THE DARK SIDE OF THE MOON o la noche en que el tiempo se detuvo…Pt. 1

So ya, thought ya might like to go to the show…

Estadio Nacional. Cuatro pantallas aparecían como ventanas a una reflexión personal, una concentración junto a la música y el whisky. Una mano giraba de tanto en tanto la pequeña rueda que sintonizaba a Chuck Berry, Chet Baker, Vera Lynn… hasta que 50 mil incrédulos vimos (al menos desde la cancha) la salida de Waters en las infinitas ventanas. Al principio pensé, o más bien tuve un inmediato flashback hacia la primera vez que vi el In the flesh tour en dvd. Pero no, esta vez sería distinto… Levanté la cabeza, y ahí estaba sucediendo todo, frente a nosotros… aun no ponderábamos que era el comienzo.

No sé ustedes, pero cuando has sido un fanático enfermizo de Pink Floyd por tanto tiempo, ese primer momento, cuando corren los últimos dígitos del cronómetro cerebral, cuando explota la primera nota de In the Flesh, algo sucede. Y por cierto, algo sucedió… comenzaba el concierto, y la luna (su lado claro entonces) se detuvo sobre nosotros. El tiempo había dejado de correr y todo aquello que podía haber turbado tu núcleo más sumergido se alineó.

¿Quien tuvo aliento con Mother?

Set the Controls for the Heart of the Sun…

Psicodelia en su estado más puro y natural. Syd Barret estaba entre nosotros. No en un sentido divino, pero sí caleidoscópico. Es que no puedes hacer nada más cuando tienes alrededor de tu cabeza docenas de parlantes saturando tus neuronas de estímulos tan armónicos como divergentes.
Luego vino Shine on you crazy diamond. El homenaje a la genialidad disfrazada de locura, ¿o seremos nosotros portadores de la estupidez disfrazada de inteligencia? ¡Vaya eufemismo! El himno no pudo haber estado más acorde con la ceremonia. “Brilla desquiciado diamante” le cantamos todos a Syd, al mártir que reveló el secreto muy pronto, muy antes de su tiempo y que lo llevó a cantarle a la Luna.
En nuestra enajenada tierra, nada dejó pendiente. Vayan nuestros cantos a su espíritu que preso estuvo por más de treinta años en la humana nave que dejó hace un bienio atrás.

Have a Cigar, notablemente poderosa, y Wish you were here… pff! ¿Es preciso decir algo? Wish you were here nos mando de un zapatazo en el trasero al cuarto cósmico de nuestras existencias. “Ojalá estuvieras aquí”… Ojala quién estuviera aquí?… Esta canción - a pesar del romántico sentido que pudiera tener, y que el mercado ha convertido en un himno cliché – no anhela el regreso de un amor perdido, ni es un corazón perturbado intentando volver al redil… es una llamada íntima a nosotros mismos, son cinco minutos de introspección, un diálogo sin sentido entre quien realmente somos y las máscaras adormecidas con las cuales nos conducimos entre los mortales.

Boom boom, bang bang, lie down you’re dead…

Southampton Dock, The Fletcher Memorial Home, Leaving Beirut, Perfect Sense I y II, y Sheep… prueban que la protesta puede ser llevada a cabo refinadamente.
Veamos: la pérdida en la guerra; la estúpida y patente ignorancia de la política; empatía?; simpatía?, anarquía y agonía. Todo eso, y ciertamente mucho más, nos mostró Waters. Leaving Beirut fue magistral. Una novela gráfica en el fondo nos contaba la experiencia de amabilidad y entrega de aquel cojo en el Líbano. Nosotros, gritábamos en un coro desgarrado las imprecaciones a Blair y al pelota número uno: George.
Con Perfect Sense todo quedó claro. Entonemos nuestro himno global: “Can’t you see
it all makes perfect sense?/ Expressed in dollars and cents,/ pounds, shillings and pence./
Can’t you see it all makes perfect sense?” (¿Ves?, todo tiene sentido/ expresado en dólares y centavos, / libras, chelines y peniques/ ¿Ves? Todo tiene sentido)

¿Avergonzados?

