, congas, timbales, hammond y guitarra (sin mencionar a las maracas). Ritmo reiterado del bajo, que le da conexion a la melodia. Todos repitiendo al unisono, "se a cabo".

Luego llegamos a "Mother's Daughter"; pura psicodelia sesentera, rock del bueno, una voz mas cargada al blues-rock, dejando un poco de lado la faz afro-latina de los ritmos, mas nunca desapareciendo. Un tema donde se ve la union y complemento de la antiguamente llamada "Santana Blues Band", sin ser Carlos el que prima por sobre los demas, como si sucede en "Samba Para Ti". Algunos toques que nos puede hacer recordar a Deep Purple, sin duda por la notable ejecucion del teclado de Gregg Rolie quien tambien cumple el papel vocal en la banda.

"Samba Para Ti". Rozando la perfeccion. Es asi como la mayoria de sus auditores la han caracterizado, comentario dentro del cual me incluyo. La altura musical alcanzada por Santana en este tema es indudablemente desorbitante. Creo que incluso se podria aislar la guitarra de la musica, y tendriamos 2 increibles obras. Una dedicada al virtuosismo de las 6 cuerdas, mostrando toda la tecnica y pasion (segun algunos lo que definiria al arte), y por otro lado una melodia latinesca de percusion y teclado, en esencia disfrutable o "lounge". Pero es la combinacion de estas dos lineas la que logra la perfeccion.

Me es dificil definir o expresarles lo que siento con ésta en particular, ya que se encuentra dentro de las canciones mas exitantes que conosco. De ritmos calidos, cuasi eroticos, incluso romanticos, en los que se podria encontrar al
ejecutante "haciendo el amor" con la guitarra; convirtiendose en uno y buscando expresar todo el sentimentalismo que la musica puede representar.

Lejos la cancion mas sensual que conosco, y disfruto de igual manera, situandome mentalmente en una pista de baile solo con mi pareja, luz tenue, colores, y la banda interpretando este "himno" de los amantes.

A continuacion viene "Hope You're Feeling Better" siguiendo la tonica de "Mother's Daughter" en cuanto a sus caracteristicas musicales. Una cancion que podria perfectamente haberla tocado Jimi Hendrix, en su disco "Are You Experienced?" (pronto una reseña sobre el). Sigue la pauta del rock psicodelico de la epoca, manteniendo un ritmo caido al blues, acompañado por el teclado permanentemente, pero practicamente ausente de las percusiones bailables. Sin embargo, una cancion entretenida, que a momentos se aceleracausando una sensacion de haber llegado al climax de la melodia, para luego disminuir su ritmo y permanecer quieto.

El disco original concluye con este son, "El Nicoya". Sin lugar a duda, junto con "Oye como Va", las tonadas bailables del disco. Agil, coreada por todos, mostrando las influencias isleñas caribeñas de la banda, con atisbos africanos. Un track en el cual Santana no participa directamente con su guitarra, pero que si le da "sabor" al disco.

La edicion remasterizada contiene bonus tracks de las canciones "Se A Cabo" y "Black Magic Woman", ambas en vivo, y tambien una version de la cancion perteneciente al posterior disco Santana 3 de 1971 "Toussaint L'Overture", las tres ejecutadas en el Royal Albert Hall el 18 de Abril de 1970.

Con todo esto, nos enfrentamos a un disco sincero, demostrativo de la psicodelia mestiza, la incorporacion cultural a traves de la musica, mas aun situado en la realidad juvenil de comienzo de los años 70's.

Un proyecto lleno de mistero y magia, virtud y baile, de tranquila locura y nostalgica felicidad, constituyendo asi un "oximoron" de sensaciones (si esque pudiese llamarsele asi).

"I got a black magic woman
Got me so blind I can't see
That she's a black magic woman
She's tryin' to make a devil out of me"

Santana - Black Magic Woman

20 historias de amor (contadas con música)

2006-04-13T18:33:00.000-04:00

Por que los músicos también son hombres, y por que el arte es un reflejo de la vida, hoy tenemos el gusto de presentarles 20 historias de amor (contadas con música) sobre maravilloso romance, maldita obsesión e incontrolable amargura.