El final de la primera parte del concierto nos mató con Sheep. Nosotros, las ovejas de la canción, las ovejas de la granja de Orwell, el obediente ganado, aterrado por los perros y los cerdos.
Los cerdos, los mismos a los que imprecábamos en canciones antes.
Finalmente, vino la liberación. Y un gigante porcino de hule se fue viajando por los cielos quizás donde.

Los relojes congelados marcaban el descanso, y nosotros nos preparábamos para el encuentro en el lado oscuro de la luna.

Carlos Marin M.

Genesis: ¿Peter o Phil?

Cuando se conversa sobre Genesis pueden pasar muchas cosas: por ejemplo, que uno hable de las revelaciones del Génesis y otro hable del Genesis hacia las revelaciones, pero cuando el otro entiende que la idea es conversar sobre el grupo británico resulta muy probable que lo conozca, y como suele suceder con ese tipo de grupos, aunque no lo conozca, conoce muchas canciones de él (a mi me pasa seguido).

La banda es considerada como una banda mutante debido a que en ella se reconocen prácticamente cuatro períodos (en realidad cinco, pero el de Wilson resulta doloroso contarlo), así la formación original, Gabriel, Banks, Phillips, Rutherford, Stewart; en 1967 con algunas variaciones durante esos años, hasta que en 1970 ingresa el baterista, y la formación queda así Gabriel, Banks, Collins, Hackett, Rutherford; y, los dos últimos períodos son muy marcados, ya que se va el líder del grupo, Gabriel, y comienza a cantar Collins (aunque ya había cantado una canción en el Selling, y también realizaba coros) Collins, Banks, Hackett, Rutherford; y la ultima formación el Genesis actualmente más conocido y el actual, (de hecho, están realizando una gira por Europa en estos momentos), Collins, Banks, Rutherford. Eso con la historia de la banda.

Ahora, musicalmente se conocen dos tipos de Genesis, el de Peter Gabriel y el de Phil Collins (esto es claramente una simplificación).

El primer Genesis es considerado vanguardista, música ciento por ciento progresiva, de real calidad artística, tanto en las letras como en lo musical, y a esto se debe agregar las presentaciones en vivo, que deben existir pocas que se le hayan parecido. Gabriel era un personaje.

Una de las canciones de esta época más característica y críticamente más alabada es Supper’s Ready, canción que dura aproximadamente unos 23 minutos, dividida en siete secciones, y que se encuentra en el Foxtrot y en el Seconds Out. Este último disco es en vivo, de 1977, por lo que aquí ya canta Collins y no Gabriel.

El segundo Genesis, si bien mantuvo el estilo anterior en A Trick of the Tail, luego se fue convirtiendo en lo que es actualmente: un buen grupo Pop, el mejor. Aquí su disco más destacado es We Can't Dance, cuya canción de mayor éxito fue "I Can't Dance", parodiada por "Weird Al" Yankovic en un video.

Estos dos períodos de la banda están sumamente definidos, y así, una persona que conoce al grupo puede determinar fácilmente a cual de los dos grupos pertenece una determinada canción, y no me refiero a la voz, sino más bien al estilo, ya que muchas de las canciones de la época Gabriel son interpretadas por Collins en conciertos y en discos en vivo.

La mayoría de las personas con las que he hablado del grupo y lo conocen bajo sus dos períodos se definen partidarios o de Gabriel, o de Collins, lo que es claramente una cosa de gustos: o te gusta el rock progresivo, o el pop. Personalmente, como soy tolerante con la música, me gustan los dos períodos, es decir, escucho los dos por igual, pero prefiero el período de Collins. De todos modos, uno no podría existir sin el otro, por ello si vas a escuchar a Genesis te recomiendo que partas por el Selling England by the Pound, que es un disco realmente espectacular, luego retrocedes al Foxtrot, para cambiar al A Trick of the Tail luego el We Can't Dance, los en vivo, Seconds Out y Three Sides Live y terminas con The Lamb Lies Down on Broadway, un disco doble considerado por muchos el mejor del grupo (no por mi). Lo realmente notable de este disco es que es un Álbum conceptual doble, épico. Cuenta una historia lineal, canción por canción hasta el final: la historia de Rael. En los conciertos que hicieron tocaban el disco completo, con todas sus canciones.