Ojo que no es un ranking ni nada, solo un listado de buenas canciones sobre el tema.

Maravilloso romance (o pelando cebollas).

Canciones francamente románticas. Tipos sumergidos a más no poder en un mar de sentimentalismo “positivo”. Están francamente volando por esa mina especial, y logran transmitirlo:

1) A groovy kind of love: Definitivamente una tremenda canción. Tenemos a un Phil Collins vocalizando desde su interior. “Cuando me siento triste, todo lo que debo hacer/ es darte una mirada, y ya no lo estoy tanto”, y así continúa profundizando corazón en mano. Es un cover, pero la logra hacer propia.

2) Milagro: Les guste o no Lucybell, es indiscutible creo yo que está canción es ya un clásico del género. Lucybell pela cebolla en un alto porcentaje de sus canciones, pero quedémonos con esta. Le siguió de cerca para ocupar este lugar “Cuando respiro en tu boca”.

3) The Fragile: Por que los músicos más alternos también se enamoran, aquí tenemos una tremenda balada industrial (por decir algo) de Nine Inch Nails. Reznor fantasea e idealiza, en una canción extrañísima, muy innovadora y con una genial letra.

4) Love is on the way: De Saigon Kick... ni idea que más tocan, pero esta es una tremenda balada. Con solo arpegios (y un interesante solo) logran una gran balada en su sentido más convencional: melodía suave, letra melosa. Es un clásico, de un grupo que… ni idea que más hacen.

5) She: Una tremenda ensoñación romántica en la voz de Elvis Costello. Una mujer en el centro de tus pensamientos, justificando tu existencia. “She/ May be the reason I survive/ The why and wherefore I’m alive”. No hace falta decir más. Imprescindible en este listado.

6) Rx Queen: Esta canción pertenece al etéreo disco de deftones, White Pony. Una narcotizada declaración de amor que combina los ritmos del trip-hop con pesados acordes neo-metalescos. Especial mención para Knife party del mismo disco, la irreal historia de un romance drogado y suicida.

7) Un amor violento: Una genial declaración de amor creada por Los Tres. Imprescindible.

Maldita obsesión.

Aquí el asunto se pone más interesante. Mientras más disconformidad y turbación haya en el artista mas fuerza hay en el resultado. Si antes teníamos melodías lentas, y melosas ahora tenemos más potencia y distorsión.

8) Wicked Game: No me refiero a la versión original de Chris Isaac, me quedo definitivamente con el cover de HIM. Este cover le agrega toda la fuerza que exige la letra. Mientras Chris arrastra la voz y casi gime contando su drama acompañado por una ambiental strat, HIM agarra los amplificadores y se toma la canción como propia, como para olvidarse de la original.

9) The End of This Chapter: Parte de la trilogía psicopático – romántica de Sonata Arctica, compuesta (en este orden) por Last drop falls, la canción en comento, y Don’t say a word. Estas tres canciones cuentan en primera persona la historia de un tipo obsesionado a un nivel enfermo. La canción es muy lírica al igual que los otros dos “episodios”, realmente una historia de amor desesperado. Muy buena musicalmente, con toda la complejidad sónica de Sonata y una interesante letra. Fuera de las canciones que ya mencione, no puedo dejar de nombrar “Tallulah”. Muy amarga y conmovedora, vale la pena darle una escuchada.

10) Stricken: Del último disco de Disturbed, una canción realmente genial, con mucho gancho. Va en una línea bien hard rock, guitarras pesadas y un tremendo solo, realmente notable. Bueno, volviendo al tema, la letra es el sentir de un sujeto realmente amargado. La mina lo trata como quiere y lo tiene para cuando se le antoja, y a pesar de esto no puede apartarse de ella. La solución final, como sugiere la canción es suicidarse. Peor no se puede estar. Muy buena canción.

11) Vermilion Pt. 1 y 2: Dos grandes joyas del disco Subliminal Verses de Slipknot. Es una “misma historia”, tomada desde dos perspectivas muy opuestas. Un tipo obsesionado habla del objeto de su obsesión. En Vermilion pt.1 vemos la faceta desquiciada. La música guía “la trama” en forma perfecta. Cada uno de los dementes enmascarados se aplica al máximo para lograr este potente e inquietante track. Se luce además Mick Thompson con un enfermo solo de guitarra. En Vermilion pt.2 en cambio nos topamos con una genial, magnifica, tremenda, balada acústica de Slipknot, que contrasta notablemente con su “primera parte”. Es la tristeza hecha canción en forma conmovedora. Si no te gusta Slipknot, intenta escuchando este track.

12) Layla: ¿Qué cosa buena puede surgir de enamorarte hasta la medula de la esposa de tu mejor amigo? Si eres Eric Clapton, esta tremenda canción. Una declaración desesperada, de rodillas, y temblando. Del tiempo de Derek and the dominoes, la consecuencia de enamorarse de la mujer de George Harrison. Tremenda.

13) Magdalena: Fascinación perdida es lo que encontramos en esta tremenda pieza de rock de A Perfect Circle. “I'd sell my soul/ my self esteem/ a dollar at a time/ for one chance/ one kiss, one taste of you/ my magdalena”. Totalmente recomendable. Un sonido único.

La incontrolable amargura.

La tristeza y la melancolía se apoderan de tus parlantes y audífonos. La especial visión de la música sobre el abandono, la soledad y la desilusión.

14) Black: Una obra maestra de Pearl Jam. Un clásico de los 90, perfecto en todo sentido. Una canción realmente bella, que habla de la soledad, la confusión y la amargura que resultan de un quiebre. “All the love gone bad turned my world to black”. Mención especial para “Better Man” y “Last kiss”

15) You’ve got to hide your love away: Una sencilla pero efectiva creación de los Beatles, con John Lennon a la voz. Un tipo pateado y deprimido, al que todos le aconsejan dejar de mostrar lo que siente.

16) Don’t leave me now: Pink Floyd, “The Wall”. El momento más triste y desesperado del enajenado Pink. Está perdiendo a su mujer en el momento de mayor necesidad de afecto. Una canción realmente melancólica.

17) Since I’ve been loving you: Se peleó este lugar fuertemente con la genial “Dazed and Confused”. Cuando se trata de Led Zeppelin elegir una canción por sobre otra es un poco más que complicado. Y bueno, ¿es un rock bluseado, o un blues rockeado? Da igual, es una canción tremenda, llena de fuerza y nostalgia. Un “lento” que marco época.

18) Best of you: No podía dejar fuera este tema. Dave Grohl desde el fondo del abismo emocional declarando sus principios y exigiendo explicaciones. Derechamente confrontando la desilusión y enfrentándose al abandono. Gran tema de Foo Fighters, contrastémoslo con Everlong y tenemos los dos extremos del romance.

19) The end of heartache: Potentísima canción de Killswitch Engage del disco del mismo nombre. En esta escuchamos sobre la perdida del amor y la esperanza de algún día recuperarlo en la brutal vocalización de Howard Jones, que se abre paso entre pesados riffs de guitarra y una implacable batería. Como dice el titulo, “terminar con el dolor del corazón”.

20) Far behind: Candlebox con su más memorable canción, ya todo un clásico. Notable letra, sobre el daño, el abandono y el arrepentimiento, notable música, y un espectacular solo de guitarra. Una gran canción.

--
hasta el prox post

The Mars Volta - De - Loused In the Comatorium

2006-04-12T23:11:00.000-04:00

Me perdí. Simplemente no pude continuar. Ni yo me entendía. Comencé escribiendo este artículo tratando solamente de sentir, y se me fue de las manos. Ahora voy a sentir y expresar. Porque que mejor forma de demostrar que siento si no es expresándolo.

Necesito estar en silencio. Interno y externo. Tranquilidad. Todo esto tiene un por qué. De-loused in the Comatorium tienes todo lo contrario.