Por qué prefiero la época Collins a la de Gabriel es una difícil pregunta que requiere escuchar varios discos del grupo para responderla. Mis razones serían: por que es simplemente una cuestión de gustos, como dicen: “de todo hay en la villa del Señor”, y nadie me va a venir a decir que debo escuchar. La razón de fondo es por unas comparaciones que hice, que puedes hacerlas muy fácilmente: necesitas principalmente dos canciones, "In the Cage", del The Lamb Lies Down on Broadway y del Three Sides Live, y "The Carpet Crawlers" también del Lamb, y la versión del Turn It On Again: The Hits de 1999. Esto se puede hacer con muchas canciones. En las primeras canta Peter Gabriel y en las segundas, bueno, Phil Collins.

Si bien escuchar a Gabriel es un gusto, -sobre todo su último trabajo Up, con canciones como "Signal to Noise",cantada junto a Nusrat Fateh Ali Khan-, escuchar a Collins es relajante, con canciones como "Driving The Last Spike", (la que tiene un trasfondo critico social), o "Hold on My Heart".

Para terminar, doy un consejo sumamente importante: si escuchas el Selling, o bajas algunas canciones de él, por ningún motivo escuches la canción "More Fool Me".

Peter Gabriel - In the Cage



Phil Collins - In the Cage




Emilio Kopaitic

La gracia de Buckley.

“Lots of time I feel like I don't belong to this place.”

Jeff Buckley

Creo que Jeff Buckley nunca vislumbró las implicancias premonitorias de dicha frase, aunque sí logró asentar una suerte de declaración que caracterizaría su música plagada de melancolía y de sufrimiento. Quizás ese sufrimiento que plasmó en sus letras le servía de catarsis, o como una senda para encontrar su propia felicidad, que le fue esquiva desde un momento primigenio (su padre, un talentoso músico no reconocido -Tim Buckley- murió de una sobredosis cuando Jeff tenía tan sólo 8 años).

Cómo la sangre pesa, y este caso no fue la excepción, Jeff creció en un ambiente henchido de música. Usual es encontrar entre sus influencias, grupos tales como Led Zeppelín, Bob Dylan, The Smiths, Elton John, Leonard Cohen y Robert Johnson. Así fue como de pequeño, junto a su inseparable y fiel compañera -su guitarra Fender Telecaster- comenzaría a engullir clásicas piezas musicales, y se transformaría en todo un gourmet musical. En cuanto a sus primeras incursiones como artista, no por ser hijo de Tim Buckley las cosas fueron sencillas. En un comienzo la industria musical le fue esquiva. Fue en un concierto en memoria a su padre, donde se dio a conocer realmente el poderío de un joven que en apariencia se veía endeble, pero tenía una voz sobrecogedora y extremadamente similar a la de su padre. Es así como termina contratado en 1992 por Columbia Records, la misma casa disquera que acogía a figuras de la talla de Bob Dylan, uno de sus ídolos de juventud.

Es así, como en 1994, luego de un gran esfuerzo dio a luz a “Grace”, cuyos padres productores fueron: Jeff Buckley & Andy Wallace (el mismo que trabajó con Nirvana en el álbum multi platino “Nevermind”). “Grace” contenía además 3 covers: “Liliac Wine”, basada en la versión de Nina Simone, "Corpus Christi Carol", una composición de Benjamín Britt basada en un himno del siglo XV, y finalmente “Hallelujah” de Leonard Cohen, en mi opinión, una de sus mejores y más sentidas interpretaciones.

Se lanza a gira con su grupo, y en el "Peyote Radio Theatre Tour" tenía asistentes y fans tan ilustres como Chris Cornell (en ese tiempo, cantante de “Soundgarden”) y The Edge (guitarra de U2).

Jeff logró abrirse paso promisoriamente en un mercado difícil, en el que primaba un género - El Grunge- y logró saltar las vallas y establecer un sonido único y una voz privilegiada. Es así, como entre sus fans se encuentran: uno de sus ídolos de infancia, Jimmy Page, quien señalo que “Grace” de Jeff estaba cerca de ser su álbum favorito de la década; Robert Plant también dio elogios a la obra de Jeff; Bob Dylan dijo que Jeff era uno de los grandes compositores de la década del 90; Lou Reed manifestó serio interés de trabajar con él, luego de haberlo visto en vivo; y los fans siguen, con figuras como Paul McCartney, Thom Yorke, Chris Cornell, Neil Peart, U2 y Elton John.