No puedo escucharlo ni analizarlo si no estoy en silencio, en paz, atento, conciente. Esta obra es la antitesis de mi estado: Ruidosa, Atemporal, Agresiva, Caótica, Psicodélica, Inconciente…pero Armónica y Hermosa.

De-loused es la fiel representación de lo que sus creadores son; elementos de distintas nacionalidades, culturas, estilos, gustos.

Esta obra nace con la idea de homenajear a un artista amigo de la banda, con el cual existía una real afinidad, incluso al nivel de compartir la locura del arte ya fuera manifestado en la pintura o en la música. Podríamos decir que por esto es una obra conceptual. Pero a mi entender no es igual que grandes obras conceptuales como Tommy de The Who o The Wall de Pink Floyd, cuales tenían temáticas consistentes (en ningún momento busco desvalorarlas) y música increíble, sino que la idea de “concepto” acá deriva del mestizaje musical e irrealidad de los contenidos de cada una de las melodías.

Lo que se me viene a la mente al interpretar esta obra, es el concepto de “sinergia”:

El todo es más que la suma de sus partes (o algo por el estilo)

Esto, ya que claro, es un disco que tiene 10 tracks, diez canciones distintas, que las puedes escuchar por separado. Y son geniales. Algunas tienen la esencia del rock potente traído de las raíces de At The Drive In y otras baladas cimentadas solo en sonidos electrónicos. Pero no hay mejor resultado que escucharla en bloque. El todo. No es que cada melodía quede abandonada o pobre si se le separa de su antecesora y sucesora, pero no es lo mismo. Simplemente no es lo mismo.

Al escuchar esta creación, de manera continúa y completa, te puedes percatar de la unión de sonidos, la base permanente, la real “conceptualidad”, el maridaje de ritmos. Ritmos que vienen del rock clásico: Pink Floyd, Led Zeppelín, el estilo latino de Santana, los bits electrónicos de la modernidad, ruido alternativo a lo Pixies y Sonic Youth, etc. Un disco que contempla no solo un estilo indeterminado de hacer música, que no se apega a la moderación, ni a lo común, lo comercial, lo “pop”, sino que a su vez es sincero, apasionado y valiente, al atreverse en ocupar todas sus influencias y no parecerse a nada conocido. Hacer música solo por amor a ella.

Esto se puede deber a la genialidad de los integrantes de The Mars Volta, a la tradición musical de sus raíces, al momento en que llegaron, o simplemente a una bendición divina, que nos presenta este drama no solo como una obra sonora que empapa tus sentidos, sino que viene repleto de imágenes, colores, criaturas, escenarios distintos; te inspira un mundo distinto minuto a minuto avanza hacia el final, o el principio de algo mas allá.

No es necesario especificar cada una de las canciones de este LP, ya que creo que con la interpretación dada, dará pie para que todos quieran buscar y saciar la curiosidad que les pudo provocar este ente más ficticio que real. Igual, así como consejo particular, escuchen Rulette Dares, Drunkship of Lanterns y Cicatriz Esp, primero por separado y después en conjunto, para luego comentar que les inspira cada una de ellas. (No les haría mal tampoco tener las letras mientras avanza el track)

Creo que este anfiteatro virtual de música, colores, imágenes y emociones creado por The Mars Volta, no debe pasar desapercibido entre amantes de la musica. Aun así, cuando no sea tu estilo, dale una escuchadita. No te vas a arrepentir.

"No
Nobody is heard
Rowing sheep smiles for the dead
Nobody is heard"

Drunkship Of Lanterns

Finito

En el Ocio Musical

2006-04-12T19:29:00.000-04:00

Para variar me encuentro frente a la pantalla del computador, con MSN conectado, dándole jugo a alguien, y por supuesto el infaltable Winamp con continuas vueltas a los mp3 de la lista. Ese fue el problema de hoy día, y creo que puede ser la crisis de cualquier melómano:

“No se que escuchar”

Habiendo toneladas de discos en el mundo, los perlas no saben que escuchar (digo “los” para no sentirme el único inútil que piensa en estas cosas todo el día). Claro que no todos esos discos son buenos, hay algunos que dan vergüenza, otros que dan risa, otros para el dancing, unos para el momento romántico con la dama (en otro momento se podrá hablar de eso), etc.

Bueno, volviendo al tema, me puse a buscar dentro del repertorio hurtado de Emule, que era lo adecuado para una tarde de día miércoles, y descubrí que aunque hay momentos para cada música, tu haces el momento y que este sea especial, así que me dije a mi mismo “¡¡que diablos!!” y le di no mas al repertorio de Rock Varios. Ahí me encontré con varias grabaciones musicales de mi real agrado, y que las tenía abandonadas; a su vez, con tracks nuevos, de recientes adquisiciones virtuales. E aquí mis recomendaciones para los perdidos en el universo melódico:

- Bob Dylan – The Freewheelin’ Bob Dylan: Un sujeto que dice lo que siente en sus canciones, un poeta, icono de su época, dios del folk-rock; acá pueden escuchar himnos como Blowin’ in the Wind. Música para escuchar en cualquier momento, junto a su buena lectura, su siesta, en el periodo del estudio, o simplemente sentar a disfrutarlo. Enjoy.
- The Rolling Stones – Sticky Fingers: A mi parecer uno de los mejores discos de los ingleses, con su tradicional estilo hard rock blues y experimentaciones. Disco que tiene clásicos como Brown Sugar o la balada Wild Horses. Muestra mucho la influencia del blues delta norteamericano. Para momentos de extrema alegría, y para llorar con nostalgia.
- John Lee Hooker – Endless Boggie: Extraído directamente de la ciénaga de Mississippi, esta leyenda musical nos entrega lo mejor del blues, con canciones como Standin At The Crossroads, que te llegan a la medula. Para momentos inspirados.
- Lynyrd Skynyrd - Pronunced 'leh-'nérd 'skin-'nérd: Grabación de la banda norteamericana, dueña del llamado “rock sureño”, una mezcla de rock, blues y country, que nos entrega baladas como Simple Man y Tuesday’s Gone. Mucha atención con el solo a 3 guitarras de la canción Free Bird.
- Eric Clapton Unplugged: El genio de Cream nos da en esta cinta acústica, acompañado de grandes músicos, una muestra de sus éxitos, incluyendo la versión acústica de Layla, canción originalmente grabada con Derek And The Dominoes, la conocida Tears In Heaven… y mucho mas. Blues y guitarras por doquier.

Aunque las recomendaciones son bastante personales, y bien cargadas al blues rock como pueden ver, vale la pena echarle algún vistazo a estos discos, clásicos de su época, dignos de ser escuchados y vueltos a oír, en cualquier momento, independiente como te sientas (de igual manera Tears In Heaven te sacara alguna lagrima). Tal vez no doy en el clavo con el gusto de la masa, pero creo que darse una oportunidad ustedes mismos de vivir esas melodías, no les vendría nada de mal.

Me reservo otro repertorio para otro momento, para no hostigarlos con mi propia adicción.

“How many roads must a man walk down
Before you call him a man?”

Bob Dylan – “Blowin In The Wind”

Maktub

Motivación

2006-04-03T18:44:00.000-04:00

Voy a ponerme el parche antes de la herida, por que sé que aquí no vas a leer nada nuevo. Espero en todo caso no caer en el cliché, o al menos, caer siendo original. ¿Por qué tan fatalista? Por que hoy le busco una motivación al rock, a La Música.

Bueno, y ¿por que es como es?, ¿podemos acaso identificar una motivación inicial de donde sale esta idea de rasgar fuerte y rápido una guitarra eléctrica y acelerar las melodías en general… de darle fuerza a la música?