Sus letras a menudo hablaban de un dolor insanable. Sufría -según confesó a sus seres queridos la noche antes de morir- de desorden bipolar. Su voz estaba impregnada de desconsuelo y tristeza, y sus letras lo manifestaban (“Forget Her” y “Last Goodbye”, entre otras). Quizás sea pertinente citar a Dostoievski quien solía decir “El hombre debe ganar su felicidad mediante el sufrimiento, es la ley de la tierra”.

Un ominoso día de mayo de 1997, a la edad de 30 años, Jeff sufre un accidente (aparentemente se ahoga en la afluente del río Mississippi) y se apaga su vida. Quizás, finalmente encontró esa reconciliación espiritual que buscaba, quizás su padre lo estaba llamando.

Abajo pueden ver Hallelujah en vivo. Muy recomendado.

Colaboración especial de Pepe Grillo. http://supermacanudo.blogspot.com

Un año de pateandola.

Se acaba de cumplir un año de pateandola. Un año de reseñas, comentarios y anécdotas y estamos contentos. Contentos y satisfechos, y claro, esperando hacer más y expandirnos un poco. Es verdad que fue un año bastante irregular, contando meses de silencio y otros “problemas”, pero creo que lo hicimos bien, y logramos nuestro objetivo de simplemente hablar de música y lo relativo a ella, compartiendo con quienes nos leen datos e ideas, y claro, dándonos un gusto.

Agradecemos los comentarios y discusiones sobre los artículos que nos hacen en persona y en msn (los que nos conocen, claro) y también las ideas y los “deberíai escribir de…”, aunque no nos quejaríamos si alguna vez también lo hicieran en el mismo blog, para variar un poco.

Y bueno, para celebrar este primer año tenemos colaboraciones especiales. Dos amigos que nos aportan con sus propios artículos y un integrante nuevo del blog que debuta con esta ocasión. Nuestros colaboradores especiales (o escritores invitados) tienen sus créditos bajo sus aportes, así que ahí pueden saber quienes son y sus blogs; y en cuanto al nuevo miembro, bienvenido, y obvio, sigamos pateandola un tiempo más.

Atte. Staff pateandola

Bill Hicks (el héroe muerto)

Dentro del booklet del disco Ænima de Tool nos encontramos con un peculiar homenaje. Está la imagen –dibujada- de un hombre con barba y mirada pensativa. Su nombre, según dice al pie de la imagen, es Bill Hicks, y se le rotula como “another dead hero”. Para quién no sabe quién es –lo cuál es muy probable debido a la escasa difusión de su obra- representa todo un misterio. Si seguimos buscando sobre este hombre nos vamos a topar con que otros grandes grupos como Rage against the machine, y Radiohead también han dedicado discos a su memoria (solo por nombrar un par de los más conocidos), ósea, no es un cualquiera. Ænima, de hecho, va bastante más allá del homenaje y lo cita en las canciones Ænema y Third Eye, siendo una influencia en todo el concepto del disco. ¿Quién fue Bill Hicks?

Hicks fue un polémico humorista (aunque también músico y poeta) estadounidense, fallecido en febrero de 1994 a los 32 años. Se destacó por su particular sentido del humor y visión de la vida. Fue una de esas personas que se puede decir que deja un mensaje en su paso por la existencia, y en su caso, un mensaje lleno de agudeza e ironía.

Si bien era humorista, no tenía nada que ver con el chiste fácil. Al contrario, aprovechó su sitial de humorista para con su particular estilo, crear conciencia y sacudir bruscamente lo que se nos da a entender por realidad. Su humor –negro como dirían algunos- explotaba temas contingentes y controversiales con una crudeza impactante, más sin embargo, con genial dinamismo. Esta crudeza le valió el repudió de una gran parte del público norteamericano, acostumbrado a un humor más burdo e inocuo. Su repertorio que incluía política -pasando por la Guerra del Golfo (estamos hablando de finales de los 80 y primera mitad de los años 90)-, la falsedad y vaciedad del “sueño americano”, el sistema de mercado, el egoísmo, la religión, las drogas, el sexo, la vida y la muerte, no fue nunca bien aceptado popularmente, lo que lo condenó a quedar fuera del “mainstream”. Aun así, tuvo una producción bastante fecunda, y son muy recomendables rutinas en video como “Sane man”, “Restless” y “Revelations”. Van a encontrarse con un humorista con alma de rockstar., totalmente pateador. Pueden encontrar varios clips en youtube.

Su legado proviene mayormente de su filosofía de vida (que siempre fue compartida en sus rutinas “cómicas”). Esta consiste en muy grandes cuentas en no tomarse la existencia muy en serio, y disfrutar la vida como si se tratara de un juego dentro de un parque temático. Nos subimos y hay que disfrutar lo más posible, ya que sabemos que en un momento va a terminar. Así, promovió en todas sus rutinas el valor de la libertad individual y la inutilidad y oscura maquinación tras el “sistema” que nos esclaviza y nos llena de prohibiciones -léase gobierno y religión- que solo nos explota y hace olvidar lo importante que es simplemente vivir. Para Hicks toda libertad vale mientras no dañe a otra persona, lo que incluye libertad de pensamiento, de sexo, y el uso de drogas, que constituye un punto fundamental dentro de esta filosofía, sobre todo en cuanto a la ayuda que significaría para el auto conocimiento y la expansión mental. Este punto será muy relevante en cuanto a sus ideas musicales.

Murió de cáncer pancreático luego de pasar años fumando "dos encendedores diarios". Jamás hablo de su diagnóstico públicamente y trabajo hasta el final.

El vínculo con Tool.

Maynard y Hicks se conocieron en el ambiente nocturno de los “clubes de comedia” a principios de los 90. El vocalista de Tool -que para entonces pasaba desapercibido- frecuentaba estos clubes algunas noches (e incluso aprovechaba algunas ocasiones para presentarse con rutinas propias). En una de esas salidas se topó con una presentación de Hicks, quedando inmediatamente prendado con sus ideas y sentido del humor. Así las cosas, Tool invito a Hicks a que abriera un par de conciertos en el festival Lollapalooza el 93, y Maynard quedó tan satisfecho con la apertura que incluso llegó a repetir en otras ocasiones uno de los chistes de Hicks en que instaba al público a buscar un lente de contacto que se le había caído. Toda esta colaboración quedaría patente en un agradecimiento de la banda a Hicks en el disco Undertow.

Más de dos años luego de la muerte de Hicks, Maynard plasmó sus ideas en la canción Ænema (que les significó un Grammy). En ella se habla del deseo que manifestaba Hicks de que una ola gigante barriera con todo el desperdicio humano y limpiara la tierra. Lo mismo en la canción Third Eye donde se toma fragmentos de rutinas de Hicks relativas al uso de drogas, que según su posición ayudarían al despertar de la mente, y en definitiva, del llamado tercer ojo. Toda una mística que va muy en serio.

Algunas citas extraídas de sus rutinas respecto a la música.

Las ideas sobre música de Hicks son tan geniales como polémicas. Se nota que vienen de un hombre que no solo sabía de música, sino que también le apasionaba. Desde niño tocó la guitarra y le gustó el rock. Los discos con sus rutinas están acompañados por guitarras y sus actuaciones comenzaban y concluían con música, que variaba pasando por Bob Dylan, Elvis, y otros clásicos hasta los más contemporáneos Tool y Rage against the machine.

El fragmento a continuación corresponde al que podemos escuchar al comenzar la canción Third Eye de Tool (solo el primer parrafo).

“See, I think drugs have done some good things for us, I really do. And if you don’t believe drugs have done good things for us, do me a Favor: go home tonight and take all your albums, all your tapes, and all your cd’s and burn em’. 'Cause you know what? The musicians who’ve made all that great music that’s enhanced your lives throughout the years... real fucking high on drugs.”

“Music is a great energizer. It’s a language everybody knows”

“The musicians today who don't do drugs and in fact speak out against it? "Rock Against Drugs?" BOY do they suck.”

“They say rock n' roll is the devil's music. Well, let's say that it is; I've got news for you. Let's say that rock n' roll is the devil's music and we know it for a fact to be the absolutely, unequivocally true. Boy, at least he fucking jams! OK? Did you hear that correctly? If it's a choice between eternal hell and good tunes and eternal heaven and new kids on the fucking block … I'm gonna be surfing on the lake of fire, rocking out … high five at Satan every time I pass the motherfucking shore.”