Esta duda me volvió a la mente luego de ver la tremenda película (sin contar el meloso final) Escuela del Rock, donde en una escena el supuesto profe les cuenta a sus alumnos de que se trata finalmente este estilo: “stick it to the man”. Esta expresión gringa puede traducirse, aunque más que traducirse interpretarse como “joderse a la autoridad”, al sistema o lo moral y socialmente correcto: ser un rebelde con estilo. Y claro, en el momento mismo me pareció que tenía, sino toda, bastante razón pero, no es así. Si admitiéramos esa como “la” motivación nos estaríamos cerrando demasiado, y es que es indudable que la rebeldía es sola una de las esquinas. Para probar esto basta con pensar en “Simple man” de Lynyrd Skynryrd (temazo que vio la luz el año 73, cuando aquí estábamos en otra) o volviendo más a las raíces en “Johnny B Good” de Chuck Berry. En este par de ejemplos no hay ni un atisbo de rebeldía, y basta con leer las letras de una y otra.

Bueno, esta confusión del rock con rebeldía es totalmente comprensible. Los ídolos del género se han caracterizado por ser rupturistas, y el rock siempre dependerá de la potencia de tus amplificadores y parlantes. Pete Townshend, el guitarrista y líder de los Who convirtió en una institución despedazar gibsons sg sobre el escenario, y aclaró en una entrevista apropósito del porque del “excesivo volumen” de sus composiciones que “si la gente no quiere escucharte tienes que obligarlos”. Pura rebeldía.

Bueno, y si bien ejemplos como el citado hay para llenar páginas y páginas ya puedes estar cayendo en cuenta de la confusión que se crea al tratar de buscarle una motivación a la música viendo el comportamiento del intérprete. Los mismos Who podían estar tocando su canción más lírica, hablando del niño sordo, tonto y ciego que jugaba pinball y terminar destrozando el escenario. No es un buen parámetro entonces examinar al artista y su obra en conjunto, aunque si sirve a modo guía (después de todo, quién se queda solo con la música y sin apreciar a los maestros que la crean). El rockero siempre va a tener algo de contestatario, excéntrico, y claro, rebelde, pero su música no tiene por que serlo. La excentricidad del artista, creo yo, va más que nada por el nivel de exposición pública y poder que ganan desde su sitial de estrellas. Esto se refleja en una de las obras más famosas del rock conceptual, “The Wall”, donde Roger Waters nos pasea por su mundo de fama alienante.

Descarto de plano que el rock sea una simple consecuencia de la aparición de los instrumentos eléctricos y la amplificación en general, aunque si soy un convencido de que Mozart con nuestros recursos musicales actuales hubiese sido un rockero. Espero que en esto estemos de acuerdo. No quiero decir con esto que la tecnología no tenga nada que ver ¿que sería del rock sin la guitarra eléctrica? Solo digo que fueron el medio para expresar un sentimiento. Después de todo, el rock es eso.

continuará...

Led Zeppelin – Untitled 4 (1971)

2006-03-28T21:26:00.000-04:00

Digamos que te gusta el rock. Lo puedes escuchar, lo puedes disfrutar, lo puedes sentir, pero no lo puedes describir. Buscas una forma de mostrarle a los demás cual es tu sensación al escuchar rock n roll. Tratas de encontrar en todo tu repertorio algo que destaque la esencia de lo que quieres, de lo que amas, de lo que deseas. Y llegas a Led Zeppelín.

(Si, puede que sea un articulo un poco auto referente, pero que mejor manera de mostrarles esta joyita musical que desde la perspectiva de un fanático.)

Ahora, que encuentras cuando juntas a 4 extraordinarios músicos, un extrovertido y a la vez profundo vocal, un poeta para sus seguidores, un virtuoso guitarrista capaz de crear operas divinas con un par de cuerdas y líder artístico de la banda, un introvertido pero creativo músico encargado de las profundas bases y ambientaciones de cada uno de los himnos, en poder de su bajo y por ultimo pero no menos importante, el rey de la percusión en el hard rock, sino el baterista mas importante de todos los tiempos, “el poder detrás de la magia” (Q.E.P.D); encuentras una increíble banda capaz de llevarte desde lo mas simple del blues y el folk-rock, hasta entregarte himnos angelicales fundados en la poesía, sicodélica y hard rock.

Y que mejor ejemplo de todo esto con el disco de hard rock mas vendido en los Estados Unidos (siendo una banda oriunda de Londres, Inglaterra). No es que haya sido vendido solo por ser un grupo integrado en el mainstream de los 70’s, que había demostrado con sus 3 discos anteriores que eran capaz de romperte la cabeza, haciéndote creer que Dios existe y estar encarnado en estos 4 señores, sino que es lejos el disco mas coherente, complejo y variado creado por estos genios del arte.

En busca de darles mi humilde opinión del disco, y sin querer darles una interpretación creada de cada tema, hay que referirse a ciertos hitos del disco.

Comienza con “Black Dog”, canción eminentemente rockera, eléctrica, potente, idónea para inaugurar una obra como esta, con riffs intrincados en manos de Jimmy Page y una intro memorable merito de la garganta de Robert Plant. El resto de la canción habla por si sola; puro Zeppelín.

Seguimos con “Rock N Roll”, un tema adelantado para su época, con toda la potencia de la batería de Bonham (ojo con los platillos, permanentes durante toda la canción), gran preparación de riffs por parte de Page, que salen por si solos; sin duda un himno de todos los tiempos. La banda suena en una armonía perfecta, y con un fondo de piano que rememora al antiguo rockanroll de los 50’s.

Curiosamente ahora nos vamos a las bases del folk de la antigua isla, con ritmos celtas y escoceces, bajo el dominio de la mandolina de Page, y la vocalizacion poética de Plant, amante de Tolkien y de las artes mágicas británicas. Una canción con temática mitológica, digna de cuentos épicos medievales, espadas, calabozos y dragones. Formula acústica ya antes utilizada en el disco anterior, pero nunca agotada y notablemente mejorada.

Stairway to Heaven; nada mas que decir. Quien no la ha escuchado aunque sea una vez en su vida, y si no lo han hecho, se han perdido lejos la mejor balada rock que existe (si es que se le puede llamar balada). Más que una canción, una obra que tiene todo lo que se pudiese desear. El paradigma de la belleza. Una guitarra maravillosa, pausada, complicada, acompañada de una base instrumental de fondo, y dominando el escenario la voz de Robert, recitando una oda en la que nuevamente destaca su adoración por el misticismo histórico, Tolkien, y la magia. Una de esas canciones que se inicia lentamente, para posteriormente ir agarrando impulso, poco a poco, con leves arreglos, hasta la intromisión de una batería potente, y el clímax vocal, con una letra que evoca miles de sentimientos, pura poesía. Simplemente la historia de una mujer que esta comprando una escalera al cielo. El resto conclúyanlo ustedes solos.

Luego tenemos dos temas a la vieja usanza de Led; Misty Mountain Hop y Four Stick, con riffs bluseros, rockeados, inspirados en las sesiones de jam de la banda. Demostrando también el gusto por la música acústica norteamericana, nace este himno para la revolución de las flores, a lo Peter, Paul and Mary, Simon & Garfunkel y Joni Mitchell (inspirada en una canción de esta misma, llamada “California”), Going To California, balada folk única.

Por ultimo, como broche de oro, que mejor final que terminar con una versión de When

The Levee Breaks, canción blues de la década de los 20’s. Arreglos con batería, una guitarra como sacada del delta, arreglos de harmónica, y Plant haciendo lo que sabe, cantando con garra al son de los riffs de Page.

En consecuencia, un disco que nos muestra el De Adonde Venimos y el Para Donde Vamos, de la banda mas grandiosa del Hard Rock de todos los tiempos, Led Zeppelín.

En si, el disco habla por si solo, no les queda más que escucharlo.

Amén

“And as we wind on down the road
Our shadows taller than our soul.
There walks a lady we all know
Who shines white light and wants to show
How everything still turns to gold.
And if you listen very hard
The tune will come to you at last.
When all are one and one is all
To be a rock and not to roll.

And she's buying a stairway to heaven.”

by Watapike