El párrafo que sigue es una transcripción del video más abajo. Altamente recomendado. Más abajo aun, pueden ver Ænema.

“You know, if you play New Kids on the Block albums backwards … they sound better. Gives them that edge they're missing, puts some fucking hair on their balls. Come on, Bill, they're the New Kids. They're so good and so clean-cut and they're such a good image for the children." Fuck that! When did mediocrity and banality become a good image for your children? I want my children to listen to people who fucking rocked! I don't care if they died in puddles of their own vomit. I want someone who plays from his fucking heart!”

Amén.

Headgirl - St. Valentine's Day Massacre EP (1981)

Para fines de los 70's y principios de la decada de los 80, surgia en la isla britanica la llamada New Wave Of British Heavy Metal.

Esta "nueva ola" llego para patear craneos y reestructurar la onda rockera-metalera de la epoca.

Inspirandose en las antiguas bandas de rock pesado, como Black Sabbath, Deep Purple, Led Zeppelin y Judas Priest, pero adquiriendo del punk rock ingles aquella velocidad, simpleza y actitud que imperaba en la juventud de aquella epoca. Para decirlo de otra manera, rebeldia y calidad en un solo estilo de musica buscaba unificar a los adolescentes de la epoca. Y vino para quedarse...

Lo que nos convoca hoy, hace referencia con lo que podriamos llamar un "split" entre 2 bandas iconos del estilo NWOBHM: Motorhead y Girlschool.

El nombre Motorhead habla por si solo. La banda de Lemmy Kilmister rompia huesos brutalmente en aquella epoca, con una velocidad desconocida y riffs monstruosos, sin perder la entretenida onda del rock and roll. Creados en 1977, a la fecha ya contaban con varios discos, entre los que se destacan "Overkill" del 79, "Ace of Spades" del 80, disco que le da nombre al aquel gran clasico de la banda y "No sleep Till Hammersmith", disco en vivo del año 81 con el que se consolidad como la mas grande banda de rock duro del momento, un recopilatorio de su breve pero fructifera historia de una manera sin igual.

Por otro lado tenemos a Girlschool, una banda un poco olvidada por la historia del rock pero que sin duda alguna marco un precedente al ser conformada solamente por mujeres. Creada en 1977, esta banda se define a si misma como "musica punk con toques heavy, y mesclado con metal (o viceversa)". Con una actitud punkrocker a la vena, pero tocando fuertemente a la par de sus coetaneos, nunca se vieron disminuidas, comenzando a explotar una veta mas "heavy" manteniendo un sonido rockabiliento y sencillo. Para el año '81, solo contaban con el disco "Demolition" con el que buscaban posicionarse entre toda la red de bandas metaleras britanicas. Y lo lograron...junto con el disco "Ace Of Spades" fueron de lo mejor de ese año.

Tanto a este exito como a la afinidad entre ambas bandas, dada por los constantes eventos y giras en las cuales participaron conjuntamente, es que deciden hacer algo novedoso, rompiendo los esquemas usuales de la musica.

La fusion entre ambas bandas fue llamada "HeadGirl" (o Motorschool, como fue lanzado en varios paises) y el nombre del fruto de esta fertil union fue "St. Valentine's Day Massacre", un EP de solo tres canciones. La grabacion de este EP fue durante la recuperacion de una lesion que afectaba al baterista de Motorhead, Phil "Philthy Animal" Taylor, por lo que la percusion quedo a manos de Denise Dufort.

El tracklist se compuso de la siguiente forma. Motorhead eligio un tema de Girlschool, llamado "Emergency" y por su parte las chicas de Girlschool eligieron el tema "Bomber" de su compañero masculino. Lo mas interesante y entretenido, es que juntos versionaron la cancion "Please Don't Touch" de Johnny Kidd & The Pirates, de un sonido rocabiliento con toques fiesteros, pero sin perder la esencia de las bandas; esa actitud pura de punk rock con la fuerza del heavy metal.

Sin mas que decir, esta "lucha de sexos" llego a ser una gran combinacion de poder musical y diversion a la vena, demostrando que las mujeres pueden lograr excelentes cosas en la musica, mas todavia teniendo un soporte de esta envergadura a su lado.

Ahora, deleitense con esta encantadora union: